现代艺术的激变.docx

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现代艺术的激变

现代艺术的激变

　　纽约现代艺术博物馆素描部珍藏着6000余件世界著名艺术家的纸上绘画作品，这些作品具有原始的文献意义。

纸面上的笔触、线条、色彩以及肌理，最真实地记录了大师们的执着、困惑与激情，诠释了几个世纪以来艺术大师们为扩大视觉的可能性而进行的积极探索。

2006年，纽约现代艺术博物馆选取了其中72件精品，以素描为主，还包括水粉、拼贴画等其他一些画作，在上海博物馆举办了“从塞尚到波洛克――纽约现代艺术博物馆藏现代艺术名作展”。

　　此次展览以法国后印象主义大师保罗?

塞尚于1885-1890年间创作的一副小型铅笔淡彩《洗浴者》为起点，以1951年美国抽象表现主义大师杰克逊?

波洛克创作的水彩画《无题》结束，因而展览以“从塞尚到波洛克”为主标题。

展出作品均为西方现代绘画史上各流派名家的代表作，涉及后印象主义、象征主义、野兽派、立体主义、未来主义、表现主义、至上主义、风格派、达达主义、构成主义、超现实主义以及抽象表现主义等各主要流派。

自19世纪80年代开始，西方艺术逐渐从传统走向现代，从具象走向抽象，在20世纪最初的数十年中呈现出百花齐放的繁荣局面，是现代艺术发展史上最为关键的一段时期。

本次展览选取了这一时期53位艺术大师的72件纸上绘画精品，包括铅笔、炭笔、粉笔、蜡笔、钢笔、墨水、水彩、水粉、油彩以及拼贴画等多种类型，着力展示19世纪80年代至20世纪上半叶西方绘画艺术的演变轨迹，勾勒出现代主义艺术形成的历史脉络，从而进一步推动中国观众对西方现代绘画发展源流的了解和认识。

　　在艺术史上，塞尚被称为“现代艺术之父”，一部现代艺术史从他开始写起。

文艺复兴将西方艺术从宗教和神权的束缚中解放出来，用人性取代了神性，用科学推翻了愚昧；塞尚将艺术的焦点从外部客观世界转移到了人的内心情感世界，强调心灵世界的表现；不注重“绘画的内容”，而是将“绘画的方式”作为自己研究和实践的主要方向。

他从绘画的造型结构方面入手，“用圆柱体、球体和锥体来描绘对象”，旨在剥离肉眼所看到的细枝末节，建立绘画独立的语言，追求绘画本身的永恒，这对立体主义的诞生具有直接的意义。

展品中塞尚的两幅作品《洗浴者》、《仿皮噶尔的墨丘利像》，尽管尺幅不大、意笔草草，但已体现出他对传统的反叛和早期的探索，画面形成了逻辑与情感、理性与感性的冲突。

《洗浴者》与其说描绘了一则神话故事，还不如说是随意借用人体进行造型和空间的崭新组合。

前景上的浴者甚至连性别也有些模糊，只有明确的体积感。

背景全然不是枫丹白露画家们那种精心描绘的田园，而是简单的笔触所构成的色块。

人体、树木和天空之间几乎没有透视，而是统一为整体。

西方延续了数百年的构图方式、造型语言至此被彻底转型，现代艺术之门被开启了。

　　后印象主义的另一位大师高更，则将色彩和线条作为研究的方向。

他对绘画的本质有着坚定的信念，认为绘画是独立于自然之外的心灵感知而不是对自然的视觉感知。

作品高更《雅各布?

梅耶?

德?

汉肖像》（1889年）中的色彩和线条即具有这样一种心灵的体验，那是内心世界的描绘，是心灵的永恒。

高更追求艺术的本质，由此上升为对人生的本质探索，他超越了现代工业文明的喧嚣，最后在南太平洋的塔希提岛找到了慰藉。

他在自传体的作品里写到：

“我逃避了人为的和常规戒律的东西。

在这里我进入了真实，与自然融为一体。

在文明的疾病之后，新世界的生活是回归健康”。

高更的影响也是多方面的，20世纪非写实的艺术流派大多与他的思想有关，例如纳比派、象征主义等。

　　法国象征主义画家雷东曾在布列塔尼与高更结交并形成了自己的艺术观念，他开始相信艺术作品是艺术家内在精神中的某种东西，而不是眼睛所观察到的自然。

在某种程度上，象征主义画家为追求内在思想的真实、梦想的真实，在画面中塑造了奇异、怪诞，充满象征意义的形象。

《眼睛-气球》是雷东的代表作品之一，画面的主体是一颗硕大的眼球，充满着死亡的气息，如气球般漂浮在空中，眼球下悬挂着一艘小小的飞艇。

画面下部有一似昆虫又似植物的物体，远处一条晦涩的地平线，将视觉引向远方一片无尽的压抑之中。

作品充满着观众无法捉摸的寓意和象征，留给我们的只有困惑和战栗。

雷东用不定的形状、流动和变化的笔触成功创造了一个梦幻和梦魇的世界。

　　“野兽派”本是带有贬义的一个词。

1905年，一群名不见经传的年轻艺术家参加了法国秋季沙龙展。

他们宣称“为色彩而色彩”，画面的颜色粗犷奔放，大胆狂野，对保守的观众具有相当的挑战性。

恰巧在展厅内还有一件古典主义风格的雕塑，于是一位评论家嘲讽到“哈！

多纳泰洛被野兽包围了”，“野兽派”一词不胫而走，马蒂斯便是其中的领袖。

马蒂斯继承了后印象主义大师凡高对色彩的探索，他认为绘画的本质是人的情感，而色彩是情感表达的主要手段。

他在《画家笔记》中写到：

“色彩的主要功能应在于尽情表现情感。

我采用色调并非经过事先的计划……澄净的蓝天与林叶的细微变化，季节的美，就是激发我创作的唯一源泉。

”虽然马蒂斯的作品中笔触流动，细腻奔放，但是色彩是其作品的主旋律，观看他的作品，主题、造型退居其次，首先令人震撼的是那充满激情的狂野色彩，仿佛有一团彩色的火焰在画面燃烧。

至此，现代绘画实现了色彩的解放。

此次展出的作品有《拿郁金香的女孩》，这是1910年的作品，正好是艺术家进行了大量的裸体人物练习，尝试用蜿蜒的、忽略细部的线条来表现时创作的。

这件作品也是他进行“扭位”探索的系列作品之一。

　　立体主义创始人毕加索是现代艺术中最引人注目的人物之一。

实际上大半部现代艺术史，都可以按照他的成就来写。

他参加过19世纪以来的大多数运动，而且他本人也发起过许多运动。

此次展览毕加索的作品最为丰富，有《医科学生的头部》、《站立裸体女人》等六幅作品，形象地阐释了他立体主义风格的起源和形成。

《医科学生的头部》一画中分裂的头部小平面的顺序组合，打散了文艺复兴以来的焦点透视的定律。

这件作品预示了另一幅伟大绘画的成功――《亚威农的少女们》。

1907年春天，毕加索将他受到的各种影响叠加起来，实现了艺术观察史上重大的突破。

毕加索企图把几何形体化了的人物，和封闭背景的几何形体结合起来，他第一个把绘画空间概念做了纪念碑式的表达。

文艺复兴的绘画是通过直线透视法和大气透视法所产生的。

一个固定的观者，观察一个立体的空间，在这个空间里，由于物体几何形体的消退和尺度、清晰度明显地退向远方，于是便产生了深度感。

现代主义画家如德加、劳特累克、修拉、高更、梵高、还有更重要的塞尚，使用了各种控制深度幻觉的手段，产生出一种三度幻觉立体和两度平面绘画之间的均衡。

但是毕加索通过他的探索宣布了一个原则：

甚至连人物也可以服从于整个绘画。

人物也可以变形、割裂，变成一系列平面色彩的小块面，构成人物所处的环境而难以区分。

有了这个发现，现代主义者追求的目标开始明朗起来：

一幅画，可以与人物、风景和景物无关而独立存在，它是线条、色彩和形状在画面上的抽象安排，可以各种方式将他们综合成一个整体。

　　总之，《亚维农少女》首开20世纪形式主义的先河。

毕加索一生结过两次婚，有过很多情人，女人是构成他丰富多彩人生的重要部分。

在毕加索心目中，女人是天使，也是魔鬼。

在他的“蓝色”时期，女人是作为怜悯的形象出现的。

而在《亚维农少女》一画中，他将女人体压扁、扭曲，使人不由自主联想起中世纪艺术家描绘的魔鬼撒旦的形象。

而在晚年，毕加索又描绘了许多充满肉欲的女性形象。

也许这些变换的主题表明了画家内心灵与肉的斗争。

　　立体主义开启了新的空间观念，未来主义紧随其后。

1909年，意大利诗人马里奈蒂在米兰组织了具有政治含义的艺术运动，它的主旨是将意大利从传统中解放出来，转而赞美现代的世界。

一些画家公开宣布对这一运动的支持，相继发表了一系列的宣言，未来主义由此诞生。

波丘尼是未来主义运动中最具有影响力的画家，他的主要艺术观点集中在两个方面，一是创作具有情感表现的作品，其次是再现时间和运动。

他在作品的表现手法上借鉴了立体主义，将多重角度和多重时间溶入同一个画面，唯一的区别是他强调作品要表现出灵魂的状态。

他的作品三联画《思想状态》是最能阐述未来主义运动对运动和速度的理解和运用。

画面通过对形体的扭曲来突出紧张的气氛和动荡的感受，在画面上营造了强烈的运动感，仿佛听到一阵阵喧嚣如潮的音响。

正如《未来主义画家宣言》所云：

“一切都在动，一切都在奔驰，一切都在迅速变迁。

在我们的面前，事物的轮廓从来都不是静止的，而是不停地在隐现。

”

　　与法国的野兽派、立体主义和意大利的未来主义相呼应，在德国掀起了抽象主义绘画运动。

而一个俄国人康定斯基成为了运动的核心。

根据康定斯基的自述，某天晚上，他步入自己的画室，忽然被一片斑斓的色彩和奔放的线条所震撼，最后发现是自己一张斜置的风景画。

同时他借鉴同时代沃林格尔的移情理论和格式塔心理学成果，认为色彩、线条、形状和空间都可以表达特定的情绪，或快乐、或悲伤、或鼓舞、或压抑，由此康定斯基坚持探索用非再现的基本形式来构建艺术对象，表达自由的内心情感。

他曾从音乐中寻找灵感，认为纯粹抽象的绘画和音乐有共同的特点。

作品《即兴》以音乐术语为名称，正反映了他受音乐的启发进行绘画的创作思想。

画面是一片色彩斑斓的涂抹，无拘无束、自由舒展，色彩与线条自由穿走，没有任何具体形象的联想和描绘，走入了纯抽象的境界，但是随着色彩和线条的运动，我们内心随之呼应，快乐、激昂或者悲伤，那是一曲“看得见的色彩。

”

　　相对于康定斯基作品对心灵的震颤，同样使用单纯的点、线、面进行创作的荷兰风格主义大师蒙德里安的作品却使我们感到一种永恒的宁静。

《码头与海洋》向我们展示了画家特有的艺术语言。

画面采用了圆形构图，其中纵横着单纯的水平和垂直短线，均衡稳定，仿佛自洪荒时期便一直存在。

蒙德里安的作品对现代设计形成了极大的影响，今天的许多的环境、产品、书籍设计都有他作品的影子。

　　至上主义大师马列维奇的作品则将抽象因素推到了一个极致，作品《白纸上的黑色方块》恰如其名，在白纸上描绘了一个黑色的方块，他对自己的作品解释到：

“客观世界的视觉现象本身是无意义的，有意义的是东西的感觉。

”

　　至此，自塞尚至马列维奇，现代艺术的探索完成了一个阶段。

塞尚是一位隐士，一生中大部分时间都在远离巴黎的法国南部过着与世隔绝的生活。

与印象派画家对大自然光影的细腻描绘不同，他强调绘画的“内在的真实”，使西方传统写实主义体系彻底瓦解了。

塞尚的绘画是具象的，他的题材有人物、静物和风景，但是在他眼里，人物和静物是完全等同的，他只注重通过对象的外表揭示永恒的形体结构，或者绘画从主题得到了解放，不再担任图解的使命，绘画开始为自身探索即“为艺术而艺术”。

随后野兽派和立体主义则解放了色彩，立体主义解放了形体，达达主义解放了材质，而抽象主义更进一步解构了形式，自康定斯基、蒙德里安乃至马列维奇绘画终于从形式上达到了单纯。

现代绘画完成了一个阶段。

诞生于美国的抽象表现主义此时异军突起，它与其说是一种风格，不如说是一种思想。

波洛克在世界范围内成为了美国新绘画的象征。

他的绘画过程是用颜料桶将颜料滴洒在铺在地板上的大块画布完成的，毫无疑问，直觉和偶然因素在其中起了很大的作用，因此评论家罗森堡为此创造了“行动绘画”一词。

作品《无题》展示了波洛克特有的随意泼洒颜料的方法，揭示过程对艺术创作的意义。

画面效果与东方的水墨画有异曲同工之处，它没有开始也没有结束，铺满画面每一个角落，而且还继续向外扩展，完全不同与传统的架上绘画方式。

绘画最后的底线终于被突破了，为现代艺术开辟了一条新的道路，现代艺术开始走向了观念和过程。

此后，偶发艺术、大地艺术、观念艺术相继兴起，现代艺术又开始了一轮新的演变。

　　此外，展览中还有多幅经典之作，如达利为《第二份超现实主义宣言》所做的卷首插图、米罗的《太平梯》、法国艺术家恩斯特的《1941年的爱丽丝》、克里姆特《侧面女人像》以及夏加尔的《生日》等，凡此种种，名品迭出。

可以说，这次展览全面反映了19世纪晚期至20世纪中期西方现代艺术领域各个流派的基本风格，为中国观众学习西方现代艺术史提供了一个极其难得的机会。