作为中国文化名片的瓷器.docx

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作为中国文化名片的瓷器

作为中国文化“名片”的瓷器

      在英文中，“中国”与“瓷器”是一个词，这说明，很早时期欧洲人认识中国是和瓷器联系在一起的。

瓷器15世纪时就传入欧洲，在中外交流中占有重要位置。

德国卡赛尔郎德博物馆至今还藏有一件中国明代青瓷碗。

历史上，中国和亚、欧等国瓷器交易极为频繁，而且数量巨大。

据今人研究，在1602——1682年间，仅荷兰东印度公司贩运的中国瓷器就有一千六百多万件。

瓷器以其优雅精致的品质，为中国赢得了好名声。

在公元17至18世纪欧洲将中国理想化的思潮中，瓷器扮演着重要角色。

我们在当时风行欧洲的洛可可风格中，也多少可以看出以瓷器、园林为代表的“中国风”的影响。

     瓷器是中国文明史上的重要物品。

瓷器的前身是陶器，釉陶是瓷器产生的基础。

大约在公元1世纪时，中国就出现了瓷器。

到了宋代（960——1279）瓷器进入了成熟期。

宋瓷代表中国瓷器的最高水平，当时有钧、定、官、哥、汝五大名窑，各窑的瓷器均具创造性，一直是后代模仿的对象。

自元代开始，景德镇开始成为中国的瓷器中心。

      中国瓷器莹然可玩，沉静的色彩，透明的胎体，优雅的图案，精巧的形状，都是一代一代瓷器艺人追求的目标。

青铜器、陶器、瓷器都是中国人喜爱之物，但风格各有不同。

瓷器虽没有陶器的古朴，却多了一些细腻；没有青铜器那样肃穆，却多了一种轻巧和优雅。

      瓷器可以说是中国文化的名片，这个名片中凝聚着中国文化的信息，也体现了中国人的审美追求。

                                                      自然天成之美

      熟悉中国瓷器的人都知道，很多瓷器布满了不规则的裂纹，瓷学术语叫“开片”。

开片本来是瓷器制作中的缺陷，到了北宋却变成了人们的追求，而且这一传统一直流传至今。

它是中国瓷器的典型特征之一。

      开片是瓷器釉面的一种自然开裂现象，是由瓷器内部应力作用所产生的，当釉面的伸缩程度超出它的弹性区间极限时，就会出现釉层断裂和位移现象，产生裂痕。

瓷坯和釉的膨胀系数不同，瓷器烧焙后，在冷却的过程中，釉层的收缩率比坯料大，内部应力不平衡，这也是导致瓷面裂痕的重要原因。

                                 宋哥窑青釉海棠式花盆现藏于北京故宫博物馆

      一种缺陷，竟然变成一种审美追求，其中的内涵很值玩味。

      哥窑（浙江龙泉）是宋代诸窑中追求开片的典范。

上海博物馆藏有两件哥窑瓷，开片很美，都是宋代作品，一件是葵口碗，一件是轮花碗。

两件藏品碗口自然如花，开片细密，纵横有致。

台北故宫博物院藏有一件元代哥窑鱼耳炉，在米色釉上，有细碎的开片，裂纹就像一片树叶上的纹理，渐渐伸展，脉络相连。

藏于台北故宫博物院的哥窑米色三足炉，也是一件著名的作品，系南宋时作品。

釉质不透明，纹理纵横，古朴天然，如同一件远古时期的法器。

                                                  哥窑葵口盘上海博物馆

      宋代汝窑也追求裂纹的表现，但纹理与哥窑不同，重视脉络。

前人谈汝窑的特点时说：

“青如天，面如玉，蝉翼纹，晨星稀。

”前两句说的是色彩和品相特点，后两句说的就是开片特征。

“蝉翼纹”，是说它的开片很薄，如蝉的翅膀，或隐或现。

“晨星稀”，是说汝瓷以玛瑙入釉，釉面的裂痕有不同角度的斜开片，稀稀落落，寥若晨星，对着光照，产生不同的反射效果，极有意味。

                                      宋汝窑天青釉圆洗现藏于北京故宫博物院

      上海博物馆藏有北宋汝窑青瓷盘，器的底盘上有芝麻叶的纹理，由一主脉生出很多支脉，每一支脉又形成很多的支脉，纹理细密，脉络清晰，很耐看。

      中国瓷器追求纹理，其中隐藏着深厚的哲学内蕴和美学旨趣。

中国文化有重视纹理的习俗。

三千多年前中国流行一种占卜方式：

龟占，就是通过火烧龟壳所形成的纹理来判断吉凶。

中国美学中还有一条重要原理：

风行水上，自然成文。

如一阵风吹在湖面上，水面形成涟漪纹理，自然而然。

中国人将这视为自然天成之美。

      中国瓷器追求裂纹，就是追求自然天成的趣味。

瓷器是人工的艺术，但最反对人工的痕迹。

瓷器上面好的裂纹是自然形成的，它是不可预料的。

人工画出的裂纹，显出匠气，也就没有自然的美。

冰裂纹和几何线条不同，几何线条是机械的，横来直去，如果瓷器都画成这样的线条，机械的意味就浓了，那也不是自然的美。

      追求自然天成的意味，不仅在冰裂纹中有体现，它也是中国瓷器的整体追求。

没有自然之美，就没有中国的瓷器。

瓷器是人工做成的，但中国人却要做得没有人工痕迹，做得就像天然生成一样。

这是中国瓷器的一条始终不渝的准则。

       比如中国瓷器的色彩，就追求自然的意味。

宋瓷以天青、天蓝为贵。

前人形容天青说：

“雨过天青云破处，者般颜色作将来。

”说的就是自然天成的意味。

                                                         纯净如青花

       瓷器追求纯净优雅的美，这在青花瓷中体现最为充分。

       青花瓷是中国瓷器的典型形态，明清两代出口的瓷器中，八成是青花瓷。

青花瓷在唐代之前就有了，而真正形成规模并有杰出创造则是在元代，明代是青花瓷的成熟期，中国青花瓷器的大量珍品出自这个时代。

青花瓷还与一个地名有关，这就是中国的瓷都景德镇，自元代在景德镇创造出令人心醉的青花之后，明清两代这里一直是中国瓷器的中心，皇家的官窑也设立于此。

青花瓷也成了中国瓷器的代表。

      青花瓷，在材料上，它的秘诀就是氧化钴，以氧化钴在白色的胎体上作画，然后上釉，经过高温烧制便成了青花。

因为氧化钴一经高温，就变成蓝色。

乳白色的底子，上面加上清澈的蓝色，外面罩上透明的釉，形成鲜洁光亮、清雅透明的效果。

      这些钴料是青花成功的关键。

氧化钴是稀缺之物，元青花的一部分和明永乐、宣德官窑所用青料，都是被称为“苏料”的钴料，这公认是最好的钴料。

这些材料主要产自波斯或今叙利亚一带，是通过海上丝绸之路传入中国的。

明中期以后这类材料少了，便用其他钴料代替，但效果没有氧化钴好。

      永乐青花和宣德青花是青花瓷的至上之品，在明永乐、宣德年间由景德镇出产。

台北故宫博物院藏有一宣德折枝花卉纹碗，造型古朴淡雅，花卉描写生动，质白细腻，泛淡青色，而青花发色有渗青和晕散现象，形成白与蓝之间的交融。

花卉的线条柔和从容，布局不松不紧。

                           明永乐青花岁寒三友纹铙碗现藏于台北故宫博物院

      台北故宫博物院还藏有一宣德把莲四季花卉纹盘，内壁有菊、莲、栀子、石榴、芍药、芙蓉、茶花等十三朵花，外壁画花卉若干，盘的中心则画一把莲花——佛教以莲花为圣花，所以中国瓷器中多有此花。

白胎晶莹透亮，花纹虽多，但繁而不杂，纯净的白色和优雅的淡青相配，产生极为雅致的效果。

                                                把莲四季花卉纹盘明宣德

      青花何以在中国瓷坛独占鳌头，主要因为它与中国人长期追求的文化和美学精神相契合，这就是平淡天真、自然从容。

      中国人认为，最高的美是一种平淡天然的美，任何过于造作、文饰的艺术，都与这种精神相违背。

青花作为中国瓷器的代表，以白色和蓝色所构成的简洁清雅世界，表现宁静清洁的美。

青花瓷器有一种静气，看这样的瓷器可以平息人心的浮躁，将人的心灵从喧嚣的世界中拉回。

青花是一种单色彩绘，色彩上看起来比较单调，这也正是青花的特点。

没有过分的装饰，没有刻意的夸张，优雅而平静。

青花瓷追求透明的感觉，元明时期的官窑青花瓷，白色的胎质非常薄，在透明的白色中，着以蓝色的花纹，干净爽利，给人一种高风绝尘的感觉。

                                                      含蓄内敛的境界

      中国瓷器多体现儒家美学的特点，在它温润细腻的追求中，可以看出儒家温柔敦厚的美学倾向；在它含蓄蕴藉的风格中，也可看出儒家美学内敛的气质。

      宋代是中国儒学复兴的时代，也是瓷器成熟的时期，二者之间绝非巧合。

儒家思想促使了宋瓷的突出发展，温润而内敛的儒家审美准则给造瓷者很大的启发。

宋代瓷器追求内在的质感，这一传统在后代一直被遵循。

它的表现方式，不是“放”，而是“藏”。

正是这“藏”，使得中国瓷器很耐看，有余味。

      元代景德镇始创的釉里红瓷器，就是“藏”的代表。

釉里红与青花是元代景德镇创造的两大瓷器品种，釉里红烧制难度大，没有青花那样流行。

但釉里红有很高的品位，这种瓷器在明代洪武年间得到进一步发展，今天收藏界对洪武釉里红的痴迷，也说明它的价值。

      釉里红的烧制方式与青花大体相同，不同的是，青花作画的材料是氧化钴，而釉里红用的是氧化铜，铜料呈铜红色，以铜红色绘出图案，再罩上透明釉，经高温烧制，形成了别具一格的釉里红风味。

白色的胎质上着以红色的图案，既鲜亮又内敛，既温润又不夸张。

                            明洪武釉里红拔白缠枝花卉纹碗先藏于北京故宫博物院

      藏于台北故宫博物院的洪武釉里红三友玉壶春瓶，以釉下红绘出纹饰，腹下有莲瓣纹一周，肩腹间绘有芭蕉湖石、竹丛等小景，如同一幅元代书斋山水，而且平添了一种优雅内蕴的意味。

                              洪武釉里红三友玉壶春瓶现藏于台北故宫博物院

      儒家美学强调温润细腻，但又推崇一种内在的力的冲荡。

外表就像平静的水面，几乎不泛一丝涟漪，里面却含有漩涡，冲突在内部展开。

这在瓷器中也有体现。

      斗彩瓷器，就是这种思想的反映。

斗彩创制于明代的成化期。

斗彩，要经过两次彩画过程。

烧制之前，在白色的胎质上绘以青花轮廓线，烧制之后，再在第一次所绘的画面上，以红、黄、绿、紫等色填彩。

      斗彩是釉下彩和釉上彩的结合。

釉下和釉上是彩釉的两种类别，在胎坯上先画好图案，上釉后入窑烧的彩瓷叫釉下彩；在烧后的瓷器上彩绘，经过二次烘烧，这样的彩瓷，叫釉上彩。

斗彩使得釉下彩和釉上彩相映相争，盎然成趣，内藏和外露造成了一种力的冲荡形式。

台北故宫博物院藏成化斗彩团花鸟茶杯，两次上彩，不仅增加了层次感，显然也赋予了它更多的表现力。

                                                         造型和画意

      瓷器是综合性的艺术，好的瓷器如雕塑，需要有引人注目的造型，对于瓷器欣赏而言，造型往往能先声夺人。

      中国瓷器中，有一种白瓷，乳白色的胎质，再饰以淡淡的花纹，有浮雕的感觉。

宋代定窑的白瓷最为出名。

后代的白瓷多受到定瓷影响。

清道光年间的白釉印花小罐，是白色系的瓷器。

它的形状虽然与一般小罐没有多大差别，但内部嵌有五色花瓣的暗花，在简洁素雅之外，又暗藏美艳。

以它作放棋子的罐子，实在是精美至极。

      中国瓷器还追求画意，瓷器中一般都有图案，这些图案往往取自山水和花鸟画。

瓷器艺人多善画。

这就像中国的园林，设计者往往是画家。

在明清的瓷器上，精美的造型，奇妙的色彩质地，与生动的画面相互引发，别具趣味。

      由于受到西方绘画传统的影响，明末清初以来，瓷器绘制中，还融人了西方绘画的表现方式，如对光影的追求和对阴影的注意，使画面富有立体感。

流行于清时的粉彩就是如此。

                                   清乾隆粉彩九桃纹天球瓶《大清乾隆年制》款

     粉彩被称为软彩，以区别于那些不注意层次变化的彩画。

北京故宫博物院藏有一件乾隆粉彩九桃图天球瓶，其中所用粉彩不同于以前的彩瓷，这里不取繁复出现的五彩，而是注意色彩的层次变化，注意阴影，画面有立体感，写实性强。

                                 清雍正青花五蝠九桃纹瓶《大清雍正年制》款