阿多诺 论流行音乐.docx
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阿多诺论流行音乐
阿多诺论流行音乐
论流行音乐（上）
阿多诺辛普森著;李强译
阿多诺（,,,,,,,,（,,,,,,），著名德国哲学家、音乐理论家、社会学家，法兰克福学派的杰出代表，著有《启蒙的辩证法》（,,,,）、《最低的道德:
对被损害的生活的反思》（,,,,）、《否定的辩证法》（,,,,）、《美学理论》（,,,,，去世后出版）等。
,,,年，为了躲避希特勒政权的迫害，阿多诺来到纽约，接受传播学大师拉扎斯菲尔德为他提供的在纽瓦克大学研究中心的“广播研究项目”。
在美国期间，阿多诺亲身经历了大众文化的兴起，流行音乐和大众传媒成为了阿多诺的思考对象，他提出的“文化工业”概念已经成为了当代西方文化批评理论中的一个经典概念。
,,,年，阿多诺在助手的协助下发表论文《论流行音乐》。
文中提出三个著名观点:
一，流行音乐的标准化和伪个性化特征;二，流行音乐刺激的是被动消费;三，流行音乐是社会的黏合剂。
,多年过去了，在中国大众文化勃兴的今天，阿多诺对流行音乐的分析仍有振聋发聩之影响。
该论文在国内学者的论述中时常被提及，但目前尚无全文翻译。
此次是该论文第一次在中国大陆被译介。
本刊分两次发表。
一、音乐素材
、音乐的两个范畴
与流行音乐相关的因素是本文探讨的主题。
流行音乐与严肃音乐的不同点通常被看作是前者的特征。
他们之间的不同被理所当然地认为是层次上的不同，而人们已为这种不同下了确切定义，以致大多数人认为两者彼此独立，没有内在关联。
然而我们认为首先必须把所谓“层次上的不同”转换成精确的音乐或社会术语，这样不仅能够明确地定义这两种范畴而且可以使人们更了解两种音乐范畴的背景。
明确分析流行音乐和严肃音乐的一种可能的方法是对音乐制作过程中两者的划分和两者的根源进行历史性的分析。
然而，既然目前的研究与现行流行音乐的实际功能有关，那么采取描述现时特征的方法比追述它的根源更为可取。
这种方法也更有据可依，因为早在美国流行音乐产生前
很久，在欧洲已产生对这两种音乐范畴的划分。
美国音乐从开始产生就已接受这种划分为已知事实，因此划分的历史背景只间接适用美国音乐。
因而，我们首先深入了解流行音乐最宽泛意义上的根特征。
如果想对严肃音乐与流行音乐的关系做出准确的判断，只有严格审视流行音乐的根本特征:
标准化。
即使有时极力回避标准化，流行音乐的整体结构仍然被标准化了。
标准化涉及从总体特征到最具体的特点的整个范围。
最著名的规则就是歌曲的合唱包括三十二小节，音域为一个八度和音和一个音符。
热门歌曲的总体类型也标准化了:
不仅是舞曲种类，尽管形式的严谨可以理解，“特色歌曲”如关于母亲、家乡的歌曲，打油诗似的歌曲，近似童谣的歌曲，写给失去女孩的挽歌也被标准化了。
最重要的是，每首热门歌曲悦耳的基础部分——每一部分的开头和结尾部分——必须具备标准形式。
无论形式中包含的动听内容是什么，标准形式突出的是最基本的悦耳的部分。
复杂的形式并不能带来理想的效果。
这种不容改变的做法可以保证无论形式发生怎样的变形，歌曲总是能把人们带回到同样相似的感受，而根本性的新奇的体验不会产生。
细节和形式同等程度地被标准化了。
有一整套术语被用来指称这些细节，如音高突变、蓝调和弦、音符。
然而，细节的标准化有些不同于结构的标准化。
它不像后者那样是显形的，而是隐藏在个别效果的表面下。
无论总体上对于这些专家来说这是如何公开的一个秘密，对这些个别效果的处理方法都属于业内专家的秘密。
这个整体与部分的对立性特点为听者的感受提供了一个大致粗略的背景。
结构与细节之间关系产生的主要影响是听者对部分产生的反应比对整体产生的反应更强烈。
他对整体的理解并不来自于他对听到的具体音乐的感受。
整体甚至在实际的音乐感受产生之前已经是已知和被接受的事实，因此它不可能在任何程度上影响听者对细节的反应，除非给予细节不同程度的强调。
占据音乐结构战略性地位的细节部分——和声的开始部分或者说歌曲连接处的曲折部分——比其他部分的细节，比如连接处中间的一些小节，更容易被认可和喜爱。
不过这种结构上的关系无法干扰到结构系统。
细节只是在这种结构关系的有限程度上依附于整体。
然而，整体既从未被作为一种音乐经历被突出，整体结构也从不依附于细节。
为了比较的目的，严肃音乐的特征可以被描述为:
每一细节的音乐感都来自于每一首乐曲的整体，而这一整体中包含与细节的联系，却不包括对一种音乐模式的突出。
例如，在贝多芬第七交响曲第一乐章的序曲中第二主旋律只从上下文获得真正涵义。
只有通过整体—也就是由与第一主
旋律的格列高利圣咏特征形成的鲜明对比构成的整体——这一序曲获取了特定的抒情表现力。
与整体割裂后的第二主旋律不表现任何意义。
另一个例子可以在贝多芬的《,,,,,,,,,,,,》的第一乐章的持续音中的再现部开始部分找到。
紧随之前的爆发力，开始部分才展示出最强烈的震撼力。
没有了前面部分的爆发和展开直接就进入重复部分，乐曲也就失去了意义。
上述情况不可能发生在流行音乐中。
从整体中抽走任何细节都不会影响音乐感。
既然整体结构本身只是个自动音乐系统，听者可以自动补充失去的部分。
合唱的开始部分可以被其他无数的合唱开始部分所代替。
构成要素之间的相互关系以及构成要素与整体之间的关系不会受到影响。
贝多芬的音乐中，只有在整体和它的具体组成部分的动态关系里，位置才是重要的。
在流行音乐里，位置是绝对的。
每一细节都可以被替换，它的作用只像是一部机器的轮齿。
只是确立这种不同是不够的。
这样的观点可能会遭到反对:
流行音乐的标准结构和类型与舞曲密切相关，因此它们也适用于严肃音乐中的舞曲派生物，如属于维也纳流派的小步舞曲和谐谑曲。
可以认为或者是这部分严肃音乐也可以从细节而不是整体的角度理解，或者是如果在严肃音乐中的舞曲种类中可以看到整体，没有理由在现代流行音乐中看不到整体。
以下思考通过展示即使在严肃音乐采用了舞曲的形式时仍然存在的巨大不同来提供对两种相反观点的解答。
根据当前形式主义的观点，贝多芬的第五交响曲的谐谑曲可以被看成是高度标准化的小步舞曲。
在此谐谑曲中，贝多芬从传统小步舞曲结构吸取的是小调小步舞曲、大调三重奏与小调小步舞曲的重复之间的鲜明差别的理念;还吸取了诸如侧重第一个四分之一的四三节奏这样的一些其他特点;以及小节和乐段中的舞曲似的对称性。
但是这一乐章的特别形式作为具体整体的理念可以重新评价借自与小步舞曲的手段。
整个乐章被看作是终曲的序曲，目的是不仅通过预兆性的、不祥的表现方式，更通过展开乐章的规范方式来创造巨大的张力。
经典的小步舞曲结构首先要求主要旋律的出现，然后是可以导入更多更远音调区域的下一部分的序曲——这些更远音调区域形式上与今天的流行音乐的连接部分相似——最后是原始部分再次出现。
这一切都可以在贝多芬的音乐中出现。
在谐谑曲部分，他采用主题两重性的理念。
但在传统的小步舞曲中，他使用了无音的、无意义的游戏规则来表达意义。
他完全做到了使规范的结构和具体内容达到一致，也就是说，精心地完成了主题的表达。
这支谐谑曲的谐谑部分（也就是,大调中弦乐器进入前的部
分，这部分标志着三重奏曲的开始）包括两个主题的两重性:
弦乐部分逐渐形成的音型和管乐的配合。
这种两重性不是系统地发展的，这样首先弦乐乐句被精心地展开，接着是管乐的配合，然后弦乐主题被机械性重复。
小号部分中第二主题第一次出现后，两个最重要因素以对话的形式交替地相互联系着。
谐谑曲的结尾不是通过第一而是通过第二主旋律突出，而第二主旋律覆盖着第一乐句。
而且，三重奏曲后重复的谐谑曲由于配乐极其不同以至于听起来像谐谑曲的预示显示，萦绕心头的特点，直有到终曲开始，这种特点才消失。
整体设计得非常动感。
不仅是主旋律，而且音乐形式本身都尽显张力:
这种张力在第一主旋律中包括问题与回答的双重结构内已经显示得很明显;甚至是在两个主旋律之间显示得更明显。
整个结构服从于这一特定乐章的内在需要。
不同概括起来为:
在贝多芬音乐中以及在优秀的严肃音乐中——我们这里不涉及结构像流行音乐一样严谨和机械的不规范的严肃音乐——细节最终包含整体并导致整体的展示，与此同时它又是从整体理念中产生出来的。
在流行音乐中，这种关系是偶然的。
细节与整体没有关系，整体体现为一种外部结构。
这样，整体不受个体的影响，因此在一首音乐中是孤立的、沉静的、不被注意的。
同时细节被一种它永远无法影响和改变的音乐手段割裂开，这样细节变得无关紧要。
没有被展开的音乐细节就变成一幅它发展可能性的漫画。
、标准化
上述讨论表明流行音乐和严肃音乐差别可以用更确切的术语表达清楚，而不是用那些只是表明音乐层次的术语，如“缺乏文化修养和具备文化修养”，“简单和复杂”，“单纯和世故”。
例如，范畴的不同无法确切地用复杂和简单这样的术语表达清楚。
早期维也纳经典主义的作品毫无例外在节奏方面比爵士乐编排简单。
旋律方面，许多流行歌曲的音程，如“深紫”，比大多数主要由主音三和弦和第二音级构成的旋律更难听懂。
和声方面，所谓经典的和声比目前美国,,,,,,,,,,,的作曲者所作和声更有限，这些作曲者汲取的来源包括,,,,,,,，,,,,,乃至更晚的音乐。
标准化和非标准化是描述流行音乐与严肃音乐的不同的主要对比性术语。
结构的标准化目的是获取标准反应。
聆听流行音乐不仅受音乐的催化剂控制而且由音乐的内在性质控制，引入与自由社会中个性理想相对抗
的反应体系。
这与简单和复杂无关。
严肃音乐中，每个音乐元素，甚至是最简单的元素，都是个体。
作品的组织性越强，细节的可替代性越小。
然而，流行音乐中，每首音乐的结构是抽象的，独立于特定的音乐过程而存在。
这个理论为理解以下谬论提供基础——流行音乐中复杂的和声比严肃音乐中同样复杂的和声更容易理解。
流行音乐中复杂的细节从不起到个体的作用，而只是作为装饰音，结构隐藏于它们之后可以被看到。
爵士乐的业余听者能够用节奏或和声公式代表和表示的图表式公式替换复杂的节奏或和声公式，无论这多么具有冒险性。
听者的耳朵应付流行音乐是凭借他们已具备的形式结构知识进行小的替换。
事实上，面对复杂，听者只听到复杂所代表的简单，把复杂只看作简单的模仿性变形。
在严肃音乐中不存在这样模式化的机械性替代。
严肃音乐中，最简单的也需要努力才能立即听明白，而不是模糊地按照模式化的规则概括它，模式化的规则只能产生模式化的效果。
否则音乐就无法被理解。
然而，制作流行音乐的方式是计划好把特别转化成准则的过程，某种程度上在制作中实现这一过程。
乐曲的聆听由听者决定。
流行音乐就是这样剥夺了听者的自发性，而鼓励有条件的反应。
流行音乐不仅不要求听者的努力来听懂具体的音乐，而且给听者提供了模式，任何具体的细节都在这样的模式中被归类。
模式化的发展控制听者聆听的方式，听者听的同时不需要做任何努力。
流行音乐被“提前吸收”。
当代流行音乐的这种结构可以解释我们将要讨论的聆听音乐的习惯上的变化。
到目前为止，流行音乐标准化被认为是结构上的，也就是说，是一种内在的性质，与音乐制作过程或标准化的原因无关。
尽管所有的工业化大规模生产必然归结为标准化，但流行音乐的制作只有在宣传和发行方面被称为是工业化的，而一首成功的流行歌曲的制作还停留在手工业阶段。
流行音乐的制作高度集中于其经济组织中，但仍然保持了在其社会性制作方法中的个性。
作曲、和声和编曲的劳动分工并非工业化而是伪工业化，目的是显得时新，而实际上在推销技能上，流行音乐采用了工业化的方法。
如果流行乐曲的作曲者不遵从一定的标准形式，也不会增加制作成本。
因此，我们必须寻找结构标准化的其他原因，与早餐制作和汽车制作标准化截然不同的原因。
模仿可以提供了解基本原因的线索。
流行音乐的音乐标准原本是有一个竞争性的过程发展出来的。
当某一首流行歌曲获得巨大成功，成百上千模仿它的其他歌曲就会出现。
最成功的音乐类型，元素之间的比率会被模仿，标准具体化中这一过程达到高潮。
在如今存在的集中化环境下，这些标准已被凝结。
也就是说，他们已被卡特尔化的机构所控制——卡特尔化的机构是竞争过程的必然结果，并被严格实施于要被宣传的事物上。
不遵从这些游戏规则会被排斥在外。
标准化了的形式是在竞争中发展起来
的。
大规模经济集中化使标准化过程制度化，使之成为必要。
结果执着的个性主义者的创新被认为是不合标准。
标准形式被赋予权威的豁免权——“国王不会犯错”。
这也能解释为什么流行音乐行业中有些歌曲会重新流行。
他们不具备按照特定形式生产的标准化产品的过时的性质。
自由竞争的特性仍活跃在他们内部。
另一方面，重新流行的经典著名流行歌曲设定了标准化的形式。
他们是游戏规则的黄金时代。
标准的凝结强加在机构身上。
流行音乐必须同时满足两种要求。
一是引起听者注意的刺激的要求。
二是必须满足内容可被归入未接受过音乐培训的听者称之为自然音乐的类别的要求，也就是说音乐中听者习惯的，他认为是固有的简单的音乐语言的全部音乐传统和素材形式，无论促成这种自然语言形成的发展发生有多晚。
对美国听众来说，这种自然语言来自于他早期的生活经历，儿童歌谣以及他在主日学校唱的歌曲，他放学回家路上哼的调子。
在音乐语言形成的过程中，这一切都比他能区分勃拉姆斯的第二交响曲的开始部分与第三交响曲的开始部分的能力重要得多。
很大程度上，正式的音乐文化是这种基本音乐语言的超构，也就是主要和次要基调和所有的调性关系。
但主要音乐语言的这些调性关系为与他们的不符设置了障碍。
只有能被重铸为自然音乐，自由发挥放纵才被容忍。
就消费者的要求而言，流行音乐的标准化只是这种双重要求的一种表达，这种双重要求是公众脑中的音乐框架强加的——即要求它是刺激的，也就是某种程度上脱离已建立的“自然”，以及要求它保持自然音乐对于这种脱离的至高地位。
听众对自然语言的态度是由标准化了的制作过程强化的，标准化的制作是最初来自于公众的要求体系化。
、伪个性化
既要达到激情灵感又要求自然平实的这种自相矛盾，解释了标准化自身的双重特性。
符合某种特定的结构框架只是标准化的一个方面。
在我们文化的集中和控制下，标准化的其它方面以他们特有的表现方式将自身隐藏了起来。
一旦显现出来，他们就会受到抵制和反对。
因此，在某种程度上，个性的保留，无论是假象或是现实都是必须的。
个性的保留基于物质现实本身。
因为尽管行政控制对于生活过程是集权的，个人的所有权仍然普遍存在。
在制作方面，流行音乐属于奢侈的制作，生活的必须没有立刻卷入，而同时，个性主义的残余在意识形态的范畴活跃着。
例如，个人品味和自由选择，标准化的隐藏是必要的。
音乐大批量生产的“倒退”是这样一个事实，这样的生产仍然停留在手工制作的水平，而非工业制作，从大文化商业的角度来看，符合基本需求。
如果流行音乐中的个性化元素也被放弃，则必然隐藏标准。
所以这种个性化元素至今存在。
与音乐标准化有必然联系的是伪个性化。
伪个性主义意味着在标准化的基础上赋予文化的大众生产以自由选择和开放的市场的光环。
传统的标准化音乐让他的消费者忘记他们听到的已经被预先听过了或者说“预先消化”了。
可假定的个性化特征的标准的最具冲击性的例子在所谓的即兴创作中被发现。
即使爵士乐者会在现场进行即兴创作，他们的这种创作也已变得“规格化”。
这使整个术语学得以发展以表达个性化的标准。
这个术语被爵士乐的宣传代理商大肆宣扬。
以渲染先锋艺术者的传奇故事，同时，通过公开允许歌迷在幕后窥探制作内幕而取悦歌迷。
这种伪个性化被标准模式所限制了。
这种标准模式是如此的严格以至于它给予任何一种即兴创作的自由都严格的划定了界限。
即兴创作——在这里自发地个性创作是被允许的，被限制在公制的和音的高墙内。
在大多数情况下，例如摇摆爵士的“突破”，自创的音乐效果完全是事先设定好的。
这种突破只不过是一种隐藏的调子。
所以，由于对潜在的音调功能的限定是必要的，真正的即兴创作是不太可能的。
这种可能性很快就被用尽，老套的即席创作就逐步发生了。
规则的标准化以一种纯粹技术的方式，加强了对自身的背离———伪个性化。
这种个性化对标准化的屈从解释了流行音乐的两种主要的社会心理特质。
一是这样一个事实，即细节与潜在设计公然保持联系，让听者总是感觉很安全。
个性化的选择是如此之小，以至于相同变奏的重复再现是他们背后相同点的可靠的标识柱。
二是替代品的功能——即兴创作的特点阻止它们自身作为音乐元素被控制。
它们只可作为润色品被接受。
众所周知，在大胆的爵士乐的筹备中，烦恼的旋律，如风暴般激烈的旋律，也就是说，假造的旋律，它们起的作用令人刮目相看。
它们被认为是刺激物，只因为它们被耳朵听到是被更正成正确的旋律。
但是，这只是个很极端的例子。
流行音乐中所有个性化元素它发生的时候不是那么明显。
任何曲调上的大胆行为，任何和弦，不在简单的旋律设计范围内需要被“伪装”，即作为一种刺激物，它自身特有的确定的规定去代替正确的或者说更加明显的设计。
理解流行音乐意味着欣赏时遵守这些要求。
流行乐要求有它自己的欣赏习惯。
还有一种个性化主张各种形式的流行音乐及那些出名的乐队的不同。
流行音乐的种类根据产品的不同严格的区分。
假设听者能够区分它们。
被普遍接受的差异是在摇摆乐和甜蜜的情歌以及诸如,,,,,,,,,,,,和,,,,,,,,,,,之类著
名乐队之间的差异。
听众能够很快区分出是何种音乐，甚至说出正在演奏的乐队。
尽管它们最根本的制作材料的相同，以及在表演上的极大的相似之处，除了它们被强化的区分功能的商标品牌。
这种类似贴标签的技术，区分了音乐和乐队的类型，是个性化的，是在严格的音乐技术范畴之外的社会学的一种。
它为实际上音乐的无区分提供了可区分的依据。
流行音乐变成了一个多项选择题。
选项主要有两种以及它们的衍生。
听者无情地受到这些音乐的刺激，从心里上删除不喜欢的音乐，检测喜欢的音乐。
这种选择的固有局限性以及惯有的明显的变体激起喜欢或不喜欢的表现模式。
这种机械的二分法摧垮了听者的冷漠，如果他们要继续把流行音乐听下去，就必须在温柔音乐和摇摆音乐中做出选择。
二、关于听者的理论
（流行音乐和“休闲时间”
为了理解为什么整个这类音乐（这里指普遍意义上的流行音乐）能够拥有广大的听者人群，思考是适当的。
思维被流行音乐所吸引，接受，继续加强，同时也是一个忽略减弱的过程。
听者通过这种不需要费神的消遣忘却了现实的对自己的要求。
“分神”的概念只有在社会背景下，而不是在个人心理学本身固有的术语中，才可以解释清楚。
这种调式的产品，蕴涵着对失业的恐惧和焦虑，遗失金钱，战争中丧失亲人的痛苦，它和娱乐休闲有着非生产性的联系，即所谓的无需费神的消遣。
人们需要娱乐。
需要全神贯注才能欣赏的艺术，那些生活没有压力，处在休闲时间的人们才可能集中精神欣赏，全神贯注于艺术作品使他们从无聊和摆脱无聊的努力中解脱出来。
整个廉价的商业娱乐反映了这种双重需求。
它们可以促使人们放松下来，因为有预先设好的固定的模式。
由于被预先设定好，它在心理上主宰大众去分享它们。
另一方面，它们提供的刺激物能使大众逃离机械化劳动的枯燥。
商业性娱乐的制造者们认为自己是对的，因为他们给了大众他们所要的。
这是商业目的所特有的理论:
人们越是不加选择，就有可能兜售更多的文化商品。
这种对既定利益的空论可不容易被驱散。
不能完全否定，大众的意识被生产代理商们左右，仅仅是因为人们“就好这一口”。
但是，为什么他们就喜欢这样的呢,在当今的社会里，大众由于艺
术作品物质化潜入生活，他们被同样模式的产品所操控。
音乐娱乐产品的消费者本身就是目标，或者说他们是真正的同一种机械过程的产物，而这一过程决定流行音乐的生产。
他们的空闲时间只不过是为了延续其工作能力。
休息只是途径而不是目的。
生产过程的威力延续到看上去是“自由”的时间段里。
人们需要标准化的伪个性化的商品，因为他们的休闲是逃离工作，同时又要受到工作时间里没有的心理观念的锻造。
对于大众来说，流行音乐就是上班族的休息日。
所以今天我们有理由说在流行音乐的生产和消费之间有一种预先设定的协调。
无论如何，人们渴望得到他们所要得到的东西。
又要解闷又要不费力本身就是个矛盾。
因此这种特殊的情感被反复生产以寻求解脱。
人们在组装线上，工厂里，办公室里的工作决定了他们不会遇到什么新鲜的事物。
他们寻求刺激，但是现实生活带来的压力和繁缛的工作使他们在尽可能接触新鲜感受的休息时间里无力
再去耗费精力，因此他们需要一剂兴奋剂作为替代品。
流行音乐正是迎合了人们的这一需求。
在一种相似中它满足了无须费力的刺激。
这意味着再次陷入无聊中。
这样形成了一个无法跳出的怪圈。
这个怪圈导致了人们对流行音乐的广泛的不关注。
感受流行乐的过程即一种毫
不费力的过程。
这一过程中偶有的集中精力就如释放的烟火般短暂，又把听者驱逐到了心神涣散的边界。
一方面，生产流行乐，阻止预料中的精力分散;另一方面又产生了这种涣散。
在这种情况下，流行乐的生产遭遇了不可解决的问题。
它必须通过一直生产新的产品以引起人们的关注，然而这种关注却被施了魔咒。
如果一首歌一点也不需要你的注意力，那它就卖不出去;如果你集中了注意力，你就很有可能不再接受它，因为你已把它看透了。
这也部分解释了为什么流行乐市场中旧产品常常会被新的产品一扫而空，然后一遍又一遍地重复这样的伎俩。
另一方面，松散的精神状态不仅是流行音乐的前提条件也是它的产物。
乐曲本身就让听者放松下来。
他们让听众放心，因为他们不会错过什么的。
、社会黏合剂
我们完全可以认为如果总体来说是漫不经心地听一段音乐而只有一
些突然的识别，这段音乐就不是作为一个拥有明确自身意义的经历的连续片段被理解的，无法在每个点上被抓住，也不能与前后相连贯。
相应地，我们可以认为大部分流行乐听众并没有将音乐作为语言本身来理解。
否则将很难解释他们如何能忍受大量连续不断的无区分性的材料。
那么音乐对他们而言有何意义呢,答案是:
构成音乐的语言被一些客观的过程转变成了他们认为的自己的语言，即一种可以承载他们惯例性希望的容器。
音乐对他们来说越不是一种语言就越多被铸成了这样一种容器。
音乐的自主性被一种单纯的社会心理功能所取代。
如今，音乐成了一种大型的社会黏合剂。
在未能理解材料内在逻辑的情况下，听众认为这些材料所产生的意义首先就成了他们达到精神上适应当今社会生活机制的一种方式。
根据大众行为对整体上的音乐尤其是对流行乐的两种主要社会心理类型，这种适应显示为两种不同的方式:
即“节奏服从”型和“情感”型。
服从型就是旋律型。
这种类型中任何音乐经历都是基于音乐中的根本的、不变的时间单位——音乐中的“节拍”。
对这些人来说，即使出现伪个性化即反节拍或其他的“区别”性，符合节奏的
表演就意味着与基本节拍的联系被保存了下来。
对他们来说，具有音乐性意味着能够在不受“个性化”变形干涉的情况下符合既定的节奏模式，以及甚至能够适合切分成基本的时间单位。
通过这种方式，他们对音乐的反应立即表现了他们屈服的愿望。
然而，因为舞曲和进行曲的标准节拍要求一个如机械性团体的协调的队伍，通过克服个人的反应达到的对节奏的屈服使他们夸张地设想自己仿佛与上百万的这种软弱的人在一起，而这种软弱同样是需要克服的。
这样，这种屈服就是与生俱来的了。
然而，如果我们把目光投向与这种大众欣赏趣味相吻合的严肃作品，我们会发现它们有一个非常典型的特征，即幻灭性。
所有这些作曲家，其中包括斯特拉文斯基和亨德密斯，都在他们的作品中表达了一种“反浪漫”的情绪。
他们旨在改编音乐，使其符合他们所理解的“机器时代”这一社会现实。
他们作品中的摒弃梦想这一情绪表明，听众倾向于用严酷的现实取代梦想，从接受厄运中获得乐趣。
人们对于在他们生存的世界里实现理想不抱希望，通过幻灭适应残酷的现实。
人们采取所谓的现实主义态度，试图通过与形成“机器时代”的外部社会影响力达成认同，从而获取心灵的慰藉。
然而，人们与现实的这种认同建立在理想破灭的基础上，正是这种幻灭剥夺了人们的快乐。
经久不息的爵士鼓声所代表的对机器的崇拜包含了对自我的摒弃，而摒弃本身正是来源于对恭顺性格隐隐感到不安的躁动。
机器之所以成为最终崇向的目标是基于某些社会条件的，即人类附
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