浅谈中国画的审美特点.docx

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浅谈中国画的审美特点

窑洞画派创始人__X武宏艺术馆

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2011-09-0604:

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浅析中国画的审美特点X武宏

寄语：

在中国画中，情理相合，意境相符，是非常之高的境界。

搞艺术的人，做中国画，实际做的是精神，而绝对不是职业。

画画，是精神

之事，是思想情感之事，是文化修养之事，是一个人的生命品格。

古人云：

人品

不高，落墨无法。

有人主X不要把道德和艺术联系起来。

这说法经不起推敲，不

可能没有关系。

品格在绘画领域，更表现为一种文化品位，个人修养。

一种关于

艺术、生命、生活的一种修为。

现在国画界，有人玩技术，有人玩花样、形式，

有人玩主题、内容。

其实一幅画应该给人一种独特的内在感受。

我们可以去读齐白石论画，读黄宾虹论画，读李可染、潘天寿、李苦禅

论画。

但对时下一些流行美术理论和观点要有明辨是非的能力。

参禅要求人有定

力，道家主X有所不为，弱水三千，只取于己有用的一瓢足矣。

每一种画派都有自己独特的好，都有雅品俗品。

不拿风格说事，哪种风格都有好的作品。

比如写实主义——唐画、宋画画得叫个好。

它的写实不让你觉得腻烦，千笔万笔亦不嫌多。

徐渭舍形而悦影，吴昌硕画气不画形，都好。

有人现在说不要老搞文人画那套高雅，要画俗、画艳，也没问题。

比如画裸体，这是极为高雅的。

可有些人画的即使穿衣服也显得非常庸俗、XX。

所以不在于外表在内涵，不在形式在品格。

品格是艺术的生命，不管是东西方艺术，不管画什么画。

总之，搞艺术的人要的是精神，拼的是文化，较量的是修养。

艺术不是职业，是一种人格的参与。

荣格说过艺术就是一种神秘的参与。

这种参与就是艺术的脉。

我们要从这个角度去找寻到自己的艺术。

关于中国画，我以黄宾虹为例，因为他比较具有代表性。

新中国画创作，从传统来考察，主要就是辨证。

中国文化就是辨证的，中国人思考问题的方式也是辨证。

阴阳平衡，五行相合，最后就是化为中庸。

简而言之，就是一个“和”。

而另一个“合”，也是非常重要的。

“和合”代表了中国哲学的特征。

黄宾虹画论：

“干裂秋风，润含春雨”，辨证。

X仃先生的山水、焦墨，以偏为盛，然而他缺少温润的一极，用中国文化的太极思维来说就是“独阳无阴”。

太极思维博大精深。

有人偏刚，有人偏软，都在寻找自己的平衡点，这叫允执其中。

看黄宾虹的积墨画，感觉里面干湿浓淡、焦浓重淡轻全有，你才觉得它丰富。

石涛说，精神灿烂，出于纸上。

太极拳功夫达到高境界，就是神意。

任何一个动作里都有道，都是圆满的。

招招圆润。

以这种角度去看八大山人、齐白石、黄宾虹的作品，都能获得这种感受。

我们现在是一个混乱盲目不择食的年代，艺术处于混乱之中。

造作，是这个时代的风气。

而人类的伟大艺术能够沉淀写入历史的人，一是开创时尚的人，一是独立于时尚之外的人。

我这里强调一下情与理的合一。

齐白石为什么高，在于他的情。

他来自于社会底层，有对家乡生活、农村气象的感情和印象。

他朴素的像个老农，他画了一辈子农耕文明。

这恰恰是他可贵的地方。

他有机会升官富贵，但他并没有这样去做。

他的人性中闪烁着光辉。

平民文化就是齐白石艺术的灵魂和魅力所在，他是中国市井平民文化的代表。

他对万物、生活、自然的热爱，他的情，成就了他艺术上的独特高峰。

“年高身健不肯做神仙”。

而黄宾虹就是画理的代表，画中国文化的道理。

所有他的画都是在画这个道理。

他对中国文化史、绘画史的学养和鸟瞰，是他绘画潇洒的本钱。

所以，齐白石的情趣和黄宾虹的理趣都是非常伟大的。

当然，相对来说，齐白石的情趣更接近生活，也更容易为人们所理解，而黄宾虹的“理”过于精深，需要进入他的思想世界才能够了解。

齐白石可以说讲究通俗，黄宾虹追求文雅，潘天寿也是如此。

他们的文雅需要他们的文化来给予支撑。

情与理之外，还有情与景，意与境。

中国人说：

“意与境会，是为氤氲。

”意是画家的意，是他的主观；境，是我要制造的世界，是我要面对、取材的客观。

意境是个主客合一，是造化与心缘的结合。

王国维说：

“一切景语皆情语。

”人是有主观能动性的，是能制造一个主观世界的。

当然，这并不意味着可以完全的脱离自然，脱离生活，否则就是太主观了，变形，夸X了。

中国画不走这个极端，只追求所描绘世界与自己的意思合为一体。

说李可染画的山水，就是说他的画里带着他自己的气质：

严肃、深沉、执着、庄重，富有责任感、使命感。

他对这个时代、生活、自然有感情，他要“为祖国山河立传”。

有人说他是政治型的画家，画了很多革命题材。

我认为李可染的感情是真实的，他对祖国河山的那种热爱是发自内心的。

中国画在他看来，是一颗蒙尘的明珠，他要“东方既白”。

他不再去画古代的文人山水，是因为他的感情时代已经不一样了，他被这个时代所感染。

他不仅创造了一种画法，更重要的是他在画背后所注入的精神含量，他的精神世界。

厚重、沉甸甸，反感轻浮、滥用聪明的人。

他是大智慧，却一直是在“藏拙”。

总之，在中国画中，情理相合，意境相符，是非常之高的境界。

看中国画，如何看虚与实。

有人说中国画不科学，留那么多的空，那么多的虚，看人家西洋

油画画得多么厚实。

对于此，我只能说这恰恰就是中国画的妙处所在，你看不懂，是你自己对中

国画的真正含意知少。

中国画就是用虚不用实。

并不是说不能写实，唐宋画就把“写实主义”搞的很

好。

非不能也，实不为也。

中国人的思想受道家影响深远，不愿心为物役，追求境由心造的平衡心态。

我之为之，梁漱溟在《中西文化及其哲学》里说的一句话：

“中国文化是向内的。

”这一句话道破了中国文化的天机。

而论及中国画，黄宾虹的画即是虚实结合的典X。

如果你不能看虚，看不了虚，你就不能欣赏中国画。

黄宾虹谈论围棋时说下棋要做活眼，活眼多则满盘皆活。

用棋话来看他的画就是如此，有笔墨的地方就是“黑龙”，没笔墨的地方则是“白蛇”。

龙蛇狂舞，整个画面显现一派虚白之气。

就他本人而言，是在世俗之中做着事业，内心却带着出世的超然，不求世俗功名。

中国的艺术。

我以为就是人文主义，不懂人，不懂人格，你就不懂中国画。

所以黄宾虹是得了大道的人，他看出来自己的东西在当时是不合时宜的，他也没打算去追什么时髦。

然而他的文化主见、艺术思考一点不比当时流行的差。

因此如果说齐白石、吴昌硕是开当时的时尚而伟大，那么黄宾虹则是独立于时尚而伟大。

他不是靠炒做，而是他自身的艺术魅力。

从黄宾虹的画里我之认为：

要懂得中国文化和中国艺术，要懂得“气”。

这是中国文化的要义，是个核心词。

理解了气，才能知道中国文化讲究什么，它自己的一套规律。

黄宾虹画的是中国文化的气运和气脉。

他的虚实黑白体现的就是太极之气象。

清人说：

“无画处皆成妙境”，有无相生，虚实相成，以此来陈述中国太极文化的道理。

他也不是为了故意的出奇，有意的作怪，但我们觉得气在其中，就如潘天寿所说的：

“平中见奇。

”故意地做出一个险怪的形状的奇，是可见之奇。

只有在平凡的、平淡的、平常的、平正的景致中能让人感到不平，这才是更耐看的奇。

因此可以说只有类似黄宾虹这样的中国画，才体现了中国文化的品位，耐人把玩。

现在人画中国画，画山水画，是把所有的聪明，所有的想法都露在画面上，不耐看。

就比看谁画的大，谁更能吸引眼球。

结果是画虽大，气局真小，做不到小中见大。

黄宾虹的画不大，但就是让你感觉到小中现大，平中见奇。

画的很少，意味很多。

这其实就是中国画非常独到的地方。

这与西方实验室式的、逻辑的文化方式根本不同，中国人是直觉主义，重视直接的领悟、感受和体验。

李泽厚说中国的美学是“实践美学”，我看应该是“体验美学”更合适些。

中国人说气，是既抽象又形象的。

所谓的气，可以理解为生命之气。

说一个人气象不凡，就是指他的生命之气旺盛。

道家说，形而上为道，形而下为器。

懂得气，它既是万物的本原，又是万物的本身，同样也是艺术生命的感悟。

所以可以说中国画随着气的美感而动，无与伦比。

虚与实必须通过气的往来。

中国画不能画得太腻，又不能画得太空。

黄宾虹晚年时期，他早年对自然的观察、写生，对文化的研究都已成过去。

所有的绚烂归于他现在的平实。

此时的他已经达到了“无象无形”的主观挥洒的忘我境界。

从他的画我们看到的，是大。

他没有雕琢于一个小的东西，他没有拘泥于一个小的形象，然而好多意想自在其中。

中国画的观察办法因此也就是要以大观小，鸟瞰人生，品味风物。

老一辈人常常教导后辈要注意的“笔气”或“墨气”，说的就是你与生俱来的性情。

气是非常重要的，我们可以看黄宾虹的画，他里面留的一些气眼，留的一些白，闪闪烁烁。

不象现在人画画，弄得实黑，堵得死黑一片。

黄宾虹的画里都透着活气，它有呼吸。

就象赵无极说的那样，画画要喘气。

时下很多人画画不喘气，堵死闷死了算。

这不叫厚重，而是呆滞、凝滞。

高明的中医看到病人，先说你经络不通，气血不周流。

现在的中国画最大的毛病也在于此，气血不周流，没有气韵。

山无脉络，水无源流。

从虚实又可以讲到中国画的另一个内涵——藏与露。

各家对此都有自己的理解。

古人云：

善藏者未必不露，善露者未属不藏也。

藏和露是相联系的，只藏不露，那别人无从知道；只露不藏，一味地表现，江郎才尽，不达高峰。

有人批评黄宾虹的画没有造型，我倒觉得什么是造型。

黄宾虹的造型就在这奇与不奇、乱与不乱之间。

有人说鉴定黄宾虹的画困难，我说没那么难，首先看积墨的部分，如果没有层次井然的笔墨，或者是依次叠加，一目了然的层次，那就不是真品。

他作品的高明就在于在表面的纷乱之下，山川草木的景致隐然于中。

笔墨、线条的运用非常清楚。

还有人说黄宾虹学古人，却没一笔象古人。

这恰恰就是他高明的地方。

黄宾虹是以做学问的心态来把握古人的笔法、墨法、章法，并不求一笔不差，是意思上、气韵上非形迹上来学。

我们现在的临摹往往就只在形迹上求象，所以对于临摹一定要有正确的态度，黄宾虹能给我们很多的启示。

在二十世纪的中国画坛，若论深度，黄宾虹第一；论真率，齐白石第一；论凝重，李可染第一；论风骨，潘天寿第一；论平淡，陈子庄第一；论质拙，关良第一；论苍老，吴昌硕第一。

黄宾虹最具深度。

黄宾虹曾说：

“入蜀方知画意浓。

”进入XX以后，“沿山做点三千点，点到山头气韵来。

”这是他以点作皴的开始。

我也去过祖国很多大山名川，感觉要画XX的山水，传统的皴法确实是不行的。

而二十世纪的代表性画家，X大千、齐白石、傅抱石、黄宾虹、陈子庄、陆俨少、李可染等都生活在或路经过XX，此后而声名大震。

原因就在于XX的草木朦胧，不见山骨。

要进行描绘，用折带皴，不行；用斧劈皴，更不对；用鬼脸皴，顶多是接近。

所以傅抱石创造了个“傅抱石皴”，所以从某种意义上说也确实是没招了才以至如此。

黄宾虹的方法是以点作皴，皴、点、染结合。

XX的山水水气迷离，烟峦迷朦，草木浑厚。

只有这样画，才能表现出来。

再结合刚才说的黄宾虹虚实结合，黑龙白蛇，在这里得到了体现。

那时他们这些画家画山水，讲究风水，一定要让人觉得悠然神往，看画就想去实地实景。

现代人画画，不讲求风水。

这不是什么迷信，而是一种文化心理。

古代的好多山水画都符合依山傍水、风生水起的风水追求。

再讲讲刚与柔。

在中国的太极文化里，刚与柔是相辅相成的。

但中国自从文人主导了中国绘画的权力话语以后，就极力强调柔为上。

上善若水，柔弱胜刚强，老子所言。

但刚柔应当并济，不偏刚，不偏柔，这也是中国书法的规律。

所以黄宾虹也说，书诀也就是画诀。

有人说画中国画还写什么字，练什么书法啊，画是画，字是字。

不错，从表面上说是这样。

但是如果说你要走写意画的道路，书法不过关，不入流，那你的中国画也画不出内涵来，你的底线本身也不会太高。

近现代的几位大家，有哪一位是书法很差的？

书法家不一定会画画，但这些名画家的书法一定都不会太差。

从X大千、齐白石、吴昌硕，李可染、X海粟等，没有书法差的。

即使是写怪字的石鲁，他对书法也有他独特的的见解。

有人说我画工笔，练练书法同样也有助你作品品位的提高。

赵云壑模仿吴昌硕而达不到，就在于他的书法功力不及；蒲华的竹子画得好，是跟他的字一致。

中国画推崇以自然为美，这是道家的思维，黄宾虹在美学上也赞同。

不期然而然，叫有天趣。

对于绘画，潘天寿说，不在天才，不在功力，在天才跟功力之间。

平时要认真练功，到画的时候要自然流露出来，甚至身不由己。

中国文化是向内而不是向外，只有过来人才能够明白。

中国画是中国国粹，我建议大家也涉猎一下其他国粹种类，这对作画深有帮助。

中国艺术的玄妙之处就在于难于言说其妙，说也说不出来。

说重的时候不全是重，说轻的时候不全是轻。

阴阳交合，难于分辨。

这其中奥妙需要自己去体会。

黄宾虹讲求文雅，是个学者型的画家，以做学问的态度来做艺术；齐白石是一个抒情写意的人，要表达他的平民情怀。

所以黄宾虹画理，齐白石画情。

齐白石是情意之中合乎理，黄宾虹是理趣之中有意味。

之所以说这两个人，并主要以黄宾虹作品为例，并非说只有黄宾虹是唯一的，是超越所有其他人的。

艺术世界的美丽在于风格的多样。

推崇黄宾虹在于他最能够说明中国画的文化内涵，有一种代表性。

中国画的问题是不易言说清的，有很多的难处，只有自己体悟。

对于经典，经得住百回读。

经不起的绝对不是大家之作。

艺术是人，交往多年后，一日不见如隔三秋，他就是个有品位有素质的人。

编后：

今晚因身体有些不适打开电视看了一场官司，－个大名家与一位收藏

大挽的法厅辩论，一位大家以流水作业在画画。

勾起我多年封存的思绪，画家

每－幅作品的面世，是自已艺术修养的精神托志，也是一种情感的流露，更是一

种社会责任感的集中体现。

以上之见是自已浅识而言，并非谈论谁是谁非，自有

高人论道，敬请斧正。