中国水墨画背景.docx

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中国水墨画背景

中国水墨画背景

篇一：

中国国画的由来

中国国画的由来

中国画有悠久的历史和丰富的遗产，从已知独幅的战国帛画算起，至今已有2000余年的历史。

如果从内蒙古、甘肃、山东、新疆以及东北各地的原始岩画和1986年发现于甘肃秦安大地湾原始地画来看，它的历史已不下5000年。

中国画简称“国画”，原来是泛指中国绘画，是为了区别于明末传入中国的西画而出现的概念。

解放前称中国画为“国画”、称中医为“国医”、称中国武术为“国术”、：

称京剧为“国剧”、称广东音乐为“国乐”，这些冠以“国”字的名称1解放之后都已改掉，唯有中国画仍保留“国画”的名称（50年代曾一度改称“彩墨画”）。

中国人物画

中国人物画自魏晋南北朝开始分为工笔和写意两大体系，以顾偿之、陆探微为代表的“细密精致而续丽”的画风。

造型准确精细，色彩鲜艳富丽，称之为“密体”；以张僧跷为代表的简练概括的画风，人物造型简练，赋彩单纯“迹简意淡而雅正”称之为“疏体”。

唐代吴道子突破了当时工细密描、重彩积染的一般画风，创造了水墨淡彩及白描的新形式，吴道子作画时“落笔生风”，在用线上，追求遒劲雄壮，飞扬流动的美感，即所谓“吴带当风”，在用色上，“焦墨痕中略施微染，自然超出绩素”即所谓“吴装”。

两宋人物画相当发达，出现了不少杰出的人物画家，题材范围也比过去更加广泛。

元代以后，由于主流转入山水和花鸟，人物画走向衰微。

明清和近代出现了不少优秀的人物画家，特别是任伯年，继承文人画的笔墨，大胆吸收西洋画的技法，他既有深厚的传统功底，又善于汲取外来艺术的长处，从而创造了雅俗共赏的风格，拓宽了人物画的，创作途径，对现代人物画的发展产生了巨大的影响。

从五四运动前后到新中国成立，李叔同、徐悲鸿、刘海粟等艺术大师，适应新时代的要求，把西洋绘画引入中国，促进了中国传统绘画的改革。

创造出大量无愧于时代的优秀作品，使中国传统人物画，走向新的境界，并冲出国门走向世界。

中国山水画

中国山水画作为一个独立的画种，美术史学者一致认为是：

“始于唐、成于宋、变于元。

”虽然早在东晋顾恺之的《洛神赋图卷》上已出现了山水树木，但它是作为人物的背景，有浓厚的装饰风味，现在所能看到最早的山水画。

是隋代展子虔的《游春图》（可能是唐人摹本，近于原作）。

其基本画法是有勾无鼓，极重视色彩，所描绘的湖光春色艳丽明媚。

唐代以李思训、李昭通父子为代表的一批青绿山水画家，继承并发扬这一传统。

盛唐吴道子进而发展了简练而又写实的山水画法，王维、张澡及中晚唐画家创造了水墨山水，此即山水画“始于唐”。

五代两宋山水画发展很快并达到一个高峰。

这一时期理法大备，名家辈出，如“荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽以及马远、夏圭等、著名山水画家的作品对后世影响深远，即所谓“成于宋”。

元代始于赵孟?

（左?

兆?

右?

页?

），完成于元四家（黄公望、王蒙、倪鲢、吴镇）的又一次重要变革，摆脱了宋人院体画风格，重视主观抒发，追求简淡高逸、苍茫深秀的艺术情趣。

他们用于笔鼓擦代替湿笔晕染，逐渐用纸张代替绢素，此即“变干元”。

明清两代画派纷起，风格多样，技法更加丰富。

但明末清初的山水画创作出现了两种倾向，一种是崇古守旧，以模仿为主，强调笔墨技巧，脱离现实生活，明代董其昌是这倾向的代表人物；另一种倾向是打破前人陈规，勇于革新，创造出富有生活气息的山水画。

清初“四

僧”是这种倾向的代表人物。

清末民初及新中国成立以后，相继涌现出很多优秀山水画家，黄宾虹、傅抱石、李可染、钱松?

（上?

品?

下?

山?

）等都是学博艺高的山水画大师。

近十几年山水画得到空前发展，新秀辈出，他们勤奋好学。

很少保守思想，善于多方面吸收营养，勇于探索和创新，使山水画风貌和技法日趋多样，富有时代精神的山水画新作不断问世。

新内容、新形式，风格各异的新山水画在百花园中，争奇斗艳，为中国画的发展创新作出新的贡献。

中国花鸟画

中国花鸟画的题材内容非常广泛，举凡花卉、翎毛、走兽、草虫、鳞介、蔬果、树石、器物、池沼、溪潭、林莽、草地等等，除人物以外，自然界的一切几乎都属于花鸟画的表现范畴。

生活中的花鸟本身就有着人们共同感受的自然美，它们可以陶冶情操，令人心旷神怡，如牡丹之富丽，水仙之素雅，松竹之刚劲，藤萝之繁茂以及仙鹤之举止不凡，雄鹰之志在千里，孔雀之美丽卓艳……都能给人以美的享受，引起美的共鸣。

中国的花鸟画不仅是表现花鸟之美，而且是以描绘花鸟为媒介，抒发和表达人的观念和情感。

历代中国花鸟画家巧妙地运用喻、比、兴等手法，通过富于情感的花鸟形象，表述画家对当时的社会、人生的体验和认识。

清代郑板桥时常借竹抒发自己的胸襟，如他在一幅墨竹中题诗云：

“咬定青山不放松，立根原在乱岩中，千磨万折还坚劲，任尔颠狂四面风。

”他以竹子坚劲挺拔，不畏“千磨万折”不屈不挠的精神，倾吐他一生坎坷、屡遭打击的不平和他的刚正不阿、孤做倔强的性格。

金农伤时不遇，尝以梅兰自比，表现他对现实的反抗心情，他在一幅墨兰上题：

“若被春风勾引去，和葱和蒜卖街头”。

我们可以从中体昧出他对当时社会的愤恨。

现代的花鸟画作品，在技法上继承传统，大胆革新，在思想内涵上赋予新的时代精神，以新的花鸟画歌颂和赞美社会主义祖国欣欣向荣、繁花似锦的美好生活。

篇二：

浅谈中国画与中国文化

浅谈中国画与中国文化

高三（9）班黄旖韵

摘要：

中国画是我们中华民族灿烂文化的组成部分，在世界美术艺苑中独树一帜。

中国画融诗、书、画、印为一体，代表了一个国家、一个民族的文化修养和内涵，是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。

中国画博大精深，内容多而杂，反映了中国古代的哲学、文化、建筑、雕塑等方方面面，是中国艺术的精髓。

关键字：

国画，本质特性，博大精深

正文：

中国画又名国画，是现代人为区别于西洋画而对中国传统绘画的泛称。

它包括水墨画、墨笔画、彩墨画、工笔重彩画、白描画等。

中国画是我们中华民族灿烂文化的组成部分，在世界美术艺苑中独树一帜。

中国画融诗、书、画、印为一体，代表了一个国家、一个民族的文化修养和内涵，是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。

中国画有着悠久的历史，早已是中国文化的重要组成部分，因此它必然受到中国文化的巨大影响，或者说中国画体现着中国文化的特点。

历朝历代有着众多的著名画家，有着数不尽的作品，可时至今日，画中国画的人，看中国画的人，很多并没有弄清楚中国画的本质特征，这就影响了从文化的高度欣赏中国画，影响了判断中国画与西方画的各自特性，影响了画家坚守中国画独特优势的自信心。

所以弄清这个问题是很重要的。

下面就从几个方面分析中国画的本质特征。

一、注重个体心灵体悟

中国画之所以被称作中国画首先是因为中国文化的宇宙观是它的理论基础。

众所周知，人类的精神文明受不同的宇宙观制约。

依照不同的宇宙观而产生不同的民族精神，产生不同的审美观和不同的艺术观，创造不同的艺术表现方法和产生不同的艺术效果，这是民族艺术发生发展的生命路线。

宇宙观是指人与宇宙万物的关系，也就是人对世界万物的看法，以及人怎样与它们相处。

我们的祖先与西方先人相比有其独特的地方，西方文化比较看重人与神、人与物之间的关系，形成了西方文化中宗教与科学交错而行、并行不悖的特色。

中国的先哲几乎从一开始就着力从人与人之间的关系上探玄求奥，而不看重人与“天”（神）、人与“地”（物）的关系，从而中国文化中宗教文化贫乏，在人与物关系上，强调感情色彩的“役万物为人所用”。

中国文化思考方式是整体性的，所谓“天人合一”就是中国文化信奉人与自然合一的观念。

庄子云：

“天地与我并生而万物与我为

一。

”也就是人与自然始终处于一种和谐的融为一体的关系之中。

由此形成中国文化中的“以和为贵”、“中庸之道”等精神品质，渗透到审美意识中就是“万物静观皆自得”、“无为”、“不着意”、“以人之天而合天之天”，崇尚自然优美。

由这种理论所产生的审美意识一旦用于艺术创造，必然产生独特的观察事物的方法和表现事物的方法，展现出这种艺术区别于其他艺术的本质特征。

这就形成了中国画是最心灵化的艺术。

中国画注重个体心灵的体悟，常常于静寂观照中，求返于自己内心深处的心灵节奏，以结合宇宙内部的生命节奏。

中国画不是纯客观刻板的自然描绘，而是把作画的客体作为传达情感的载体，来抒发画家自己内心的情绪，用笔墨的浓淡、点线的交错，去创作意境深远的胸中画面。

作画首要是观察自然，中国画家是在行动中观察自然、感悟自然，边走边观察景物，逐渐将自己融入景物之中。

此时在画家的心目中“物”即“我”，“我”即“物”，只有这样才最能表达画家感

悟到的情意和物象。

这样画家就不是以一时一地的真景物为表现对象，这种在行动中观察客观事物的角度，衍生出一系列独特的表现手法。

这种表现方法突破了时间和空间的约束，不苛求自然时空的合理性，不以描绘眼前所见景物为满足，而是凭自己的思想、感觉充分发挥想象力，竭力追求对自然的全面感受。

从认识论的发展来看，绘画的发展是一个不断伴随着认识论发展的过程。

从陆机的“存形莫善于画”到南朝宗炳的“应会感应、神超理得”，从谢赫的“气韵生动”，到五代荆浩的“气质俱胜”，都是对绘画是人的自由活动的解释。

从这个角度来看，中国画的创作极为自由，只要感觉到就能画出来，被画家搜入画中的自然景物已不再是客观的物象，而是画家主观意愿的表达。

二、丰富的文化容量

中国画的画面不仅仅呈现人物、山水、花鸟、走兽、虫鱼等形象，它还需要诗句、书法、印章的相互搭配。

这样丰富的文化内涵，在世界绘画史上是独一无二韵。

作为一个中国画家，仅能够绘画是远远不够的，还需要有深厚的写诗作文能力，要有能用笔墨把诗文表现出来的能力，此外还要能刻出印章。

显然一幅中国画上的文化元素是非常丰富的。

我们先来看书法与画。

中国画的造型语言是用笔墨勾勒线条，从中可以看出中国画的发生就与书法不可分离，书与画同根同源。

历来画家以书法入画法，书法的功力决定画法的高低，工画者必工书，因此我们看到的大画家也多为大书法家。

书与画结合是造型语言的同一。

从宋朝开始，题跋与诗文同写在画面上，书与画就缺一不可了。

再来看画与诗。

诗在画面上的作用很重要，画中有诗，画才有生命，正如苏东坡所云，“诗画本一律”。

画与诗同时呈现在画面上，一方面逼迫画要有诗意，另一方面要求诗句气韵生动，画中的艺术形象与诗句的精神气质、风格格调、神情韵律、音节节奏都要协调契合。

画面配有诗文可以辅助画家在单凭画面形象不能尽情尽意时，增加内涵。

最后讨论一下印章的作用。

宋朝时的画家在画面上书名不用印，用印不书名，二者用其一。

到了元朝，画面上既书名又盖印，一直沿用至今。

中国画除了用笔墨、诗文主体语言作画外，还用印章的语言进一步阐发画面意境和画家的思想感情，在典雅素净的画中加盖一方朱印，犹如万绿丛中一点红，起到了画龙点睛的作用，使平静安详的画面顿显生机，增色添彩。

诗书画印完美的结合，形成了中国画独特的艺术风格，使中国画具有了丰富的文化容量。

三、客体的科学性服从于主体的艺术性

中国画的思维是独特的，是不能完全用科学的标准衡量的，中国画无论在构思、造型透视、线条、时空等方面都反映出客体的科学性服从于主体的艺术性的特征。

中国画的造型，不像其他画种那样特别强调形似，进入画面的客体已经被画家主观改造，看上去“形”并不准确，但艺术张力却是浑厚的。

“似与不似”是中国画千百年发展中总结的一条艺术规律，它明确地、简练地概括了中国画的造型原则。

中国画的线条内涵极其丰富。

康定斯基对“线”的认识和解释的理论，可以用在西方的抽象画中，用于中国画线的阐述，是远远不够的。

中国画的工具材料是世界上独一无二的。

宣纸奇妙的渗透性、毛笔软硬相间的刚柔性、墨色层次变化的丰富性，三者融会产生中国画的效果。

石涛曾言：

“一画之法立而万物著矣。

”“一画”最普遍的理解就是线条。

可见，它是中国画区别于其他画的基本特征。

中国画中线条的阴阳顿挫、枯湿浓淡、轻重快慢的节奏变化秩序，都能清晰地表达作者的思想、感情、学识、修养等。

这是因为中国画的线是高于生活的，

它是主观强加给客观的，是综合了“意”的东西。

中国画追求的目标是写画家主观之情感或意趣，或写客观对象的精神气质。

通过追求意象，达到追求意境。

意象也好，意境也好，都是