毕加索资料.docx
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毕加索资料
毕加索的每一幅画，每一笔看似简单的线条，看似纯粹的色块，都透露着他对生活的积淀，和长期积累下对人生的深刻理解。
亮点一：
舞台小品式课堂
印象最深的是来自金华的王赟老师上的《侃侃毕加索》一课，那风格不亚于一个优秀的小品演员，不光是学生忍俊不禁的笑，我们听课的老师都议论纷纷，对她赞赏有加。
看惯了主课老师的严谨，有这样一位风格独特的老师来上美术课，谁会不喜欢呢？
当然王老师不仅说话爽快幽默，对课的把握也张弛有度。
毕加索的一生都是个传奇，他的艺术作品也不是所有人能欣赏接受的，要让学生去欣赏，并表达自己内心的感受是有难度的。
王老师运用各种手段激发学生学习兴趣，积极引导学生参与、讨论，其中向学生扔“炸弹”，让学生体会战争给人们带来的恐惧效果非常好，使学生对《格尼卡尔》这幅作品的历史背景与毕加索想表达的意思更明确了。
以一群丑女颠覆唯美的绘画传统，以极端几何图形取代流畅线条，毕加索以他的《亚威农姑娘》摧毁传统、背叛自己，却孕育出了震惊世界的立体画派。
他的艺术生涯几乎贯穿其一生，作品风格丰富多样，后人用“毕加索永远是年轻的”的说法形容毕加索多变的艺术形式。
除了绘画之外，帕布罗还迷恋斗牛。
这是安达鲁西亚人对死亡特有的浪漫激情。
一幕幕血腥的场面，深深的印刻在毕加索的脑海当中，当时他只有八岁。
但是已经开始创作斗牛的死亡场面。
（毕加索儿子，克劳德·毕加索）“他伴随着斗牛的热情长大。
父亲常带他去看斗牛，人对着牛跳舞，美妙的舞蹈表现出人类和动物之间的爱，最后以死亡而告终。
伟大的爱以死为终结。
”
在毕加索的一生当中，认识他的人都被他的眼神所吸引，他那南部西班牙人的气质令人难忘。
（传记作家，约翰·理查森）“这真是很奇妙，用安达鲁西亚人的话来说，是MiradaFuete，有穿透力。
一个早年的朋友曾说，‘我觉得毕加索与众不同，当他盯着一张纸看时，锐利的目光能使那张纸燃烧起来，把画纸上的一切烧尽。
’”
虽然帕布罗·毕加索，一生中大部分的时间都留在法国，但他跟西班牙仍然有着千丝万缕的关系。
他的艺术，他的灵魂，仍然深深的植根于故乡十九世纪的文化中。
（
毕加索的《公牛头》用身边常见的物品——自行车坐垫和龙头，加上丰富的想象力将二者进行组合，诞生了一件令人印象深刻的作品。
毕加索是一位有着丰富想象力的艺术家。
他喜欢保留并收集身边可利用的东西，他认为总有一天它们会派上用场。
喜欢在垃圾堆里寻宝的他懂得如何赋予物品新的生命，将这些毫不起眼的物品变成艺术品。
艺术家在进入而立之年后，开始进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。
他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他却永远忠于自由。
也许，综观古今中外的画家，没有一个能像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。
他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。
他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。
从具象到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法，只有绝对自由才适合他。
◆毕加索：
父亲的赏识让“白痴”成为绘画大师
小时候，毕加索就有着很高的绘画天赋，但却经常搞不懂诸如“二加一等于几”的问题。
为此，他成了同学们捉弄的对象，他们喜欢跑到毕加索的课桌前，逗他玩：
“毕加索，二加一等于几？
”然后，他们看着毕加索呆呆的样子哈哈大笑。
就连老师也认为这孩子智力低下，根本没法教，老师经常在毕加索父母面前，绘声绘色地描绘毕加索的“痴呆”症状，左邻右舍也不再为他的绘画天赋叫绝，而私下议论说：
“瞧那呆头呆脑的样，只会画几幅画有什么用。
”当时，几乎所有的人都认为：
毕加索是一个白痴。
面对风言风语的议论和嘲笑，毕加索的父亲却始终坚定不移地相信：
儿子虽然读书不行，但是，绘画是极有天赋的。
毕加索父亲对孩子有真正的理解和赏识，他对儿子说：
“不会算术并不代表你一无是处，你依然是个绘画天才。
”小毕加索看着父亲坚毅的面孔，找回了一些自信。
果然，毕加索总是似乎毫不费力就能绘出才华横溢的图画，也渐渐忘记了自己功课方面的“无能”。
有了父亲的支持，毕加索每天都沉浸在想象的世界里，虽然功课不好，但他却在绘画的天地里找到了快乐，并成为一代绘画大师。
编者的话：
白痴与天才的距离到底有多远呢？
有人说遥不可及，有人说一步之远，总之，没有定论。
但是，从上面的三个故事里我们应该明白一个道理，那就是如果你的孩子长相不够可爱、性格较内向、嘴巴不甜，或者有其他诸如此类的小毛病，做父母的都不应该忽视他们，反而要以敏锐的目光去发现孩子的超人之处，并加以鼓励、引导和发挥，最终帮助他们取得成功。
绘画天才毕加索
被称为“永远变化的天才”，二十世纪所孕育的世界巨匠帕布罗•毕加索是西班牙的一位艺术天才，同时也是个“数学成绩差的天才”。
据说，在美术学校入学考试时，老师在黑板上写下算术题，可毕加索根本就不会做。
那位老师把一张吸墨纸交给毕加索，纸上写着答案。
他就是这样才考入美术学校的。
这是流传的关于毕加索入学考试的趣闻。
虽然毕加索对数学束手无策，但他的绘画才能却是在很小的时候就显露出来了。
毕加索的父亲是一位画家。
毕加索出生时，他父亲正在西班牙濒临地中海的古老港城马拉加担任美术教师。
据说，生长在这样的家庭环境中的毕加索远在会说话之前就开始画画儿了。
毕加索从小就很有艺术天赋，他会做惟妙惟肖的剪纸，还创作了许多惊人的绘画作品。
左邻右舍都赞叹不已，称毕加索为天才。
然而，这个“天才”却不是一个优秀的学生，上课对于他来讲简直就是折磨，听课时他不是漫无边际地幻想，就是看着窗外的大树和鸟儿，而且他似乎永远都学不会枯燥无味的算术。
他无奈地对父亲说：
“一加一等于二，二加一等于几，我脑子里根本就没去想。
不是我不努力，我拼命想集中自己的注意力，可就是办不到。
”而且他为此成了同学们捉弄的对象，他们喜欢跑到毕加索的课桌前，逗他玩：
“毕加索，二加一等于几？
”然后看着毕加索呆呆的样子哈哈大笑。
就连老师也认为这孩子的智力低下，根本没法教，并经常在毕加索的父母面前绘声绘色地描述毕加索的“痴呆”症状。
毕加索的母亲听了又羞又恼，觉得没脸见人。
左邻右舍也不再为他的绘画天赋叫绝，而私下议论说：
“瞧他那呆头呆脑的样儿，只会画几幅画有什么用。
”当时，几乎所有的人都认为：
毕加索是一个傻瓜。
虽然时时要面对风言风语的议论和嘲笑，但毕加索的父亲仍然坚定不移地相信：
儿子虽然读书不行，但是绘画是极有天赋的，他对孩子有真正的理解和赏识。
他对儿子说：
“不会算术并不代表你一无是处，你在绘画方面却像个大师一样！
”小毕加索看着父亲坚毅的面孔，找回了一些自信。
果然，毕加索总是毫不费力地就能绘出才华横溢的图画，也渐渐忘记了自己在功课方面的“无能”。
但是，嘲讽却并没有就此停息，反而愈加猛烈。
小毕加索脆弱的心灵蒙上了阴影，他变得不爱说话了，更不爱和小伙伴们一起玩耍。
这个时候，父亲每天坚持送儿子去上学，一到教室，父亲便把画笔和用作模特的死鸽子放在课桌上。
父亲成了儿子强有力的心理依靠，似乎离开了父亲，毕加索根本没有勇气去面对生活。
以致每天到学校后，必须得到父亲会来接他回家的承诺后，毕加索才会松开父亲那温暖的大手。
作为“坏学生”，在学校被关禁闭已成了毕加索的家常便饭，禁闭室里也只有板凳和空空的墙壁。
可是毕加索却很高兴。
因为他可以带上一叠纸，在那里自由地绘画。
有了父亲的支持，毕加索每天都沉浸在想象的天地里，虽然功课不好，但他却在绘画的天地里找到了快乐。
1881年10月25日，毕加索出生在西班牙的马拉加省一位美术教师的家里。
由于受家庭的熏陶，毕加索4岁开始作画，7岁就崭露头角。
后来，他进入美术学校学习。
15岁时，毕加索的画《第一次圣餐仪式》在巴塞罗那市展览会上展出，他的名字也开始为人们所知。
1900年，毕加索第一次去巴黎旅行，光怪陆离的法国社会开阔了他的眼界。
他在巴黎作画，结交艺术界人士。
不满19岁的毕加索，在巴黎成功地举行了他的第一次画展。
1904年，23岁的毕加索迁居巴黎，此后他一直居住在那里，直到逝世。
在法国，毕加索度过了他一生中四分之三的时间。
因此法国成了他的第二故乡。
看看毕加索是怎么画他的牛牛的
毕加索是20世纪的艺术大师，1973年去世，他的名字已成为现代艺术的同义语。
一次，毕加索画一头公牛，他画的第一幅公牛十分写实，结构严谨而逼真。
但他并不满足
，又相继画了十次。
从第一幅到第十一幅，形体逐渐概括，线条逐步简练，到最后一幅只
剩下寥寥几根线条，当观众看到最后一稿时，无法想像画家化去了多少心血，看上去似乎着笔不多，但那些简单的线条，却精炼地表现了公牛的形与神。
毕加索是立体主义的开山鼻祖，他常常用另一种眼睛观察事物，他画同一个题材，可以画一百次而每次从不重复。
别人认为终点的地方，他却作为起点。
一、复习导入
图片出示毕加索作品《牛头》，提问：
教材第七课牛头的创作者是？
学生很快说出是毕加索。
课件出示毕加索简介
毕加索，西班牙画家、雕塑家。
是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。
据统计，他的作品总计近37000件。
师介绍毕加索的作品包括油画、素描、版画、雕塑等。
今天老师带来了他创作的一把吉他，想请你们看一看，哪位同学最先看出他是用什么材料做出来的？
（教师展示作品）PPT:
《吉他》
学生很快说出是用卡纸和旧报纸等做出来的。
师提问：
这幅作品是怎样做出来的？
他是有意这么拼的还是随便拼的？
由问题引导到今天的新课——拼贴添画。
根据学生回答简述制作方法：
选材——拼贴——添画。
毕加索一生勤奋刻苦，不断探索和创新，他给自己定下的原则是“画，再画”。
他走到哪里就画到哪里，到朋友家作客，有时竟画得满墙都是。
他习惯于夜间通宵工作，为画好一幅画，几次，十几次易稿，同一主题的画有时连画几十幅。
毕加索为他的画奋斗了一生，直到逝世的当天，还作画到凌晨3点钟。
他于１９０７年创作的《亚威农少女》，吸收了东方艺术和西班牙民间艺术的一些表现形式，彻底改变了传统绘画的表现手法，追求比现实还要真实的“理念中的真实”。
在毕加索的画中，人们还可以强烈感受到他的爱憎。
他反对战争，希望和平安宁。
1937年4月，为抗议希特勒轰炸西班牙北部城市格尔尼卡，他画了著名的大型壁画《格尔尼卡》。
为抗议美国入侵朝鲜，1952年他又创作了壁画《战争》、《和平》。
至于他的《和平鸽》，更是世人所熟悉的名作。
**艺术魔术师?
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毕加索**
毕加索,西班牙人，自幼有非凡的艺术才能。
他的父亲是美术教师，又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力。
他一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时期：
“蓝色时期”
“玫瑰红时期”
“黑人时期”
“立体主义时期”，分成分解和综合两种形式
“古典主义时期”
“超现实主义时期”
最后是“抽象主义时期”。
毕加索一生是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。
他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。
他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。
在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。
他说过：
“当我们以忘我的精神去工作时，有时我们所作的事会自动地倾向我们。
不必过分烦恼各种事情，因为它会很然或偶然地来到你身边，我想死也会相同吧！
”
他静静地离去，走完了九十三岁的漫长生涯，他如愿以偿地度过了一生。
2）毕加索的作品《镜前少女》这张画既画了少女正面的脸，又画了她侧面的脸。
毕加索尝试把同一个事物各个角度的形象巧妙地组合到一个画面中去，这就是有名的“立体派”画法。
1900年毕加索到巴黎之后，他的绘画特点才逐渐形成，并在他来到巴黎后画的第一幅名为《格勒第风车磨坊》的画中展现出来。
这幅画表现的是在深夜中的舞会上，沉醉于灯红酒绿中的人们从不问黎明何时来临，太阳还会不会升起。
画中的男人和女人都是一副绅士淑女的模样，但犹如鬼魅般冷酷无情。
虽然此画很快就驰名巴黎画坛，但它对前辈画家的摹仿也是明显的。
在巴黎的5年间，毕加索创作出《生活》、《弹吉他的老盲人》等一批充满悲哀气氛的佳作，但仍然没有画出震撼人心的作品。
人们通常把毕加索这5年的艺术创作称为“蓝色时代”。
直到他的第一个情人、美丽的费尔南德·奥利维叶闯入他的生活之后，毕加索才画出了《坐着的裸女》这一代表他风格转变的标志性作品，从而步入了后来人们所谓的“粉红色时期”。
这一年，毕加索24岁。
“总有一天，她要长成这个样子。
”
1906年，毕加索与“野兽派”泰斗马蒂斯的结识，为他进入大师行列起到了关键性的作用。
他在马蒂斯家中看到来自非洲的黑人雕塑之后，好似醍醐灌顶，顿开茅塞。
同年，他一改自己的明丽色彩，用灰褐色调为当时在巴黎艺术家圈子里的著名人物格特鲁德·斯坦因画了一幅肖像。
斯坦因是美国作家，1903年移居巴黎，她和当时法国的一些杰出画家如马蒂斯、布拉克等人十分交好。
“二战”后，一些颇具才华的美国作家如庞德、菲茨杰拉德、海明威等来到巴黎后，也大都集结在她的周围。
斯坦因卓越的艺术见解给了这些艺术家们许多启迪，有些人的代表作就是在她的影响下创作出来的。
由此可见，毕加索要给这样一位女作家画肖像需要多大的勇气。
毕加索为了完成这幅肖像，前后请斯坦因做了80余次模特，但最终还是在没有模特的时候完成的。
从画中可以看出毕加索深受非洲原始艺术的影响，强调几何造型，画像中的手是写实的，而脸却宛如非洲土著的面具。
当时见到此画的人都十分惊讶，认为一点也不像斯坦因。
对此，毕加索说了一句惊世骇俗的话：
“总有一天，她要长成这个样子！
”30年后，斯坦因指着这幅肖像，对别人说：
“瞧，他说得多么对，我现在终于长成这副样子了。
”
后来证明，正是这幅《斯坦因画像》成了毕加索从“粉红色时期”跃入“立体主义”时期的重要转折点，许多艺术评论家把这幅画誉为毕加索的“蒙娜丽莎”。
毕加索的立体主义诞生在《阿维奴的少女们》这幅名画的创作过程中。
这幅油画纵横都超过两米，毕加索花了4个月的时间才完成它。
画面由5个裸体妓女构成，在她们的造型上毕加索下了很大的功夫，竭力在平面画布上呈现出立体感，让人可以从许多角度来观看它。
在画中，毕加索大胆地将人体分割表现，使瘦削尖锐的形体如同爆炸的岩石横切面，画面洋溢着原始的气息，超出空间限制，给观赏者的想象力插上翅膀，把现实主义与浪漫主义高度地结合在一起。
然而，当“野兽派”的画家们看到这幅杰作时，无不轻蔑地否定了它。
他们的代表人物之一德朗对画商康威拉说：
“那个毕加索简直无可救药，等着瞧吧，过几天他会在那幅画的后面上吊的！
”
显然，朗德所言为时过早。
时间证明了《阿维奴的少女们》是毕加索一生中值得纪念的一幅大作，它不但是毕加索发现独特世界的第一步，还被誉为20世纪造型艺术的里程碑。
“不，这是你们的杰作。
”
如果不是《格尔尼卡》这幅震古烁今的画，毕加索至多只能算是杰出的画家。
正是因为这幅画，他才可以成为不朽的艺术家。
1937年4月26日，德国空军轰炸了西班牙巴斯克地区的一个毫无设防的小镇格尔尼卡，共有1654人死于这次轰炸，全世界为之震惊。
毕加索怒不可遏，愤怒地挥起画笔，用了半年时间画出了足以使他不朽的大型油画《格尔尼卡》。
在这幅旷世之作中，我们看不到与战争有关的大炮和军队，而是看到濒死长嘶的马、疲于奔命的脚、仰天呼号的人、死去的婴儿和号啕大哭的母亲以及漠然呆立的公牛……毕加索把这幕战争悲剧投入蓝色基调中，浅青和浅灰在黑色的对照中表现了残暴、痛苦、绝望和恐怖，也表达了正义者的抗议和呐喊。
这幅画充分展示了毕加索的表现技巧已足以驾驭大型时事题材，堪称毕加索画笔下的一部“史诗”。
在纳粹占领法国期间，一个德国军官来到毕加索的画室，指着这幅画的复制品说：
“这是你的杰作了？
”毕加索漠然地回答他：
“不，这是你们的杰作。
”
“不敢啊，那儿坐着一位了不起的齐白石！
”
毕加索为中国人民所熟知是源于他那幅风靡上世纪50年代的《和平鸽》。
他本人也对中国充满感情，而且对中国绘画也很有造诣。
1956年7月29日，我国著名画家张大千在毕加索的“加利福尼亚”别墅与他会晤时，毕加索拿出他的5大册中国画习作，请张大千指教。
张大千不仅赞扬了他的画中颇见“墨分五色，层次互见”的中国绘画功力，还赠送他几套毛笔。
后来毕加索使用这些毛笔绘出了大量的以飞禽走兽、神话故事和骑士传奇为题材的佳作。
同年，我国国画家王雪涛先生与张大千和毕加索谋面时，主动邀请毕加索来华参观访问，这位艺术大师说了一句出人意料的话：
“不敢啊，那儿坐着一位了不起的齐白石！
”
“蓝色时期”。
由于贫穷总生活在社会底层，这时他画了一些穷愁潦倒的友人题材的油画，画面充满着一层阴冷的蓝色调，
这个时期毕加索的生活条件很差，目击贫困、绝望与孤寂的人们，加上受到劳特累克画风的影响和在西班牙受教育时染上的西班牙式的忧伤主义，他的作品背景、人物都是蓝色，连人物的头发、眉毛、眼睛都是蓝色的。
那个时期的蓝色是贫穷和世纪末的象征。
画中人物形象消瘦而孤独，多是表现穷苦的人们。
代表的作品《卡萨赫马斯的葬礼》（《招魂》）
1900年毕加索来到巴黎，并在1904年定居在那里。
这期间他的创作被称为"蓝色时期"，是他第一次形成自己的风格。
这个时期作品背景蓝，人物蓝，头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他一切作品，背景简化（《熨烫衣服的人》），避开光感和深度的感觉，把人物结合成一种简单的图样，其中沉重，强烈而流动的线条，给人以不真实的、虚拟世界的印象（《两姐妹》）。
这种线条具有情感的重量。
画家后来的作品大多具有这种富于表现力的线条的特点。
这些特点是从观察人的动作和姿势中得到的。
这一时期也是毕加索对现实生活关注的时期，他还没有脱离普通群众太远去追求某些哲理性强于艺术性的表现。
那时候的蓝色，是贫穷和世纪末的象征，于是作品多表现一些贫困窘迫的下层人物，画中的人物形象消瘦而孤独。
至于为什么毕加索会采用蓝色作为主调，尚没有确定的说法。
一种说法认为是受法国画家莫奈和卡里埃的影响，认为这种色调加强了画面中的诗意成分。
另一种说法则认为，毕加索之所以偏爱蓝色是因为它代表着忧郁。
也就在那片单色的浅蓝、粉蓝、深蓝、湛蓝中，毕加索开始走上他的成功之路。
这是毕加索“蓝色时期”的代表作。
他在这一时期，目击贫困、绝望与孤寂的人们，加上好友卡萨赫马斯因失恋而自杀的影响，其作品常以蓝色为主调，加强了忧郁和悲哀的气氛。
画面中，右侧的妇女停下沉重的脚步，默默无言，双眼直盯着对面的两个依偎着的年轻人。
在这位妇女的视线里究竟隐藏了什么？
这眼光也许在说，怀中的婴儿即使在绝望中也得继续那无法逃避的人生。
画面左侧，男女两人依偎在一起。
那位男的形象在写生阶段还像毕加索自己，但到作品完成时却变成了好友卡萨赫马斯的形象了。
卡萨赫马斯是一位立志投生绘画艺术的青年，却在巴黎自杀身亡。
因此，这幅画里，还包含了毕加索对青年好友的痛苦回忆。
粉红色时期
时他的经济已好转，生活比前愉快，画作用色变为轻快的粉红；绘画对象亦由蓝色时期的乞丐、瘦弱小孩和悲戚妇女转向街头艺人、杂耍艺人及风华正茂的女孩。
这个时期毕加索的经济好转，画面的颜色也转变成了粉红色的。
绘画的对象也从穷困的人变成了街头艺人、杂耍的艺人和年轻的女孩。
这一时期的作品温和轻快、线条灵活
毕加索的画布上开始出现鲜亮的玫瑰色，蓝色虽然还没有消失，但已不再占主导地位，开始了他的玫瑰时期。
这一时期，马戏团演员和小丑是他描绘的一个重要题材，这一题材在他后来的创作中也反复地出现过。
马戏团演员以其高难动作体现着勇敢，敏捷和矫健，与毕加索同样喜爱的斗牛士，芭蕾舞演员所体现的动态的，充满活力的形象都是他喜爱的描绘对象，激励着他的创作。
另一方面，这个群体通常被视为社会的边缘人。
他们贫穷却相对独立，漂泊不定没有根基。
这种生活状态也在一定程度上折射出当时毕加索这类艺术家的波西米亚生活方式。
毕加索很容易在哈们身上找到自己的影子。
事实上，他有时也会把自己描绘成其中的一员。
毕加索从后印象派色调的精细中重新发现形体上的大略简洁笔法，而这就是“玫瑰红时期”的典型画法。
1904年春，毕加索在巴黎蒙马尔特区永久地定居下来，随着他迁居巴黎、与菲尔南德·奥里威尔的同居，他的蓝色风格时期也宣告结束。
柔和的粉红色调开始渗透到他的画布上的单一蓝色中去（《扇子女人》），很快成为他画布上主要的颜色（《花篮女人》）。
那种暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替了空洞抽象、沉重抑郁的一片蓝色。
青春和爱情活生生地出现在画面上，人物形象往往是一些富有青春美或是魁梧的人。
"玫瑰红时期"就这样开始了，毕加索的油画进入了完全新的世界，一个与流浪艺人和杂技演员接轨的世界，于是也有人称之为"马戏团风格"（《马上的姑娘》）。
在这时，毕加索的声望使他得到了与众多女人接触的机会，在这个充满欲望和希图的时代，他用公牛一般的意志统辖着他的女人们（《玫瑰色的裸女们》）。
这是毕加索玫瑰时期的代表作之一。
此画2004年在伦敦拍卖时创下1.04亿美元的天价，也让毕加索重登作品最昂贵画家的宝座。
此画现为私人收藏。
身着蓝衣的少年左手拿着烟斗坐在凳子上，画面的背景是大片的玫瑰色调，墙面上画着鲜艳的花朵。
蓝色没有消逝，但已不是冰冷的普蓝，而是一种柔和的，梦幻般的，近似钴蓝的色调。
鲜亮温暖的玫瑰色调主控了整个画面。
这幅作品，被评论家誉为“具有达芬奇《莫娜丽莎》似的神秘，梵高《加歇医生》似的忧郁的唯美之作“。
非洲时期（原始时期：
）
毕加索从德兰的非洲面具中得到启发，直至年底，其作品一直受非洲面具影响，此即为毕加索的非洲时期。
他笔下的人体健硕而深沉，这种特征，
毕加索从非洲黑人的雕刻、象牙海岸的扁平面具和古伊比利亚雕刻中得到启发，开始了他的原始时期。
他笔下的人体健硕而深沉，十分有力量。
1906年，毕加索结识了马蒂斯。
他从这位野兽派泰斗那里发现了黑人雕刻，从此迷上了黑人雕刻，并吸收其艺术精华融入自己的作品中去。
这年，毕加索将调色板上的胭脂洗掉，换上灰褐色的颜料，为文学家斯坦因画肖像。
这幅《斯坦因画像》，是毕加索从‘玫瑰红时期’跃入‘立体主义时期’的跳板，即受到原始艺术的影响，也注意了几何学的基本形，画中的手是写实的，而脸却似土著面具式的形象。
斯坦因是1902年来巴黎定居的美国女作家。
她以实验式表现手法，曾给年轻的先锋派文学家们以巨大影响。
她和现代派的艺术家们交往频繁，使其大名常常在现代美术史著作中出现。
她不但与比自己小七岁的毕加索相处得很好，而且与马蒂斯、布拉克以及那些立意创造新型艺术的画家十分亲密，经常在这些画家最困难得时候慷慨解囊。
她和哥哥利奥不断收藏他们那些富有争议得作品，以示在经济上支持穷画家们专心致志地从事新艺术的创造。
斯坦因曾为这幅肖像做了八十次模特儿，最后还是在没有模特儿地情况下，毕加索独自润色此画。
朋友们看了完成作后大吃一惊，都指责所画人物根本不象斯坦因。
毕加索说：
“这有什么关系呢？
最后她总会看起来跟这幅画一模一样的。
”斯坦因很感激地收下这幅画。
数十年过后，评论界一致认为，这幅画与女作家的内在是一致的。
1907年的春天，毕加索将所受的各种影响汇成一体创作了划时代的《亚威农少女》。
创作这幅画的动因是画家在偶然机会参观了巴黎人类博物馆时，被非洲土著人艺术，特别是黑人雕刻那种简练朴素、怪异和粗犷的造型所吸引，从中获得了灵感，开始了他的“黑人艺术时期”的创作，但塞尚后期作的那些《沐浴》女裸像也给他以具体的灵感。
立体主义
《阿威农的姑娘》中显露无遗，由不同组件组成的人体可从几个角度来观看，揭示毕加索的立体主义时期的来临。
然而，整个时期仍有受塞尚影响的痕迹。
毕加索的《亚威农的少女》一画上，正面
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