影视基础知识电子教案Word下载.docx
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有利于刻画人的心理活动和情绪情况。
常被用来做转场组接时的过渡画面。
3.近景：
视距较特写较远的画面，即将摄影机从特写拍摄的镜位向稍加拉开而拍下的画面。
其取景范围，就人体而言，约为人的小半身，即主要表现人物胸部以上的活动情节和脸部表情。
表现人物的脸部表情、说话神态和事物的细节、质感，它是描写人物情感和事物细节的主要景别。
4.中景：
取景范围，就人体来说，一般是拍摄人的大半身，主要表现人物双膝以上的活动情形，让观众既能看清任务的神态，又能看到人物的形体动作，一般是表现人物的半身活动的。
中景：
常常以动作，情节取胜，并配合语言，表达人与人之间的感情交流和相互关系。
5.全景：
视距又比中景远，用以拍摄表现主体的活动及周围的景色，把主体放在一定的环境范围内加以表现。
其取景范围除人的全身外，还包括主体周围的背景。
但背景在画面上所占比例较小，并不能完全说明环境。
6.远景的含义及其艺术功效？
远景：
即镜头在距离被拍摄对象比较远的情况下所拍摄的广阔空间和广大人群。
其特点是画面开阔，景深悠远，一般用来交待环境，渲染气氛。
远景的艺术功效：
A.描写环境。
许多根据文学名著改编的影片和人物传记，一般都要进行环境描写。
在许多影片的开头，便常用远景和大远景交待故事发生或人物生长的时代背景或自然的和社会的环境氛围。
B.营造气势和气氛。
战争片、灾难片一般会多处用到远景拍摄，用来营造不可阻挡的气势和恢弘的场面。
第三节镜头的拍摄方法及其艺术功效
一、摄影机的外部运动（这主要是指摄影机与被摄录对象之间的距离变化的运动。
这包括摄影机跟随摄录对象移动的运动，以及摄像机镜头上下左右换动及变化角度的运动。
1.推：
指被拍摄对象处于某一固定位置，镜头由远处向拍摄对象逐渐推进的拍摄方法。
这样拍摄既可以表现出空间层次的递进变化，让观众仿佛身临其境，又可以引导观众更具体地感受到人物的情绪变化的内心活动。
突出场景内起重要作用的人和物，以及他们的情感、细节、使主体从环境中分离出来有使观众接近被摄对象进行观察的效果。
2.拉：
摄影机的运动方式与推相反，即将摄影机从近处拍摄向后拉开拍摄方法。
因为对被摄对象做特写和近景拍摄，能进入画面的景物范围是十分有限的。
若要展示出一定的人物之间以及人物与环境之间的关系，就得把画面拉开。
作用是展示镜头开始时画面上的人物或事物和周围环境的关系及其空间位置。
这种逐渐展开的环境，对烘托主体有一种特殊的艺术效果。
3.摇：
摄影机固定在某一个位置，让镜头向上下或左右做摇动拍摄。
摇镜头的主要作用是展现观众多的事物和人物，使观众对眼前的场景或事物的各个部分逐一进行观察。
4.移：
即摄影机跟随着表现主体的行动而做的移动拍摄。
一般是将摄影机放在车子或者升降机上，作横向运动或垂直移动。
用这种方法拍摄，可以突破镜框四边的限制，扩大画面的空间。
其艺术功效与摇镜头相同，是通过镜头的外部移动来扩大观众的视野。
5.跟：
作用是能更好地表现人物，物体在运动中的形态及其运动过程。
如：
飞翔的雄鹰、奔跑着的人、行驶的人、船等。
跟摄像、摄像机位不动，镜头始终跟着运动着的被摄对象，使它一直保留在镜头画面内。
二、运动镜头
在镜头中，画面是可以变化的。
这种变化，除了被摄对象的运动之处，摄像机镜头的运动也是一个十分重要的因素。
摄像机镜头为什么要运动呢？
因为它可以使静止的画面构图发生变化，产生动感、使之更加生动。
（如拍固定景物、用推、拉、摇的运动）。
二、镜头的内部运动
1.变焦距镜头：
即在不改变摄影机及被拍摄对象的未知的情况下，通过镜头内部焦距的变化来改变被拍摄对象与观众的距离，使画面变大或变小的镜头。
运用变焦距镜头，可以模拟推、拉的拍摄方法，产生移动的错觉效果。
2.慢镜头：
改变镜头在拍摄时的运转速度，对拍摄对象进行高速拍摄，即摄影机以每秒48.72或96画格的速度运转（正常运转时每秒24格），比正常拍摄快2.3.4倍，放映时候以每秒24画格放映，演员的动作就会变慢，仿佛是腾云驾雾、飘飘欲仙，这样叫慢镜头或慢动作。
3.快镜头：
拍摄时放慢摄影机的运转速度，使每秒拍摄的画面不到24画格，放映时便出现了画面的快速转换。
这种拍摄又叫降格拍摄，一般用来制造紧张气氛，如一半飞奔的马，风驰电掣般的列车给人势不可挡之感。
4.空镜头：
即画面中没有出现人物的镜头。
其艺术功效，主要是通过景物或道具来揭示某种思想或抒发某种感情。
巧妙地运用空镜头，对揭示人物内在的思想感情有着巨大的作用。
5.主观镜头：
摄影机的镜头当做剧中人的眼睛，并依据剧中人的主观视线和心理感受而拍摄的画面。
这类镜头为的是表现角色在规定情境中所见到的实况，并把角色的内心感受巧妙地传达给观众，把观众导入影片的规定情景中。
第四节镜头的组接方法
（在导演的分镜头剧本的某些影视文学剧本中，常常标有显、隐、化、切等字样，这就是指的镜头与镜头之间的不同的组接方式。
1.显：
又叫渐显、渐现、淡入，就是画面从空白或全黑中渐渐现出。
2.隐：
又叫渐隐、淡出，与渐显正好相反，就是画面逐渐隐退直到完全消失。
3.化：
又称“溶”。
前一个镜头还在“渐隐”中，后一个镜头便渐显了。
好像是在模模糊糊的印象中由前一个画面转化成了后一个画面。
前后两个镜头这种“变”的过程是一个“溶化”的过程所以又称溶或叠化。
（化出化入的组织也是一种交替，也能给人以一种时间递进的感觉。
所以化出化入通常是用来表现一些不完整段落之间的时间分割。
4.划：
与“化”相类似的一种组接方式。
指前一个画面向一旁迅速推出，后一个画面逐渐伸张，直到完全代替上一个镜头，占满银幕。
（“划”一半也是用来连接各种比较完整的场景的，但在使用时与“化”有所不同。
倘若前后两个场景在内容上是属于同时异地的展开或平等发展的事件，用“化”来转接就不那么流畅自然了。
在这种情况下，一般都用“划”。
5.切：
又叫“切换”。
就是将有某种内在联系的两个不同的镜头（画面）直接来粘接起来，这种组接方式中间没有任何递变过程，不用任何光学及技巧，镜头的组织简洁紧凑，使场景得到迅速的变换，是当今电影艺术中最基本的镜头转换方式，具体讲，又可分为连续性切换和穿插性切换。
连续性切换，即后一画面中所表现的动作是前一画面中动作的继续，或者是前一画面中所展现得内容的一部分。
穿插性切换，它与连续性切换不同，后一镜头不是前一画面中某一动作的继续，不包括前一画面的某些部分。
二、影视构成的基本手段
电影和电视之所以能通过画面而说话，成为能讲述故事的叙事艺术，只因为它们具有一种最基本的构成手段——蒙太奇。
1.蒙太奇：
原是法语montage的译音，是法国建筑学上的术语，即构成、装配的意思，借用到电影艺术中后，便是剪辑和组合的意思了。
狭义：
是作为一种影视语言符号系统而出现的，专指镜头画面、声音、色彩等元素编排组合的手段。
广义：
不仅指画面、声音、色彩等元素编排组合的方式，也指从剧作构思到作品完成过程中，艺术家的一种独特的艺术思维方式。
2.蒙太奇为何能成为影视艺术的基本构成手段？
A、符合于人们视觉感受的规律。
（我们都有这种体验，我们对周围的事物进行观察时，常常不会把目光固定在某一个点上，而是根据视觉感受和心理感受的需要，跳动于“远景”、“中景”、“近景”乃至“特写”之间。
而且眼睛这种运动又往往不是以统一的速度进行的。
如一个人的心境处于平静安适的时候，眼睛的运动是缓慢而悠闲地，当某人处于内心激动或受到突然的刺激时，目光变换的节奏就会大大加快。
影视的镜头调度及画面转换的节奏，便正是基于人们的这种视觉感受的基本规律而诞生的。
B、符合人们思维活动中联想习惯。
（客观事物之间常常有着某些相互的内在联系。
因此，在人们思维活动中，便常常做出某种能够联想，并因此得出某些结论。
影视艺术中运用对比、双关、象征、隐喻等手法，正是从人类这种自然联系活动中产生的。
C、符合艺术对生活进行概括反映的要求。
影视要对生活作艺术的反映，就得进行必要的选择和提炼。
通过强调和省略才能达到高度概括的目的。
影片中删掉一些次要的东西，目的要把观众的注意力引向更重要的细节。
蒙太奇的重要作用就在于这种去粗取精的可能性。
3.蒙太奇的主要功能？
A、可以使镜头画面产生出新的含义。
（把某些段落或画面重新安排，就能激起观众不同的心理反应，产生不同的情绪感染。
“库里肖夫效应”实验，面部特写，与三个不同镜头组接在一起，获得了完全不同的意义。
充分证明了蒙太奇在电影拍摄中确实有种奇特功效。
B、可以激发观众对比、联想，积极参与影视艺术的再创作活动。
（通过蒙太奇组接，常能使观众在镜头所传达的原有的信息基础上，进行多种多样的对比、联想。
C、可以营造各种节奏。
在镜头的连接中，可以产生影片所需要的蒙太奇的节奏，这种节奏，其实就是电影的脉搏。
影片有脉搏则是通过镜头的组织和运用而产生的。
其构成元素主要是人物的运动的强度、镜头的组接和转换速度、音乐的旋律、环境气氛以及影片的叙述风格等。
优美的节奏，将使影片刚柔相济，张弛合度，借此可以感染观众的情绪，迫使观众的感情脉搏同它一起跳动。
4.蒙太奇的分类及其表现形式
蒙太奇结构模式主要有两大类：
即叙事蒙太奇和表现蒙太奇
A、叙述性蒙太奇：
把一系列能表现事态进程和剧情内容的镜头，按一定的时间顺序和逻辑顺序有机地组织起来。
主要作用是讲述故事、展开和发展情节。
它是以镜头的连续性组接为特点的，所以又叫连续性蒙太奇。
按其组织方式的不同，又可分为以下各种形式。
1平行式：
好比小说中的“话分两头”的叙述方式，常被用来展开故事情节，让同一情节中的两件或三件事同事展开。
镜头时而交代这一头，时而交代那一头，起到相互呼应，彼此补充、烘托、促进的作用。
2交叉式：
主要特点是把同一时间内，在不同空间发生的两种或三种动作线交叉剪辑，以此造成悬念，使剧情逐步趋于紧张，推向高潮。
3复现式：
体现同一内容的镜头画面在影片中反复出现，或者说代表着主题思想的事物在关键时刻一再出现在银幕上。
4对话式：
上一画面中某个人物的话，仿佛是对下一场景的某人说的，可实际上它并不构成一种直接的对话。
但由于其间有着某种内在的联系，使得这种“对话”衔接得十分自然生动，简洁明快地推动了剧情的发展。
通过这种对话时组接，直接把许多不必交代的过程巧妙地省略了。
5叫板式：
“说曹操，曹操到。
”即上一场景叫道某人或某物，下一镜头便是那人或那屋的出现。
它的作用是前呼后应，推动剧情发展。
表现性蒙太奇：
特点是以镜头的对列为基础，通过不同画面在其内在含以上的相同、相近或相对的画面因素的联系或撞击，迸发出新的思想火花。
B、表现蒙太奇主要作用：
制造美学效果，使画面着力表达情感、思想、情绪、气氛和哲理。
表现蒙太奇有以下几种具体形式：
1．并列蒙太奇（积累蒙太奇）：
仿佛文章修辞中的排比句，它把若干性质内容或形象相同的主体前后组接在一起，造成一种效果的积累，常用于渲染气氛，强调情节。
爆破、铲土、装车、运输的连续出现形式繁忙的工地气氛。
飞机、坦克、大炮镜头的堆砌则形成战争气氛。
2．对比蒙太奇：
它如同对比的修辞手法，将两个镜头或场面或段落或形象之间在内容和形式上的强烈反差组接在一起，产生相互加强，相互冲突的作用，以达到对比的效果。
对比的内容可以是画面的内容，如贫与富、苦与乐、生与死、美与丑、高尚和卑下，胜利和失败等。
也可以是画面的形式，如景别的大小，角度的仰俯、光线的明暗、色彩的冷暖、声音的强弱等等。
《巴黎圣姆院》美女与丑陋人在形象上的对比，丑陋人与教士在心灵上的对比，黑与白的对比等等。
3．比喻蒙太奇（象征蒙太奇）：
它也和修辞学上的比喻有相同之处，它通过不同主体内容镜头的组接，让它们形成一种比喻关系。
《高考1977》中，燎原的野火象征着当时的青年对知识的渴望，势不可挡。
4．节奏蒙太奇：
它的作用是表达紧张、活跃、轻松、悠闲的情绪和气氛。
以较多较长镜头为基础的结构容易形成慢节奏，而以较多较短镜头（或者说多用分切）为基础的结构则容易形成快节奏。
一对情人湖边漫步，切切思语，为慢节奏。
激烈的枪战、两侠士的武功对擂为快节奏。
5.长镜头
A、长镜头：
在一个镜头内部通过演员的场面调度及镜头的运动，在画面上形成各种景别和构图的镜头。
（它是以基本的等同于时空的镜头画面来表现所摄对象的全过程的，由于它可以保持时间的连续性和空间的完整性，因此，能达到一种没有经过加工的真实。
所以，长镜头理论又叫“纪实派理论”，记录性是其根本的美学特征。
用长镜头拍摄的镜头画面在表意上往往带有更大的客观性、多义性。
B、长镜头就艺术功能分两类：
纪实性长镜头（主要特征是侧重于强调时间的连续性和空间的整体性，使一个镜头能够在一个与现实相一致的时空里完成对一个动作或事物的完整过程，让画面本身说话，不加导演的主管意念和暗示。
）场面调度长镜头（通过导演精心设置的景别、场面、人物、构图及光影、色彩等造型因素变化，来体现创作者的意图。
这实际上是一口气拍下来的一种多场面的镜头，所以又叫镜头内部蒙太奇性质的长镜头）。
三、电影的拍摄
（一）电影摄制的前期——案头准备阶段
电影的前期创作，又称之为案头准备阶段，这一阶段大体包括三个步骤：
1.确定好文学剧本。
电影文学剧本是一部影片的基础，这个基础越好，即主题思想越深刻，结构越新颖，严谨，人物的典型化程度和电影化程度越高，这部影片成功的可能性也就越大。
●电影文学剧本的来源？
编剧专门为电影创作；
编剧根据各类文学作品改编，当剧本定稿并被制片公司接收后，编剧的任务就完成了。
●电影导演接触文学剧本的途径有三种不同的方式：
A兼任式：
导演自己动手写剧本。
这样，导演就是完全意义的“电影作者”了，这样拍摄出来的影片，较容易体现出鲜明的个人风格；
B介入式：
在剧本的编写阶段，导演就参与进去。
这种编、导共同构思写作的方式，可以提供“电影化”程度较高的文学剧本，给未来影片拍摄带来一些有利条件，风格也比较统一。
C接力棒式：
导演从编剧手中接过一个已经定稿了的文学剧本，然后再作导演的构思和处理，这种方式是目前国内外都普遍采用的。
2.写出分镜头剧本。
分镜头剧本是对未来影片设置所作的总体设计，可以说是未来影片的蓝图。
导演在拿到剧本以后，就要对原作进行分析研究，并与原作者交换意见，大胆地做出必要的修改于补充，然后再进行电影化的再创作，写出分镜头剧本。
*分镜头剧本除了对原剧本作明显改动外，还需在文学剧本的基础上做出如下五项决定：
A将文学剧本中叙述的故事情节分成许多不同的镜头，并把每个镜头的内容进一步视觉化（具体化）。
B计算出每一个镜头的长度。
C给每一个镜头规定各自的景别与拍摄方法。
D将场面调度具体化。
E根据剧情发展的需要配上音乐效果。
分镜头剧本是导演在文学剧本的基础上进行的“二度创作”。
与分镜头剧本的写作相联系的，还有外景的选择。
许多导演总是将分镜头与选景同时进行，有个甚至是先选景而后再分镜头。
2.组织摄制班子，叫“某某影片摄制组”。
包括与导演合作的主要摄影师、电影作曲家、美工师、化妆、服装、道具设计师，剪辑师，演员。
（二）电影摄制的中期——实拍阶段
实拍阶段首先要做好一件事，将镜头分割归类。
一部故事片有五六百个镜头，但是任何一部影片都不会是从一号镜头开始一次从头拍到尾。
这主要由于电影时空的跳跃性决定的。
拍摄过程中，导演是统帅一切的核心人物，整个摄制组像架庞杂的机器，能否正常运转，很大程度上取决于导演的组织调度才能。
（三）电影制作的后期——从剪辑、混录到合成
1.剪辑，如果说实拍必须将镜头分解，化整为零，那么剪辑就是将镜头整理组装，聚零为整。
就是将分散拍下的镜头按故事的情节发展组织装配成一部完整的影片。
剪辑既是一项技术性的工作，同事也是一种创造性的劳动。
剪辑师的创造性，主要表现在正确而巧妙地运用各种剪辑的方法，并准确地把握电影的节奏。
2.混录，是影片后期处理中的又一个重要步骤。
主要是将对白的磁带、音乐磁带、效果磁带根据画面交代的长度相应地分别剪辑以后，再混合录制在一条磁带上的一道工艺。
声音包括对白、音乐、音效的录制。
现有录音方式一般有“前期录音”、“后期录音”和“同期录音”。
前期录音主要用于戏曲片和音乐片的录制。
录音师先把唱词、乐曲等录制好，在石牌画面是做现场播放，让演员们根据播放的长短或乐曲作同步表演，使演员把精力集中在表演上，提高表演的质量。
后期录音是在镜头画面拍摄完成以后，由演员在录音棚里根据银幕上的无声画面对口型念台词，同时由拟音人员按画面的要求复制各种音响效果。
目前影片制作，趋向采用同期录音，在实拍画面同时，把演员的对白和环境音响同时录下来，使影片获得更为逼真的音响质量。
3.合成洗印，混录以后制成的影片叫“双片”，一片是画面，一片是磁带。
在经过审查通过以后，还需将双片合成然后才能洗印拷贝交付发行放映。
四、影视鉴赏
影视艺术鉴赏：
是以影视艺术欣赏为基础，以影视艺术观赏为前提，以影视艺术批评为方法，它通过影视艺术鉴赏主体，对影视艺术符号信息的全面意义接受和判断，完成了对影视艺术文本的具体阐释和权威评价。
影视艺术鉴赏与影视艺术欣赏的区别？
1.鉴赏是在影视艺术欣赏基础上的一种有计划、有目的的影视艺术接受活动。
而欣赏则是一种无明确目的的、随意性较强的影视艺术接受实践活动。
鉴赏的特点是具有强烈的思辨性、逻辑性和判断性，或者说具有强烈的理性色彩；
而欣赏“纯粹是一种直觉的活动”，特点是有着深刻的本能性、体验性和感受性，具有浓烈的感性意味。
2.鉴赏对审美主体的要求是苛刻的，它要求主体审美时将自我融入到作品中去，用全部的生活积累、生活经验、人生体验和艺术理论修养去捕捉、感受作品中的每一个意义闪光点，并且要求主体寻觅到这些闪光点背后的实在意义，决不放弃任何一个艺术细节。
欣赏却非这样，既不要求主体对影视作品作深层次的理论分析、理性思考和理性判断，也不要求主体在得到审美欢娱的同时，一定观有所得。
鉴赏要求审美主体在观看影视作品时，必须用理性去看，用理智去看，用智慧去看；
而影视艺术欣赏则要求主体用情感去看，用体验去看，用感觉去看。
前者看的是门道，后者看的是热闹。
五、影视批评
（一）影视批评的作用
1.影响和提高观众
影视批评对影视艺术欣赏者、影视艺术创作者以及影视文化导向都有极大的作用。
影视批评是影视艺术本身与观众发生联系的桥梁，也是检验影视作品社会效益的途径。
影视自身的性质决定了创作过程中不可避免的主观性和创造性，创作者以自己的方式说着、笑着、哭着，在曲折形式中显现人生理想、审美理念和艺术观念等等。
因此，影视评论目的在于把已溶化在作品中的思想观点、艺术美等揭示出来，而这一目的的实现的过程，也就是艺术形象再创造的完成过程。
因此，评论一方面是“联系艺术家与观众的纽带“以提高观众的审美素养，更重要的另一方面是以准确、生动、有深度和高度的评论加深对银幕艺术形象的再认识和再创造。
如果前一方面是提高观众的审美素养，那么后一方面则可以说是重塑了观众的审美素养。
首先，提高观众对影视作品社会意义的理解。
其次，提高观众对影视作品艺术性的理解。
包括作品的形象生动性、主题概括性、情节丰富性、艺术独创性、美感自然性、形式完美性等诸多方面的理解与提高。
2.帮助作者提高
影视批评是对电影检验的一种重要形式，是对电影艺术进行科学的分析和评价的有益活动。
而这种分析和评价，总是在一定的时代条件下进行的，总是从一定的立场、观点出发的，它往往要对作品及电影艺术家的成败、优劣、得失等做出明确的判断。
影视批评对电影的创作本身能起到促进作用。
电影评论家通过从各种角度对电影作品或电影现象加以分析、评价，必然会帮助电影的作者找出不足，总结成功和失败的经验教训，探索电影创作的普遍规律，从而不断提高自身的创作水平。
高质量、高水平的影视评论，不但能指导电影艺术家的创作活动，有时还能影响一个时代、一个阶级、一个流派电影创作者的创作思想、创作倾向、创作风格。
3.对影视理论建设起促进作用
影视评论可以直接上升为电影理论，探索和阐明电影艺术的创作规律及美学原则，对影视创作予以理论上的总结和探讨，探索影视艺术构成及其规律，指导和影响整个电影艺术的发展方向。
总之，没有影视批评对观众和作者的帮助，对影视理论的推动，就不会有影视艺术的繁荣和发展。
（二）影视评论文章的写作从其内容的表达上说，应遵循的原则。
1.强烈的艺术精神。
影视评论所面对的对象是艺术，而且是迄今为止具有最丰富、最复杂形态的现代艺术。
影视艺术是融现代科技手段与众多艺术元素于一身的本体特性，使他们的艺术传达包容了相当丰富的信息。
同时，其艺术构成相应地表现出复杂性。
影视鉴赏要真正地渗透一部合格的影视作品，本来就不容易，何况有相当多的影视现象，其本身还联系着很广泛、很微妙的社会物质现象与精神现象。
因此，轻率为之的态度，尤其是非艺术的和反艺术的态度，是影视评论写作的大忌。
2.严肃的科学态度。
坚持严肃的科学态度，充分发挥理性的指导作用，并做到一切从尊重客观事实的基点出发。
必须做到用历史的、美学的观点依照文艺学和影视学的基本原理，通过严格的、一丝不苟的科学程序去研究和衡量自己的评论对象，从而形成自己应有的结论，并对之做出有理有据、合情合理、周密翔实、明确清晰的论证。
3.正确的思想立场。
有正确的先进的思想立场，注意体现影视评论写作的指导性。
就影视评论的社会性质和终极价值，只有在帮助读者获得对审美对象的正确认识之后，才能得以实现。
不但应当始终坚持以有利于国家、民族、人民的整体利益为原则，注意从特定的社情、国情、民情出发来进行实际操作，而且应当努力用先进的思想体系，健康的现代观念，作为自己的理论基础，正确地区分真理与谬误的界限。
否则，写作本身就可能变成对读者的误导。
六、
（一）电影
1．
产生背景：
19世纪后期，欧洲工业革命带来的科技进步，促成电影艺术的诞生。
2． 世界电影诞生
1895年12月28日，法国巴黎卢米埃尔兄弟首次售票放映自己拍摄的《火车进站》、《拆墙》等影片。
3． 中国电影诞生
1905年北京，丰泰照相馆创办人任景丰自购摄影机，拍摄由京剧名伶谭鑫培主演的《定军山》中“请缨”、“舞刀”等片断。
4．
世界有声电影诞生：
1927年美国摄制并公映第一部有声电影《爵士歌王》。
5． 中国第一部有声电影
1931年，明星影片公司和百代公司
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