商业时代的艺术品.docx
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商业时代的艺术品
商业时代的艺术品
[摘要]物质生产决定上层建筑，诞生在商业社会背景下的电影有着与生俱来的商业性，但是这并不意味着我们可以忽视或者鄙视它的艺术性，相反，应该承认和尊重它。
我们应该采取更加宽容和开放的态度，并且希望更多的电影获得商业和艺术上的双赢。
[关键词]电影 商业性 艺术性
一
有一样东西从诞生之初就注定了其双面性。
最初，卢氏兄弟看到运动的画面给他们带来大笔的钞票的时候，他们顶多认为它是一件供人消遣和娱乐的玩意儿罢了。
他们没有意识到，它在诞生的时候同时也带给了人们一种前所未有的美的享受。
这种美远比绘画形象真实，远比摄影生动鲜活，人们称之为电影。
早在三十年代的时候无论是欧美还是殖民地。
只要有资本的地方就出现了知名的大制片公司：
在美国有环球、华纳、米高梅：
在法国有著名的百代、高蒙：
甚至在刚刚沦为半殖民地的中国都成立了红极一时的明星电影公司和联华电影公司。
伴随着这些制片公司的起落沉浮，电影逐渐了成为新型的工业――文化工业的典型代表。
它不需要烟囱不需要煤炭，却能在短时间内取得巨大收益。
它或许是这个商业的时代最微妙的反映――它反映着这个社会，也是这个时代新新产物中的对这个社会的最好印证。
音乐、文学等其他传统艺术门类产生在传统社会。
只有电影是真正伴随着这个社会和科技的发展而产生并以惊人的速度发展的。
电影诞生的时代。
资本主义不再是初出茅庐乳臭未干的小伙子，他正步入成熟稳重的壮年。
资本家们已经将资本渗透到你可以想象到的甚至你没法想象到的社会的方方面面。
这是一个成熟的商品社会，自从劳动力――包括脑力劳动――作为商品可以被出售的那天起。
也就意味着艺术也可以作为商品来出售。
在这个商品社会的大环境下诞生的电影，它的基因里就注定了它具有商业性。
或者，更确切地说。
它开始只是作为一种商品。
二
电影发展的初期，评论家们也曾为电影是否作为一门艺术而发生了争执，在那时人们将矛盾的焦点集中在电影是否只是单纯的物质世界的简单机械的再现还是经过加工的带有人类主观情感的作品。
时至今日，后者早已成为不争的事实，但是日益突出的商业化趋向使得人们再次怀疑起电影作为一门艺术的纯粹性。
传统的审美观念告诉我们：
美是无功利的，人们在进行审美活动的时候必须抛弃功利性。
在成熟的商业社会里，文化早已作为一种工业而投入了轰轰烈烈的大生产之中，诸多严肃正统的批评家认为文化工业是对艺术的亵渎，艺术会因此而贬值。
电影带有天生的商业性因素，从诞生之初就印上了功利的烙印，而今更是作为文化工业的代表，倍受责难，没有一个严肃的艺术家认为它可以与贝多芬的古典音乐相提并论，如同当年没有人认为《水浒》可以与《史记》旧提并论一样。
多数的批评家认为。
在好莱坞繁华的表象下其本质无非是赤裸裸的金钱。
但是，不能否认、不可忽略，电影绝对不能简单地定位资本家赚钱的工具，电影同时也具有无可比拟的艺术性。
因为电影和具有和其他任何艺术一样的一项重要功能：
能带给大众精神上的享受。
电影可能不符合审美的“无目的性”和“无利害性”，但是却符合审美的目的性――带给观众精神上的愉悦享受，激发人的情绪，甚至能引起人们的思考。
于是。
电影在这样的基础上开始在某时某地具有了一种艺术性。
在第一次世界大战之后的几年里，法国印象派电影和德国表现主义电影的出现，使得许多影评家越来越倾向于在主流的商业电影和支流的“艺术电影”（Ancinema）之间进行清晰的划分，他们甚至致力于推动电影成为一种纯粹的艺术形式。
从那以后，电影开始成为一门独立的研究对象，建立了自己的理论基础。
并且有相当一批学者开始研究这项新兴的艺术门类。
固然艺术之所以为艺术，无功利性是原因之一，但最重要的。
应该是它富有美感。
我们对于艺术的定位或许过于陈旧世俗，甚至势利――来自欧洲传统悠久的艺术院校中的就是艺术品，而从咖啡馆和酒吧里产生的顶多算是娱乐。
或许我们不应该沿着几百年前的论断去定义今天的美，而是必须从根本上改变一下我们的看法。
勿庸置疑，电影带来了新的审美感受，它不同于传统意义和社会下产生的艺术，它再也不是个人的作品，而是集体智慧的结晶：
它需要更多的技术支持，因此它综合了之前的所有艺术的特点并且拥有自己的特点，而且比以前的任何一项艺术更加生动鲜活富于感染力：
它需要途径去发行去展映去获得更多人的认同，因此获得了某种更加开放性的姿态面对各种人群，而不是孤芳自赏顾影自怜。
但电影这门特殊的艺术绝对不会因为获得了艺术性就不可以摆脱商业性。
康德说，审美的过程应该是无功利的，可是没有人说美的创造过程不需要金钱。
任何精神的满足都必须建立在物质基础之上。
传统的作家或许需要一沓纸，音乐家或许会多要一样乐器，画家则需要颜料和画布一这些并不需要很多资本。
恩格斯说：
“文学、艺术等的发展是以经济发基础的”，科学和技术的进步才孕育了电影技术的发明与发展，商业的核心地位和资金的急遽增长催生了电影制度的产生与革新。
在这个时代之前，没有任何一样艺术与技术的关系联系如此紧密，没有任何一门艺术必须依附在商业运转以及巨额资本之上，但是同样也没有任何一样艺术发展如此之迅速。
也没有任何一样技术如此浩荡又真实地记录了时代发展的点滴。
电影并不能因此被轻率地否定了它的艺术性，或者因为它对于商业的依附而鄙视它的艺术性，就认为这种艺术性就不真诚、不纯粹、不完美、不高尚。
对艺术进行道德层面上的批判，今天看来似乎过于苛责和守旧。
马克思指出：
“物质生活的生产方式制约着整个社会生活、政治生活和精神生活的过程。
”艺术作为人类精神生活的一部分，具有自己的独特性，但是它从来都是扎根在社会现实的土壤里，而不是无根的浮萍。
事实上，它总是不可避免地或多或少地反映了这个社会的时代特征，牢牢扎根在社会的物质基础中，也从来不曾独立到不和其他任何社会意识形态发生任何关系。
在中世纪，大量与宗教紧密联系的宗教音乐（比如巴赫）、宗教绘画（比如波提切利）取得了前所未有的成就。
在资本主义刚刚崛起的十七八世纪，资本主义矛盾加剧，而当时文学成了批判现实的最好武器。
巴尔扎克的《人间喜剧》是现实主义文学的里程碑，有趣的是，他写作的最初目的是为了赚取稿费。
在商品经济社会，艺术和商业紧密地联系。
这正是我们这个社会的时代特征之一。
而为何那些为宗教、为批判现实服务的艺术就可以忽视它最初的目的，就可以认为是真诚的、美好的、纯粹的，而为了赚取利润就不是的呢?
金钱本身并不比政治、宗教要低下肮脏，是贪婪索取金钱的人低下肮脏而已。
尽管严肃的理论家们竭力批评和反对，人们还是坦然地接受了用金钱来换取艺术上带给自己的精神享受，并认为这理所当然而且非常公平。
因为这从某种程度上解放了艺术，艺术不再是专供王公贵族享用的奢侈品。
带着时代的平等性和公平性走到所有人中问。
无论如何，将艺术解放成为平民大众也能享受的东西，这是一种进步。
更加值得称赞的是，电影的艺术性是随着时代的发展和电影技术的日趋成熟以及电影风格和类型的不断丰富而日益获得重视和承认的。
对最初只是作为商品的电影来说，这不能不说是一种胜利，一种伟大的进步。
三
固然。
电影的商业性和艺术性之间确实存在矛盾。
想要保持利润最大化必然就要迎合最广大观众的审美趣味。
高雅深刻的富于思考的艺术电影无法满足观众观影时所需要的刺激和快感，文化脉络过高的电影或许更加会吸引品味较高的观众，但是显然难以被大众所接受，因而无法获得良好的商业利润。
而好莱坞式的通俗电影老少皆宜、雅俗共赏，才是最好的选择。
一时间“媚俗”成为了最流行的批评用语。
如果愿意，我们可以将这类争论无休止地争论下去。
但是商业和艺术之间矛盾难道就是不可调解的吗?
鱼与熊掌真的不可兼得吗?
或许在回答这个问题之前，我们应该这样问自己：
大众真的那么庸俗，没有一点审美眼光吗?
抑或是制片商，那些操纵电影的和掌握电影的人，希望大众成为他们所希望的那一类观众呢?
我们不能否认，在现代社会当中。
在这个文化不断提升的社会当中，人们的审美趣味总体上还是在不断提高着的。
艺术电影不一定就只能孤芳自赏，而商业电影却一定获得票房胜利。
事实证明，观众或许并不那么高雅，但并不低俗或者愚蠢。
近年来好莱坞制作的一些大片频频遭受票房惨败的事实早已证明了大众并不是看到大导演和大明星就趋之若鹜的，制作精良的画面、过分渲染的电脑特技并不能再吸引观众。
而在一些有着悠久文化氛围的国家，比如法国，诸多艺术剧院仍然与那些现代的大型院线平分秋色。
而这些电影院已经不仅仅供影迷们观影，甚至成为诸多爱好和研究电影的学生和教授探讨的场所之一，其中某些观众的良好审美趣味甚至已经达到挑剔的程度。
其实纵观整个电影史，你会发现整个电影史与其说是一个电影的商业性与艺术性争论不休的历史，倒不如说是互相促进的历史。
早在1920年左右，好莱坞式的轻松活泼的商业电影大量涌入欧洲市场。
深受观众欢迎。
困顿的制片商和电影工作者开始不满于本国电影的乏味费解，开始试图把电影当作一种艺术来进行深入的艺术探索，于是法国印象派电影和德国表现主义手法的电影才会应运而生。
这些电影，尤其是德国表现主义电影不仅受到影评家的赞誉，而且重新唤起了观众的兴趣。
这些新兴的拍摄技巧也很大程度上影响了各国的电影风格，其中包括好莱坞的后来的类型片。
而五十年代的新浪潮电影充分作为反对和对抗好莱坞的主流商业电影的手段，获得了巨大的成功，并且培养了一批忠实的年轻观众。
同时，这场新浪潮席卷了整个电影界。
也使得电影技术发生了质的变革――比如好莱坞开始用比较柔和的焦距营造更为扁平、景深也更为浅近的画面影像。
因此我们不难看出这样一个关系：
商业电影的低迷促使制片商和电影工作者研究先锋电影和艺术电影，然后这些先锋电影又反过来促进了商业电影的变革和发展，当然，主要是从电影风格和技巧上。
商业电影又进一步发展。
重新吸引大量观众。
当新的电影技巧和风格变得过时和陈旧时，电影再次失去观众，于是又再一次进行创新和改革。
这是个有趣的双向制约的关系。
一方面，制片商们竭力培养大众养成他们所希望的观众。
甚至妄图左右或者控制他们的观影品味，事实上他们确实也培养了一大批好莱坞式的电影观众。
大牌的明星、超大规模的场面、美国式的幽默、这些好莱坞式的电影套路和模式即使在最优秀的好莱坞经典之作里也很难被忽略。
另一方面，观众并不是机器可以随意左右，他们是主观的人。
随着社会的发展与变化，观众的审美眼光也在变化和发展，他们不断变化的新需求使得制片商们不得不对自己的电影的剧本、类型、技术等等不断进行创新和改进。
因此，商业对于艺术与其说是利刀，不如说是双刃剑。
商业的目的确实影响了电影艺术价值，但是如果没有市场的压力和困顿带来的压力。
电影艺术或许不会发展得如此迅速。
四
一分为二地对待电影，也是一种更加客观的态度，不得不提好莱坞的发展之路。
好莱坞作为商业电影的代名词。
除了带着美国暴发户式的财大气粗之外，也有很多值得学习和借鉴的地方。
好莱坞电影出品机制的成熟是任何国家都不能比拟的，好莱坞的开放性和兼容性也是其他任何一个国家所不及的，这才是它能够迅速击败欧洲诸国，长久地保持着最大的电影出品量的原因。
不可否认的是。
欧洲式的艺术电影还是区别于好莱坞的艺术电影的。
符合阿多诺对艺术苛刻要求的纯粹的艺术电影和众多的商业电影相比仍然是有极大差距的。
但是，这些严格意义上的艺术电影，这些艺术电影的存在和发展，证实了电影具有强大和旺盛的生命力，扎根在现实的土地上，却能生长出高于现实的艺术之果。
总有这么一些导演，力图从根本上摆脱资本家操纵的制片厂。
离开传统商业运作的机制，开创了独立制片之路。
虽然他们的资金来源多是基金会、赞助或者个人收入，极其微薄，但是他们对艺术执着追求的精神令人敬仰。
很多世界知名导演也一直坚持独立制片，怀着虔诚的心情，带着上个世纪留下的对艺术的严肃态度。
创作自己的电影，表达自己的观点，阐述自己的思考。
他们已经远远不是导演，而是艺术家，甚至是哲学家、是大师。
到现在，独立制片人虽然仍然无法和大制片公司相抗衡，但是他们存在着，并且存在得越来越好，而且他们中的大多数都是杰出到凭着他们的名字就可以招揽观众的导演，这不能不说是个好的趋势。
值得欣慰的是，艺术电影从来就不缺乏痴迷的追随者。
在法国，很多艺术电影院仍旧在林立的现代剧院中坚守阵地，几十年前的老电影仍旧在上映，世界各地的电影都被重视。
而且，这些富有特色的小型的艺术影院虽然没有那么大的商业效益。
但是它们的观众群稳定且成熟，收益也相对稳定。
更加符合愈加多元化的社会需求，更加具有适合长久性的发展。
而当今社会仍然有留给它们发展的空间，就说明了我们这个时代并不只是唯利是图的，
一味的批判，在今天这个社会似乎越来越不合时宜，也不能解决任何实际问题。
如何在商业之间和艺术之间寻找到一条双赢之路，似乎更加迫在眉睫。
在商业电影作为主流的好莱坞，越来越多的导演愈加关注这个问题，并且已经将这个问题处理得游刃有余。
自70年代以来。
好莱坞的导演们受到欧洲新浪潮的影响。
开始寻求一种好莱坞式的艺术电影。
到90年代初期，导演风格的多样性取向和差异与美国电影对当代美国生活的重新凸现并驾齐驱。
时到今日，诸多好莱坞的商业主流电影已经充分具备了极高的艺术水准。
更多的电影节开始更加关注电影本身的艺术性和人文性。
即使是在具有鲜明的好莱坞风格的在奥斯卡颁奖晚会上，我们同样可以看到，年轻貌美再也不是演员的最高砝码。
种族歧视问题也慢慢得到解决。
具有鲜明个人风格的堪称艺术家的导演伍迪?
艾伦、马丁?
斯科西斯等，也在类型片盛行的好莱坞获得了一席之地。
而在以追求纯粹的艺术性的法国。
近年来不再继续一副清高自傲的姿态，而试图立足本土，学习好莱坞的长处，利用法国人的浪漫和幽默为电影的娱乐性增加砝码，使得近年来本土的电影工业得以振兴和发展，好片不断，重新焕发出光彩。
实际上由于社会阶层的不断细化，不同年龄层次、不同文化背景的人对电影有着不同的偏爱和需求。
电影开始向着小众化方向发展，以适应这个社会朝着多元化和多样化发展的趋势。
而这种多样化趋势无疑更加有利于电影的发展和丰富，让我们有信心去期待和展望电影更加美好的未来。
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