太原唐晋画室.docx

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太原唐晋画室

许多色彩大师经过多年的实践以后总结出一条经验：

只有懂得灰色与灰色调之美，才能懂得色彩之美。

灰色和灰色调有一个通俗名叫做“高级灰”，关于“高级灰”，笔者在绘画和教学过程中总结了一些认识，下面作几点粗浅的分析。

一、什么是“高级灰”

什么是“高级灰”？

它又是怎样产生的呢？

对一般人而言，色彩与颜色几乎是同义词，但在绘画领域，色彩是一种颜色间相互作用、相互影响的动态关系。

对那种没有联系、比较单一的颜色是不能称之为色彩的，比如一块单一的绿色，在没有受到其它颜色的影响也没有影响到其它颜色时，在固有色观念下，我们可以说它的色相是绿色，它只是一块颜色而不是一种色彩关系。

颜色是绝对的，而色彩则是相对的，它可以不太计较色相的准确度，但却非常重视具体对象与周围物象的条件变化关系。

比如说一块白衬布的暗部，纯粹用白调黑画上去显得直白生硬，如果加入周围环境和光源等条件的变化调成似白非白（可能有点偏蓝或可能有点偏紫或其它颜色）的颜色画上去，加上周边颜色的相互作用，这个不是白色的颜色却能表现出更为丰富的物象，并不会让人觉得白衬布变成了蓝衬布或其它颜色的衬布了。

这种因条件变换而产生的具有丰富色彩关系的颜色载体我们称之为“灰色”。

由于灰色的产生过程是复杂多变的，有一些现象非常容易使人产生误解，黑白不分，混淆视听，灰色变成一个不讨人喜欢的颜色。

就连语言的色彩里都有，一般的有“灰白”、“灰暗”、“灰不溜丢”、“灰蒙蒙”、“灰头灰脑”，而后有“灰孙子”“灰心丧气”，过份的有“面如死灰”“心灰意冷”，夸张的有“死灰复燃”。

长期形成的固有观念，不管是对颜色的认识还是对情感的表达，它可能在一定条件下反映了客观世界的真实，但是在绘画形式上却容易模式化，观念上变得僵化生硬，与动态产生的“灰色”成为不可调和的矛盾关系。

初学画画的人最容易犯“灰”的毛病，比如在明度上拉不开距离，或者片面追求色彩丰富而调入颜色种类过多，或者是在调色时像搅拌水泥一样反复次数过多，使颜色失去了光泽，或者是调色时平均对待没有倾向性。

为了与这种颜色混浊脏乱，画面灰暗的现象相区别，有人在色彩关系恰当，灰得有美感的灰色前面加上“高级”二字。

这是“高级灰”的来由。

二、“高级灰”的审美价值

少数时候“高级灰”就是一种颜色，更多的时候它是一种色彩关系。

在条件色观念下，灰色拥有一个层次最丰富最广阔的领域。

一组颜色经过调合，纯度降低，不生不火，柔和，平静，稳重，有一定的色彩倾向，变化微妙；形象自然而不突兀，内涵丰富而不单纯，气质高雅而不粗俗，放在画面上与周围的物象色调统一，对比和谐却又和而不同，卓尔不群，简直就是君子之色，是许多画家毕生追求的色彩，也是众多学子梦寐以求，为之纠结的“高级灰”。

“高级灰”是一种通俗的说法，“夫唯大雅，卓尔不群”，我更喜欢称之为“雅灰”。

“和而不同”是“高级灰”审美价值的主要体现。

“和”在初级层面的反映是颜色的调和，色块面积比例的和谐，比如说：

黄：

橙：

红：

紫：

蓝：

绿=3：

4：

6：

9：

8：

6，试图寻求一种视觉上的平衡，但它只有色相的关系，没有明度和纯度的变化，所以在绘画写生中不实用。

“和”的中级层面是在色立体的理论下调整出来的色彩秩序，考虑了明度和纯度变化，既有同色调和又有多色调和，按照一定的规则都能进行调和，在绘画中就形成了有一定审美价值的灰色。

它在色彩设计中有着广泛的应用价值。

“和”的高级层面是突出了绘画主体---人的情感因素。

人有人格，色有色品。

因为各种灰色的动态生成，运用，使得画面关系和谐，而又具备各自的个性特征（倾向性），所有的个性既能相互辉映，又能在微妙变化中彰显统一而丰富的视觉美感，卓尔不群的美学价值。

三、“高级灰”颜料的特性及其影响

绘画中常用的颜料有油画颜料，国画颜料，水彩颜料，丙烯颜料，水粉颜料等。

随着科学技术的进步和绘画的发展，颜料的品种在不断增加和改进。

了解并掌握工具材料的性能和特点，加以灵活运用，能更有效地提高色彩表现能力。

单就色彩写生训练中常用的水粉颜料而言，已经不是二十几个品种的“广告色”了。

常见的有四十多种所谓的基本颜色，比如：

 白色、淡黄、柠檬黄、熟褐、土黄、深红、橄榄绿、黄绿、普兰、天蓝、中黄、桔黄、大红、朱红、桔红、淡绿、赭石、玫瑰红、土红、粉红、中绿、墨绿、粉绿、草绿、青莲、群青、湖蓝、钴蓝、肉色、黑色、紫色、灰色、芽黄、桃红等等。

近年又出现了“高级灰”系列，有马利、温莎·牛顿、青竹等牌子，较有代表性的有克洛特国美灰系列，也有四十多种，比如：

香苹果、普罗旺斯、拉丁黄、国美黄、国美绿、国美蓝、国美红、象牙黄、里昂、臧氏黄、臧氏蓝、英伦、波斯菊、黄灰、绿灰、蓝灰、红灰、橙棕、红棕、爱琴海、起司、雪青、黄芥、晴朗蓝、春日青、景德、蓝莲、月灰、牙黄灰、浅蟹灰、灰豆绿、淡青灰、米驼、豆沙红、闪电紫、粉黄、釉里红、松石、青芥、秋叶、绿松石蓝、绿松石绿、香水百合、波尔多红等等。

光看这些颜料的名称，我们就能感受到科技的力量，也能体会颜料变革的创新，甚至会佩服研发者和制造商的良苦用心。

因为这些特色颜料能带给大家诸多的方便。

其一，有近百种颜色之多，无须调入其它颜色即可直接绘画，节省调配颜色的时间，可以在最短的时间内完成一幅漂亮的“灰色调”作品。

其二，可以改善画面效果，改变“生”、“火”、“脏”等毛病，有起死回生之功效。

其三，省钱，不必为了调一种“高级灰”而购买数种普通颜料，也不必担心调“脏”颜色而浪费颜料。

其四，能让初学者快速入门，很快掌握“灰色”，画出“灰色调”。

更有吸引力的是现在高考中全国各大美院喜欢“灰色调”的考卷，很多学生热衷于走捷径，省事省力省心的画“灰色调”拿高分。

这种一劳永逸的思想很容易让画者陷入生搬硬套的误区，以为有了“高级灰”颜料就能画出高级的“灰色调”。

绘画不是标准化的工业生产流程，每一块颜色可能都无法复制。

我们不拒绝工业化的产品，比如新的绘画工具材料，但我们拒绝让绘画成为工业生产。

颜料只是借以表现的工具，调和“高级灰”的运用只是表现的手段，画面和谐统一才是作者审美情趣和色彩修养的体现。

如何灵活运用“高级灰”，充分发挥各种颜色的性能特点，使其呈现出最大的色彩审美价值，这才是“高级灰”颜色的作用和存在的意义。

四、“高级灰”在色彩写生中的运用

一个人的色彩修养与自身色彩感觉能力的发展，生活环境，生活经验及教育水平密不可分。

色彩写生是训练色彩感觉，提高色彩表达能力的最基本，最有效的途径之一。

只有经过长期实践，才能运用自如，熟练地掌握色彩的规律，这是一个漫长的过程，初学者都会经历“看不出来”，“调不出来”，“画不出来”的阶段。

“看不出来”是观察方法的问题，“调不出来”是表现技法的问题，“画不出来”是审美认识的问题。

“高级灰”在色彩写生中的运用，关键点在于把握它的动态关系。

在这个最高法则统帅下要学会运用四个对比，两种关系，一个统一。

（一）四个对比

每一种颜色都有自己特殊的品格，它有自己的性格，甚至自己独特的情绪。

在绘画中既要使它们突出自己的特性，又要使它们和谐相处，就需要运用对比法则。

1、注意明度对比

明度对比有两层意思，一是同色明度对比，二是两色（或多色

）明度对比。

初学写生的人容易过分追求色彩的变化而忽略明度对比，区别一个物体的亮面和暗面容易，区别暗面的反光和亮面稍有难度。

而难度较大的是背光中亮色物体或强光中的暗色物体，“高级灰”的明度对比较温和，变化微妙，不要看一眼画一块，要特别注意处理固有色观念与实际感受之间的矛盾，把环境、光源和周边物体颜色的交错产生的错觉抛开，经过比较、分类，从纷乱中找出秩序，调整颜色的对比，才能做到色彩的准确表达。

2、注意色相对比

注意处理多色并置或交替时造成的色相对比现象，首先是邻近色（同类色）对比时，其中相同的成分会退后，相异成分突出，并朝相异的方向偏移，比如紫红灰与橙红灰对比，红灰是它们共同因素，紫红灰会偏向蓝，橙红灰会偏向黄。

所以在邻近色对比时要注意同中求异，而在互补色对比时要注意异中求同。

其次纯度较高的补色对比强烈会太“跳”，一般较少直接使用。

无论是纯色或是“高级灰”，通过对比，都有强化补色对比的作用，都有一种将对方推向自己的补色方向的力量。

有的时候运用“高级灰”要有意识地弱化色块之间的对比关系，有时则需要强化。

比如一块绿灰色与一块红灰色在虚的地方就要减弱对比，而在实的地方则应强化对比，可以把红灰提亮些，此时绿灰也就变得光彩动人，甚至可以将红灰色变为纯度高一些的红色，把面积和笔法做一下调整，绿灰更富韵味，而红色一点也不会“火”气，反而带有“高级灰”的意味。

这就说明一个技法和认识上我们要准确理解的问题，“高级灰”的运用并非一味调用灰色，而是要处理好各种灰色之间以及灰色和纯色之间的对比关系。

3、注意冷暖对比

在绘画中，冷暖对比是非常重要的色彩规律，冷色与暖色互相对立，又相辅相成，两者要相互反衬才具有更强的表现力。

许多画画的人只注意了绝对的冷色与暖色对比，其实这是冷暖对比与补色对比并行的层面，还有另一个层面的对比没被重视或被忽略，那就是：

当一块颜色与冷色对比时，可以有暖的感觉；当与暖色对比时，又可以产生冷的味道。

单一的颜色是谈不上冷暖的，如果说一块颜色是暖的，当与更暖的颜色对比时，它却是冷的；如果说它是冷的，当与更冷的颜色对比时，它却是暖的。

因此，“高级灰”的冷暖对比不能只注意互相对立的颜色（补色）的强烈对比，更需要注意冷灰与冷灰对比，暖灰与暖灰对比，加强邻近灰色的微妙对比。

一定要铭记：

冷暖是相对的，不是绝对的！

4、注意纯度对比

大自然就是一位顶级色彩大师，许多高纯度的亮色和丰富多彩的复色是绘画颜料无法比拟的，这就决定了绘画只能是表现而不是模仿。

一张色彩明快，响亮的画，并不一定都使用纯度很高的颜料，而是往往用大面积的低纯度色（“高级灰”）与少量高纯度色互相配合，互相调节，达到丰富、鲜明而和谐的效果。

上文谈补色对比时关于绿灰和红灰对比的例子也是对纯度对比的生动诠释。

综上所述，色彩的明度对比，色相对比，冷暖对比和纯度对比是同时存在于绘画色彩对比中的四个方面。

在色彩写生中，对整个画面色调，局部色块甚至每一笔颜色都要同时考虑这四个方面的对比。

如果不注意明度对比，则画面的素描关系画不好；不注意纯度对比，画面不是过于灰暗就是过于鲜艳；不注意色相对比，画面就会色彩贫乏或色彩混乱；不注意冷暖对比，画面就会失去视觉平衡或心理感受的平衡。

（二）两种关系

注意素描关系主要关注明度对比，但又不能把色彩当素描来画。

注意色彩关系则要综合运用明度、色相、冷暖和纯度的对比法则，使其相互作用相互影响，在动态中形成一种统一协调的关系。

（三）一个统一

色调统一是处理好色彩关系的金钥匙。

它不仅是所有颜色的指挥也是情感的载体，是赋予作品以诗意境界的载体，作者因此得以“托物言志”或“借景抒情”。

色调的种类几乎与色相一样丰富，从明度区分有亮调子，灰调子，暗调子；以色性分有冷调子，中间调子，暖调子；以色相区分有紫调子，绿调子，红调子……在绘画中往往是你中有我，我中有你综合显现的。

色调是一张画中最先引人注目的东西，是绘画主题表现的强有力的手段，是总体色彩的倾向，它是作者审美意识，情感，态度和价值观体现在画面上的形式代表。

它是与观者相互交流的载体，它不像故事情节把人带到具体的事件中；不像具体事物满足人的需求；也不像技巧和细节的情趣，让人反复玩味。

它像是一种无形的气氛和意境，从观者的眼里流入心里，直接诉诸人们的感情。

“落霞与孤骛齐飞，秋水共长天一色”体现的就是这种意境和气氛。

光源是霞光，环境有远水与天际，孤骛与彩霞的比照，所有山林，云，水，飞鸟无不统一在暖灰（橙红）色调之中，把所有物象都统一罩上一层橙色，是否就是统一了色调呢？

当然不是。

暗处氤氲的水气，河水中暗涌的夜色，背光的远山，都是具有细微差别的，在暖灰色调下，天空中有冷灰色，水中也有，很多地方都有。

由此可知，“高级灰”的运用要进退有度，关系恰当，变化中的“微妙”二字，最能体现出灰色调含而不露，统一而丰富，和而不同的雅色之美。

五、“高级灰”在高考中的运用

许多初学者经常问我，这种颜色怎样调？

那个调子怎么画？

有没有一个调色的公式？

我一般情况下会画上几笔，告诉他可以这样画，还可那样画，办法有很多种最重要的是要靠自己动手去试验，揣摩，总结。

曾经有学生拿到一张调色表，如获至宝，我没阻拦他，等他照着这个“宝典”画了一段时间以后，我问他有何感受？

他说开始觉得好有效，可后来发现停滞不前了，只会调表里所列的颜色，甚至有时觉得不是自己在画画了。

所以说，“高级灰”有很多种，不要固执地认为灰色调全部是用“高级灰”画出来的。

有的人不去纠结如何调出“高级灰”的问题转而迷信“高级灰”颜料越多越好，准备了两个大颜料盒把所有能买到的“高级灰”颜色都装了进去，可以不用调和颜色就能画出物象来。

等到能辩证颜料“丰富”与色彩“丰富”的问题以后，发现原来自己做了颜料的奴隶。

学习重方法，考试讲技巧。

我认为，“高级灰”在高考中的运用的关键在于深刻认识它的基本特征：

动态中的对比；你中有我，我中有你的相互作用；微妙的色调变化。

考试就当做一次写生训练，以平和的心态对待它更有利于绘画水平的发挥，考出优异的成绩来也是自然而然的事。

所以我们需要注意以下几点：

1、不做“高级灰”（国美灰）颜料的奴隶，不盲从不跟风，有自己的见解，做绘画的主体，颜料的主人。

2、如果独特变成了流行，将会趋于平常。

当众人认为“高级灰”特别之时，于是一哄而上，都想吸引评卷者的目光，其结果是谁的画都“跳”不出来。

就考试而言，时间是宝贵的。

不因噎废食，要合理使用“高级灰”颜料。

3、考试卷的画面色调统一，“高级灰”的运用和平时写生训练相同，根据评卷的特点，为加强画面效果，可在大关系上把对比加强一点，在整体上进行经营和控制。

比如台面的衬布色彩变化较小，比较灰一点，手法松动；而其上的静物色彩对比大一点，手法明确些，形体严谨些。

4、不要刻意去迎合评卷老师的喜好，要知道，哪几个老师会评到哪些考生的试卷还是未知，所以不要做这种不靠谱的事。

5、因为培养方向，教学体系，地域文化等的不同，有些学校在招考时录取标准也会有所不同。

我们可以关注高校的选拔要求，重视考试大纲，但不要刻意模仿某所大学的“画风”。

比如近年来“国美灰”已基本形成一种训练和考试的套路，像是创造了一种新的绘画样式，搞得很多人在跟风，它充其量算是一种应付考试的模式，和许多流行的事物一样，过不了多久就会被新的套路所取代。

比如构图大多采用高俯视，衬布的穿插，面积甚至颜色都一定的样式，使得空间深远易拉，颜色简单易调，加上配套的“国美灰”颜料，很快就能画出漂亮的灰色调来。

可是，千画一面，统一到快成标准化考试了。

又比如物象的外轮廓，有一种叫做“破边”的画法，外形毛毛的很不明确，如果处理恰当效果不错。

也有不少人一味的毛下去，没有区别的平均对待，认为是色彩突破外形的束缚，是一种高层次的表现技法，殊不知那是囫囵吞枣不求甚解的结果。

不错，色彩表现手段有一种叫做以色破形，它靠的是色彩的张力，可以突破边线轮廓，而用色彩直接塑造形体，轮廓有实有虚，甚至消失，但不是所有物象都如此简单处理。

也有以形为主以色为辅的表现手段，如古典油画静物和中国工笔画，有着严格界线约束。

还有一种常用的形色结合的表现手段，形体结构严谨，色彩作为主要绘画语言，充分体现出以色传神的重要作用。

不要去猜测考试的题目，至于四处打听更是枉费心机。

想走捷径的本质是投机和懒惰。

经过刻苦的学习，基础夯实了，水平提高了，根本无须操心考试的问题。

分清考试和学习的关系，树立正确的绘画目的，向老师学习，向生活学习，向前辈大师学习。

在色彩写生发展历程中有这些色彩大师为我们积累了丰富的学习资源。

比如：

文艺复兴时期的达·芬奇已经发现了条件色现象，虽然《蒙娜丽莎》声名远扬，但她在色彩运用上还是固有色观念下的明暗画法。

后有威尼斯画派的提香已开始懂得以色塑形。

17世纪荷兰画家伦勃朗，将形与色的发展推向又一个高峰。

夏尔丹是18世纪法国孕育出的最伟大的画家之一，同时，他也是西文美术史上的静物画巨匠之一，他的画能赋予静物以生命，给人以动感。

19世纪初法国浪漫主义大师德拉克洛瓦突破了当时流行的古典学院派千篇一律的棕色调画风，对色彩的动态对比关系进行了探索，就色彩表现力而言比当时著名的安格尔更胜一筹。

安格尔是法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡，浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，色彩处于次要地位。

同时期俄罗斯画家列维坦在风景画中用色彩谱写心灵之歌，成为一代“抒情大师”。

法国印象派画家莫奈将“高级灰”的动态对比，和而不同的色彩关系发挥得淋漓尽致。

还有塞尚、修拉将以色破形又向前推进了一步。

意大利画家乔治·莫兰迪是20世纪的灰调大师，以微妙的“冥想”式静物画著称。

6、要有独立的治学精神，不因流行时尚而迷失方向和自我。

夏尔丹当年没有去画世人认为高级画种的肖像画和历史画，而是选择了在学院体系中被认为低级的静物画，不事张扬，质朴而写实，终于成为一代色彩大师。

色彩的运用能做到和而不同，作品定能脱颖而出，大学离我们还会远吗？

做人，能做到和而不同，离成功还会远吗？

[参考文献]

《色彩美》李天祥赵友萍著黑龙江美术出版社1996

《透视色彩构图解剖》魏永利贺建国郑录高殷金山著高等教育出版社1990