第一章 水彩静物写生.docx
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第一章水彩静物写生
第一章水彩静物写生
第一节 概 述
色彩，在我们生活的方方面面都能够感觉得到它的存在。
在高等艺术院校，开设色彩课的目的是了解、学习色彩的基本知识，逐步掌握色彩的变化规律，运用色彩造型的基本方法，研究色彩的规律及其特殊性，达到较为完美地表现对象这一要求。
所以色彩与素描是高等艺术院校必须学习、研究和应予掌握的专业艺术语言，也是必修课之一。
色彩训练的基本方法和课题是遵循由浅入深、由易到难的静物、人物和风景，最后是研究人体的色彩变化规律。
根据科学而合理的程序安排，一般先从静物开始，对着实物和场景写生，要求学生能够从容地研究物像的色彩变化规律。
可以对物象所包含的诸如光线、构图、色彩、空间、调子、质感、量感等等色彩的训练与素描造型因素去反复推敲、提炼、表现。
最后再到野外去研究大自然的外光变化。
刚开始学习色彩，可以进行临摹学习。
要找到适合自己这个阶段学习的作品，然后要学会怎么样看画，要研究色彩的大关系，注意用笔是否准确。
在临摹的时候要尽量临准确，边临摹边思考和分析别人为什么要这样去处理画面。
本书强调先对实物写生、临摹优秀作品和色彩的默写与变调训练，然后再过渡到主观想象色彩意识的启发和培养。
通过本教程的学习和实践，具有敏锐地观察物象色调的能力和正确把握画面各大色块相互之间的关系。
从整体出发，相互比较，深入塑造形体并处理画面的关系和效果，熟练掌握作画的方法步骤。
对于水彩画、水粉画、油画、色粉笔和油画棒等色彩画种，各有各的长处，都有其它画种不能代替的特点。
水彩画是以水为媒介调合颜料而绘成的画，水粉画以“水”和“白粉”作为绘画的调合媒介，顾名思义冠以“水粉画”为名，油画是用油质颜料在油画布或纸、木版上作画的一个画种，色粉笔画是用色粉笔画在纸上的一个画种（油画棒与色粉笔在工具上有着共同的特点）。
水彩画是一个既古老而又充满了活力的画种。
我们如果把用水作为调和颜料媒介的绘画都视为水彩画，那么它的历史可上溯至人类的旧石器时代，象西班牙的阿尔塔米拉洞穴壁画，距今至少已有15000年的历史。
我国殷墓出土的布质画幔，也是用水结合颜料画出的精美图画。
这些，我们都可视为是水彩画的萌芽。
随着科学技术的日益发展和艺术家们的不断探索，今天的水彩画无论是在技法语言、表现形式、表现范围、风格特征以及对工具材料的运用等方面，都呈现出丰富多彩、活力四射的局面。
其间，优秀的水彩画家辈出，每个时期都涌现出了无愧于那个特定时代的精美作品，他们构成了水彩画的灿烂历史，并成为人类文明史的有机组成部分。
第二节 色彩基础知识
第三节 色彩的初步常识
1、三原色，红黄蓝三色，以不同比例相混合可配出各种色彩，但三原色不能由其它颜色混合而成。
三原色
事实上，颜料的纯度无法达到色光的纯度，描绘自然界的光色现象，相对地讲它只能通过观察再加以分析理解，然后把对象的色彩关系反映在画面上。
2、间色与复色
将三原色中任意二种原色相混合，就得到一种间色又称二次色。
通过三原色表，我们可以看到，蓝＋黄=绿、蓝＋红=紫、黄＋红=橙；橙、紫、绿也称标准间色。
改变二种原色的配合比例：
红多于黄为桔红，红多于蓝为紫红，黄多于红为桔黄，黄多于蓝为草绿，蓝多于红为青紫，蓝多于黄为翠绿。
配合比不同，色彩各异。
一种间色与另一种间色相混合，就得到了复色称为三次色。
绿＋橙=黄灰，紫＋橙=红灰，紫＋绿=蓝灰。
黄灰，红灰，蓝灰也称标准灰色。
间色与其补色相混以及三原色相混得到的都是复色，其原理同间色与间色的混合。
三间色
灰色的调制：
在作画中，灰颜色用得很多，从原理上讲，三原色相加就是灰色，所以复色都带有
灰味。
实际运用时，常将补色相加，得到灰色。
使用的灰色不同，所得到的灰色色相也不同，配合比例多变化，所得到的灰色就更加丰富多彩。
用两种冷暖不同的颜料相加也可以产生许多好看的灰色，比如：
熟褐＋群青、土红＋翠绿，这样调出来的灰色带有一定的色相，非常沉着细腻。
复色
任何一种颜色与黑色混合都能产生灰色，黑＋红=暗红、黑＋黄=黄灰。
如果想得到浅灰，可以调入白色。
白色和黑色是媒介色本身无色相。
使用黑色，可以扩大色彩调配的天地。
使用得当，能取得非常好的画面效果，
但使用黑色要谨慎，可以调入白色。
我们说用红、黄、蓝三原色可以调出任何颜色，这只是理论上对三原色的一种解释，在作画时，使用颜料厂家生产的各种颜料当然比使用三原色方便的多。
再说，颜料相混合反射光量会减小，纯度会降低，比如红与黄相加而成的桔黄比较灰暗，而相比之下，厂家直接生产的桔黄就明亮饱和得多。
一、水彩画的基本特点：
今天我们所说的水彩画，是指以水作为媒介调和胶质颜料来完成的绘画。
它通常被认为成熟于欧洲大陆。
尤其是18、19世纪的英国水彩画，给水彩画的表现力和发展注入了全新的活力，使之成为一门独立的艺术。
由于水彩画的材料特性，使它具有鲜明的特点。
1、透明性。
水彩颜料含粉量低，研磨细腻，具有很强的透明性，这是水彩画颜料的一个突出特点。
2、灵动感。
水彩画使用的调和媒介是水，水的流动，侵润，互渗等特点，决定了水彩画具有很强的灵动感和技法的灵活性。
水的这些特性也为创造提供了很大的空间与可能。
3、轻快感。
水彩画一般不用或很少用白粉，用水量较大，笔锋运行轻便灵活，加之水的流平性，给人以轻快与活泼感。
4、明亮感。
水彩画颜料的透明性和大量的水的使用，加之通常使用的白色水彩画纸，
在它们共同作用下，使水彩画给人以十分明亮的感觉。
总体上讲，水彩画是一个充满了灵性、充满了趣味、具有很大的创造空间的绘画形式。
正是由于水彩画的上述特点，决定了我们在进行水彩画的绘制过程中，必须注意以下几点：
其一，水彩画不具备或很少具备覆盖力，色彩透明而不易修改，因此，一定要注意作画的计划性与先后程序，通常是由浅到深，以深压浅，层层推进。
否则，就不会有甚至破坏水彩画的特点。
其二，上色的次数不宜过多，能一次到位最好，最多不宜超过三遍。
更忌用笔来回涂抹，否则，造成色彩浑浊、发焦、发脏，完全失去水彩画的明快与生动感。
其三，色彩间的相互调和不宜过多，最好不超过三四个颜色，以保持色彩的纯净感与明确的倾向性。
其四，除特殊的艺术效果需要以外，水彩画一般起稿宜轻不宜重，过重的底线会破坏画面的最后效果。
其五，水彩画具有极大的创造空间。
对于新材料、新技法的探索与运用，应本着服务于情感表现、服务于主题表现、服务于美感创造的原则。
切忌本末倒置的为材料而材料，为技法而技法的不良创作动机。
其六，水彩画的技法要求较高，如何充分利用水的灵动，彩的透明，成为水彩画技法与画好水彩画的关键。
二、水彩画的主要工具、材料：
常言道：
欲善其工，必先利其器。
了解水彩画的工具性能和材料特点，并充分掌握它，
对于画好水彩画是不言而喻的。
水彩画的工具、材料十分丰富，相同的工具或材料由于生产厂家的不同，具有不完全相同的特点。
要真正了解、把握它们，有待我们在实践过程中去仔细感受、体会，并熟记于心。
水彩画的常用工具与材料主要有：
1、 水彩画笔：
水彩画笔的种类很多，从笔头的形状上看常用的有方头笔，圆头笔，榛形笔。
各种形
状的笔分别以数字标注其大小差别。
从笔毫的材料上区分，又有狼毫笔，羊毫笔，人造纤维笔等。
无论是形状的不同，还是材料的差别，都使它们具有各不相同的特性和适应范围。
笔毫不同，其弹性也不相同，笔锋的含水量也有差异。
在常用的水彩画笔中，狼毫使用比较普遍。
它富有弹性，笔锋容易回位，含水量也较大。
方形的水彩画笔笔触呈方块状，有轮角感，适宜块面明确的部位使用。
圆形的水彩画笔笔触圆润、含蓄，便于衔接。
总之，无论使用什么画笔，都需根据画面效果的需要或画家个人习惯来确定。
在平常的作画练习中，准备大、中、小号的水彩笔各两支和中、小号的平刷各一支足可。
2、 水彩画纸：
水彩画的载体以纸质材料为主，特殊情况也有用其它材料的。
水彩画纸是水彩画很重要的基础材料，它在一定的程度上决定着画面的最终效果。
因此，对纸张的选择要引起我们的高度重视。
水彩画纸的纹理分中、粗、细三种，不同厂家生产的纸张纹理不尽相同，每种纹理都具有不同的美感。
由于牌子不同，纸张在性能上也有很大差异。
有的纸张结构比较疏松，吸水量大，易起毛，易起皱。
有的纸张结构紧密，虽不易擦毛，但吸水性又不够。
不同的纸张对于色彩的反映也有很大的差别，相同的色彩画上去，有的纸张感觉色彩饱和、亮丽，而有的则感觉发灰、发暗。
所以这些，都需要我们自己去尝试、发现，从中选择适合于自己的纸张。
3、水彩画颜料：
生产水彩画颜料的厂家很多，不同厂家生产的颜料无论是在颜料的配方还是在质量是
都有差别。
一般来讲，选择水彩画颜料要看色相是否饱和，色粉研磨是否细腻，透明度是否高，抗退色力是否强等。
国内生产的马利牌和合资生产的温莎·牛顿水彩颜料应用比较普遍。
4、其它工具材料：
值得特别提醒的是，由于水彩的感色力很强，为了准确地调配色彩，无论选择什么材料的调色板或调色盒，都必须是白底的，以确保观察与调配色彩的准确性。
现代水彩画为了制造一些特殊的效果或表现的需要，在工具材料的运用上有了很大的拓展，象遮盖液、胶带、松节油、水溶性铅笔、蜡笔、蜡、海绵、喷枪、食盐、化学药物等等都被运用到水彩画的创作中来，为我们带来了更加广阔的创造空间。
我们有理由相信，随着科学技术的进步和水彩画家们的不断探索，水彩画创作还会出现更加广阔的天地。
三、水彩画的基本技法和技巧：
水彩画的悠久历史，蕴涵了丰富多彩、风格各异的表现技法。
根据它的材料性能特点，我们可以概括出常用的几种基本技法。
1、 干画法：
水彩画的干画法是指在干底上着色的方法。
这种技法所用水分相对于湿画法而言要少。
它是在未经浸润的干画纸上，主要采用将颜色或并置，或接染，或在底层颜色干后重叠的技法来进行的绘画。
（图一）
采用这种技法作画一定要遵从水彩颜料的透明特性，从最浅的颜色画起，逐步过渡到最深色。
就是要颜色一层一层地重叠，也只能以深盖浅。
如此，才便于对形体的有效控制，不至出现大面积错误而无法或难于修改。
干画法还要注意保持画笔的含水量，用水过枯，画面易枯焦，失去水彩画的润泽感。
用水过多，容易造成水分肆虐，破坏形体。
只要计划好了，这种画法可以有条不紊地从容进行。
2、湿画法：
湿画法是指在湿底上着色或在底色未干的时候趁湿叠加颜色的方法。
这种技法充分利用了水彩画材料的性能特点，产生柔和朦胧、轻快润泽、水色交融的水彩画特有的效果和美感，因此，为许多画家喜爱并采用。
（图二）
湿画法的关键就是要保持画面的湿润，只要在湿的前提下，才能出现湿画法特殊的魅力。
保持湿润的方法很多，可直接用排刷或海绵沾水刷湿纸面，也可将画纸放入水中侵泡数分钟，还可放于喷水的玻璃面上，在画纸的下面垫上侵湿的报纸或毡子都是一些简单易行的方法。
但是，需要提醒的是，画面该少用水的地方一定要控制，否则，容易出现画面软弱，形体发虚的后果。
3、干湿结合法：
事实上，许多画家在作画的过程中，很少孤立地使用某一种单一的方法来完成作品，而是以灵活机动的态度，采用多种技法、手段相结合的办法来达到目的的。
水彩画的干湿结合技法就是将干画法与湿画法结合在一起完成其绘画的方法。
故此，它具有干湿画法特点兼具的优势，使作画过程变得灵活而随机，增强了水彩画的表现力。
（图三）
采用干湿结合法作画，要注意二者的有机结合和在各部分的合理运用。
要干湿穿插，结合自然，使之整体、贯气，切忌完全割裂，互不相连，失去画面的和谐感和整体感。
4、水彩画的调色技巧：
水彩画的调色技巧主要有三种。
一是通过颜色之间的直接调和来获得需要的色彩。
二是通过颜色的前后叠加而获得新的色彩。
即在下层颜色干后，再在上面罩染一层新的颜色，从而得到底层颜色同上层颜色之间的混合色彩。
这是利用水彩颜色的透明性来获得的。
三是色块与色块之间的并置。
这种方法是通过一定的视距，在观者的眼中来获得的并置色彩之间的调和效果，也就是新印象主义的点彩法。
5、水彩画的用笔技巧：
水彩画的用笔，首先应依据对象给予自己的感受来选择与之相适应的画笔。
笔锋性能的不同，所获得的效果也会不同。
运笔是一件十分讲究的事，笔锋运行的顺、逆、侧等，都有完全不同的视觉效果。
我们看美国画家怀斯的画，润泽的地方空灵、深邃，枯笔运行的地方，形体明确坚实。
既有生动细致的细节刻画，又有空灵大气的一气呵成，虚实相生，富有很强的表现力。
水彩画常用的运笔方法主要有：
勾——用尖细的笔锋和有控制的力度进行勾线，可对对象的轮廓、结构或细节等作强化的表现。
勾线要用力均匀，并保持一定的速度。
点——用笔尖以一定的压力着于纸上所获得的笔痕。
用力大小的不同可造成点子的粗细差别。
可用于表现斑痕，树叶及细节刻画。
点彩技法纯粹就是点子的排列。
点子笔法要注意用笔的弹性，不可点的过死而失去生气。
刷——用阔大的扁平笔平行排列，造成比较大的色域面积。
在刷的过程中，运笔的力度要匀，速度要快，不宜来回反复涂刷。
适宜表现大的块面，象地面、天空、背景之类。
摆——一笔接着一笔地平放上去。
用力大，色域面积就大，反之则小。
适宜表现象山等体块转折明确的物体。
扫——用较大的笔以一定的压力快速地从画面掠过。
这种笔迹具有运动感，比较活泼，宜表风中的草丛，拉长的浮云等带运动感的东西。
也可表现一些粗糙的表面，只是在用水上要枯一些。
6、水彩画的用水技巧：
水彩画的技法关键就是对于水的控制与利用。
要控制利用好水，就必须要知哓水的特性。
只有充分利用水的流平性能，才可依据表现的需要，适量的加减用水，来达到所需要的效果。
侵润——侵润是在前一遍水色湿润的时候，加上第二遍颜色，两层颜色相互渗透，色块的周边产生不规则侵润状，并同底色很柔和自然地结合起来。
侵润面积的大小除上色面积外，还同含水量密切相关。
含水量越大，侵润的面积就越大。
流淌——用含水量大的颜色在人的控制下让水自然流淌。
它会产生一种自然生动的流痕，表现一些需要的效果。
还可用较多的清水在尚未完全干透的底色上流淌，产生一些减淡变亮的流痕。
枯笔——用含水量极少的笔在纸上快速扫过，会出现一些未及颜色的空白，即“飞白”。
适宜表现杂草丛等一些不规则的东西或作局部的细节处理。
留高光——水彩画的高光要有计划地留出，必要时，可用遮盖液或胶带将需留出的地方盖住，等画完之后再揭掉，让亮底保留下来。
这种办法得到的高光，边沿清晰，形状明显，因此，要视对象质感选用。
洗——用清水在已干的底色上洗出需要的形状。
这既是一种技法，也是一种补救措施。
它不宜大面积的使用，洗的时候尽量不要破坏纸张的表面。
吸——用海绵等一类吸水性强的东西，在未干的底色上吸取水分颜色，留出较浅的吸痕。
水渍——利用水的流平性，将色末带向色块周边积淀下来，形成周边略深，中间部分略浅的水渍。
这是水彩画特有的现象，利用得好，可以产生独特的美感。
四、水彩静物写生：
静物写生是水彩画学习的初级阶段。
它是通过对与人们日常生活密切相关的物品的描绘，来培养正确的观察方法，在加深对色彩和水彩画的认识的同时，提高审美意识和表现技巧。
增强对水彩画工具、材料的把握能力和对对象的表现能力，为进一步的学习打下基础。
水彩静物写生在静物的选择、组合及构图上，与其它画种的色彩静物写生并无二致，只是在选择静物时，若能兼顾到适宜水彩画特性表现的静物当然更好。
（一）方法步骤：
水彩静物写生的方法多而灵活，这里介绍常见的二种。
1、整体入手的方法：
整体入手的方法从总体上讲，就是首先考虑全局，着眼于大效果，从最浅的颜色入手，整体铺开，从大到小，从粗到细，最后收拾调整的作画方法。
这种画法的好处在于有整体的意识统摄作画的全过程，易于达到整体的谐调感。
但它亦有自身的局限性，这就是不容易深入进去，并且在反复的色块叠置中，容易使色彩灰暗、发脏、发焦，失去色彩的生动性与新鲜感。
具体的步骤如下：
A、用铅笔或极淡的单色（群青、赭石）勾出物体的轮廓。
铅笔起稿一定要轻，自己能够辨认即可。
笔痕过重，会破坏画面的最后效果。
B、铺大体色：
着眼于整体，铺出各物体的基本色。
这一步要快一些，尽量将自己的新鲜感受画出来。
不要受细节变化或杂乱现象的干扰，保持对对象整体的感受。
同时，上色要留有余地，太过就难于进行下一步。
C、大体塑造：
将对象的形体关系和色彩变化结合起来进行大体上塑造，初步具有对象的立体感和画面的空间透视效果。
这一步同样要强调大体，营造出整体在空间、体积、色彩、主次、虚实上的变化，确立画面的总体效果，让对象立起来。
D、深入刻画：
对对象的局部，生动的细节进行详尽的刻画，充实效果，获得生动感，增强感染力，画龙点睛。
尤其要注意的是深入刻画一定要有控制，当精画的则精画，当简画的则简画，有主有次，有祥有略，这样才不至画平、画板，保持画面的生动性。
中国画论中“密不透风，疏能跑马”的见解对对象的刻画也是适用的。
E、调整、收拾：
从整体的角度去审视画面，对有碍于整体效果的物体或局部进行适合整体关系的调整。
对绘制过程中出现的遗漏或差错进行弥补收拾。
对于初涉水彩画的学生来讲，多作一些整体着手方法的练习，可以培养我们整体意识和驾驭全局的能力。
2、局部入手的方法：
具有一定绘画经验的人，尤其喜欢这种作画的方法。
局部入手的方法是指从画面的某一个局部开始上色，然后一部分接着一部分地展开，直至全画的完成。
最后作适当的调整、收拾。
由于这种方法是局部完成的，所以它既容易画得深入、充分、生动，但又容易画得平均而缺乏主次，造成画面的死板和失去整体的和谐感。
如此，对于画面的整体设计和适当的控制就成为必不可少的条件。
是否有很强的整体意识是这种画法能否成功的关键。
其大体步骤可分三步：
A、勾轮廓：
同整体着手方法的要求基本一致。
只是最好用铅笔起稿，并注意稿子的准确性。
B、刻画：
选择某一个局部开始进行刻画，并逐步扩展开来，直至完成所有物体。
也可
一个物体画完之后，再画另一个物体，一个接着一个地画完。
C、调整、收拾：
同整体着手方法的同步要求相同。
局部人手的方法最好从画面上自己最感兴趣，最吸引自己的地方开始。
这样容易建立其自己作画的感觉和兴趣，而使整个的作画过程变得顺畅一些。
五、水彩风景写生：
风景写生既是一种独立的艺术形式，也是一个学习色彩的有效途径。
它对于水彩画来讲，尤其具有创造力发挥的空间。
水彩风景写生对景点的选择、构图的安排，空间透视的处理，着色的方法步骤等同水粉画基本相同，这里不再赘述。
需要特别注意的就是二点：
其一，在写生的过程中，必须遵从水彩的特性，有计划地从浅色画起，以深盖浅。
对于色层重叠的效果要有充分的估计。
重叠次数，尽可能地少，以保持色彩的清新与生动。
调色亦尽量不要过多掺和，防止颜色发脏、发灰、发焦，失去色彩的倾向性。
其二，水彩画在风景绘画中具有极大的创造空间，除已知的技法外，可以根据对象结合自己的感受进行创造性的发挥，以增强水彩画的表现力。
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