艺术流派及作品鉴赏考研知识点必备Word格式文档下载.docx
《艺术流派及作品鉴赏考研知识点必备Word格式文档下载.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《艺术流派及作品鉴赏考研知识点必备Word格式文档下载.docx（10页珍藏版）》请在冰豆网上搜索。
达维特（Jacques-LouisDavid,1748-1825）的油画《马拉之死》即表现的是马拉刚刚被刺的惨状：
被刺的伤口清晰可见，鲜血已染红了浴巾和浴缸里的药液，握着鹅毛笔的手垂落在浴缸之外，另一只手紧紧地握着凶手递给他的字条，女刺客夏绿蒂·
科尔代是利用马拉对她的同情趁其不备下的毒手，我们还可以看到丢在地上的带血的凶器。
在浴缸的旁边立有一个木台，看来，这就是马拉办公用的案台，“案台”之上有墨水、羽毛笔、纸币和马拉刚刚写完的一张便条：
“请把这5法郎的纸币交给一个5个孩子的母亲，他的丈夫为祖国献出了生命。
”画家有意将画面的上半部处理的单纯、深暗以突出下半部的客观写实表现，同时，加强死者身体的下垂感和这一令人震惊愤慨的事件给人们带来的压抑、憋闷即莫大的悲痛之感。
马拉工作的木台有如纪念碑一般，使画面产生了一种凝重、庄严的气氛；
尤其是木台的立面画家精心安排的法文：
“献给马拉·
达维特。
”有如石碑上的铭文。
这简洁、严谨、明晰、理智的表现手法以及这深入、具体、真实再现细节的刻画，反映了达维特对马拉的无比敬重之情。
同时，也反映了法国大革命期间，古典主义的盛行以及人们渴望寻求一种时代所需要的理想的英雄主义精神。
加莱义民
《加莱义民》，青铜，208.5×
239×
190.5厘米，法国雕塑家罗丹创作于1884－1886年，现存法国加莱市。
这件作品是大型纪念碑雕塑，这组雕塑以恢弘而真实的历史情境
表现了一种及为悲壮而崇高的精神气节与牺牲行为，以精致而深刻的心理表现，形象地刻画了在死亡面前，不同人物的情感与个性。
同时，还以独特的群像形式，突破了传统纪念碑雕塑的程式。
加莱义民是罗丹的代表性群雕之一，它取材于历史上的一个真实故事。
十四世纪中叶英军入侵法国，加莱城无法抵抗，只好忍辱接受了投降条件：
让六个有威望的城民拿着加莱城的钥匙去英军处受降并被处死，这些人必须光着头，穿囚犯的衣服，脖子上套着绳子。
为了保全加莱城人民的生命财产，这六个义民光荣地献出了生命。
十九世纪后叶，为了纪念这六位壮烈牺牲的市民，加莱城政府决定在市中心建立这一纪念群雕。
罗丹以真实手法创作了这一组历史人物，赋予了每个人独特的个性和精神状态，有坚定者、有绝望者、有听其自然者。
巴尔扎克像由雕塑家奥古斯特·
罗丹1897创作。
雕塑家罗丹并不把精神集中在人的形体上，而更关心人的心灵、人的感情、人的命运和人的力量。
这种态度贯穿在他富于创造性的一生中。
在表现伟大的法国作家巴尔扎克时，他不斤斤计较于细节的精雕细琢，反复探索的目的只有一个，即展示这位天才的精神气质。
他为此选择了极其简单而又极富特色的构图，披裹着睡袍的巴尔扎克昂首凝思的瞬间，生动有力地体现了他在夜晚沉迷于创作的情景。
这一雕像传达出巴尔扎克创作时感到的“骄傲、自大、狂喜和陶醉”。
罗丹创作时，力求捕捉住最关键的东西，而不追求面面俱到，他这种写意性的处理方式，从他在雕像上删除巴尔扎克手的传说中可以感觉得到。
罗丹从个人的认识出发，赋予雕塑作品以强烈的情感和深刻的哲理，他的雕塑以真实的情感感染我们，以深刻的人生哲理引导我们，他把人的情感与理性都熔铸于他的雕塑中，留给我们的是永恒的思索，他的创作对欧洲近代雕塑的发展有较大影响。
《向日葵》
梵·
高在自己绘画的成熟期创作了《向日葵》这幅作品，画面上朵朵葵花夸张的形体和激情四射的色彩，使人头晕目眩。
他内心充满激情地去画那些面朝太阳而生的花朵．花蕊画得火红火红,就像一团炽热的火球；
黄色的花瓣就像太阳放射出耀眼的光芒一般．画家用奔放不羁、大胆泼辣的笔触，仿佛使其中的每一朵向日葵都获得了强烈的生命力，在这里你用“栩栩如生”来描绘这些向日葵，已经显得软弱和浅薄，因为那火焰般的向日葵仿佛是一朵朵燃烧的生命，画家赋予它们一种生命蓬勃燃烧的冲动和张力。
有人说这是“梵·
高的向日葵”，因为那是他内心火热感情的写照，是他精神力量的外露，
这些简单地插在花瓶里的向日葵，呈现出令人心弦震荡的灿烂辉煌。
高以重涂的笔触施色，好似雕塑般在浮雕上拍上一块黏土。
黄色和棕色调的色彩以及技法都表现出充满希望和阳光的美丽世界。
然而在画此作的同时，画家死命想抓住的这个世界还是缓慢却无情地溜走了。
后印象派严格说来并不是一个真正的派别，也说不上是一个艺术团体。
它主要指印象派之后的一些艺术家，他们不满印象派过分客观的描绘世界，停留于对物体表面光色的兴趣上。
他们主张表现艺术家的主观世界，认为艺术应忠实于个人的感受和体验，无需与客观真实完全一致，应当以艺术家的主观情感去改造客观形象，表现主观化了的客观。
采用点彩画法。
画面色彩强烈，色调明亮。
后来受到革新文艺思潮的推动和日本版画的启发，大胆的探索、自由地反悔内心感情的风格，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。
梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。
超现实主义
超现实主义（surrealism）是在法国开始的文学艺术流派，源于达达主义，并且对于视觉艺术的影响力深远。
于1920年至1930年间盛行于欧洲文学及艺术界中。
探究此派别的理论根据是受到佛洛依德的精神分析影响，致力于发现人类的潜意识心理。
因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。
超现实主义给传统对艺术的看法有了巨大的影响。
也常被称为超现实主义运动。
或简称为超现实。
达达派虽成为超现实派诞生的温床，但超现实派多少还是承受了19世纪的浪漫主义及象征主义的遗产，另外还吸收了新的要素。
超现实主义艺术家主要有卢梭（H.T.Rousseau）、米罗（joanmiro）、达利（salvadordali）、恩斯特（m.ernst）、马格利特（r.magritte）等人。
•萨尔瓦多·
达利（1904－1989）
•20世纪超现实主义画派的巨擘，西班牙人。
1929年参加超现实主义运动，创作出《永恒的记忆》、《欲望的幽灵》、《纳希瑟斯的蜕变》、《原子丽达》、《带抽屉的米罗维纳斯》等等惊人视听的作品。
记忆的永恒
油画“记忆的永恒”创作于1931年，非常典型地体现了达利早期的超现实主义画风。
画面展现的是一片空旷的海滩，海滩上躺着一只似马非马的怪物，它的前部又像是一个只有眼睫毛、鼻子和舌头荒诞地组合在一起的人头残部；
怪物的一旁有一个平台，平台上长着一棵枯死的树；
而最令人惊奇的是出现在这幅画中的好几只钟表都变成了柔软的有延展性的东西，它们显得软塌塌的，或挂在树枝上，或搭在平台上，或披在怪物的背上，好像这些用金属、玻璃等坚硬物质制成的钟表在太久的时间中已经疲惫不堪了，于是都松垮下来。
达利承认自己在“记忆的永恒”这幅画中表现了一种“由弗洛伊德所揭示的个人梦境与幻觉”，是自己不加选择的，并且尽可能精密地记下自己的潜意识，自己的梦中每一个意念的结果。
而且达利为了寻找这种超现实的幻觉，他曾去精神病院了解患病人的意识，认为他们的言论和行动往往是一种潜意识世界的最真诚的反映。
达利运用他那熟练的技巧精心刻画那些离奇的形象和细节，创造了一种引起幻觉的真实感，令观众看到一个在现实生活中根本看不到的离奇而有趣的景象，体验一下精神病人式的对现实世界秩序的解脱。
立体主义
西方现代艺术史上的一个运动和流派。
又译为立方主义,1908年始于法国。
这个名称的出现含有偶然性。
1908年,G.布拉克在卡恩韦勒画廊展出作品,评论家L.活塞列斯在《吉尔.布拉斯》杂志上评论说:
”布拉克先生将每件事物都还原了……成为立方体”,这种画风因此得名。
立体主义是富有理念的艺术流派。
它主要追求一种几何形体的美,追求形式的排列组合所产生的美感。
它否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法,把三度空间的画面归结成平面的﹑两度空间的画面。
明暗﹑光线﹑空气﹑氛围表现的趣味让位于由直线﹑曲线所构成的轮廓﹑块面堆积与交错的趣味和情调。
不从一个视点看事物,把从不同的视点所观察和理解的,形诸于画面,从而表现出时间的持续性。
这样做,显然不主要依靠视觉经验和感性认识,而主要依靠理性﹑观念和思维。
立体主义在反传统的口号下有浓厚的形式主义倾向。
但它在艺术形式上的探索,又给现代工艺美术﹑装饰美术﹑建筑美术等注重形式美的实用艺术领域以不小的推动作用。
代表画家有毕加索（PabloPicasso,1881-1973）、勒泽（F.Leger,1881-19?
?
）、布拉克（GeorgesBraqne，1882-1967）、格莱士JuanGris,1887-1927）等。
立体派，分成以下几个阶段:
1初期的立体派（1907-1910）黑人雕刻及塞尚之影响;
呈现多视点表现法。
2分析的立体派（1910-1911）彻底解体,画面的空间平面化。
3综合的立体派（1912-1915）画面出现其它素材、文字。
•世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力，他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造，他在艺术历程上没有规律可循，他从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。
从具象到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法，只有绝对自由才适合他。
油画《格尔尼卡》，是立体主义的领导人毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。
全画从左至右可分为四段：
第一段突出显示了公牛的形象；
第二段强调受伤挣扎的马，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似一只惊恐、孤独的眼睛；
第三段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”；
而在第四段，那个双臂伸向天空的惊恐的男子形象，一下于就把我们的视线吸引，其绝望的姿态使人过目难忘。
将一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统一有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。
仅限于黑、白、灰三色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。
奥古斯特·
罗丹（AugusteRodin，1840—1917）法国雕塑艺术家，他在很大程度上以纹理和造型表现他的，倾注以巨大的心理影响力，被认为是19世纪和20世纪初最伟大的现实主义雕塑艺术家，
德拉克洛瓦
•以动态对抗静止、以粗犷对抗极端工整、以强烈的主观性对抗过分的客观性、以光和色对抗素描。
•色彩成为绘画的主要问题：
以无穷变化对抗僵化完美、以人物的个性化对抗严整的类型化。
德拉克洛瓦用色彩笔触淹没了造型的轮廓，摒弃了对象的雕塑感，现实的美丑皆可入画，以此对抗高贵雅致。
《自由引导人民》画面采取了顶天立地的构图形式。
倒在地上的尸体、战斗的勇士以及高举法国三色国旗的女子，构成一个稳定又蕴藏动势的三角形。
他们身后都是一往无前的战士。
周围硝烟弥漫，远处的建筑是巴黎市中心的标志——巴黎圣母院。
谁都可以看出，这是一个热火朝天的战斗场面，战死的人、受伤的人、冲锋的人，全都表现得精确逼真，令人如同身临其境看到现场一样。
高举三色旗的象征自由神的妇女形象在这里突出地体现了浪漫主义特征。
她健康、有力、坚决、美丽而朴素，正领导着工人、知识分子的革命队伍奋勇前进。
强烈的光影所形成的戏剧性效果，与丰富而炽烈的色彩和充满着动力的构图形成了一种强烈、紧张、激昂的气氛，使得这幅画具有生动活跃的激动人心的力量。
《拾穗者》米勒1857
便是最能够代表米勒风格的一件作品，它没有表现任何戏剧性的场面，只是秋季收获后，人们从地里拣拾剩余麦穗的情景。
画面的主体不过是三个弯腰拾麦穗的农妇而已，背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。
这三人与远处的人群形成对比，她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，体态健硕，谈不上美丽，更不好说优雅，只是谦卑地躬下身子，在大地里寻找零散、剩余的粮食。
然而，这幅内容朴实的画作却给观众带来一种不同寻常的庄严感。
米勒一般采用横的构图，让纪念碑一般的人物出现在前景的原野上。
三个主体人物分别戴着红、蓝、黄色的帽子，衣服也以此为主色调，牢牢吸引住观众的视线。
她们的动作富于连贯性，沉着有序，布置在画面左侧的光源照射在人物身上，使她们显得愈发结实而有忍耐力。
或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了，可她们仍在坚持。
尽管脸部被隐去了，而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚。
古希腊艺术
古希腊艺术的形成、发展与其社会历史、民族特点、自然条件有着密切的关系。
第一、希腊的地理位置十分优越。
自然风光美丽，气候宜人，交通方便，能从海陆域各国顺利地交流各种物质和精神产品。
这种交流会给一个民族带来许多新的东西。
另外，距离文明古国埃及和两河流域近。
第二、希腊是城邦制的国家。
城邦国家的奴隶主民主政体为文化的发展提供了有利的条件。
城邦国家要求公民具有强健的体格和完美的心灵，这也成为艺术创造的理想形象。
在这种民族政体中，虽然奴隶被排除在政治之外，但自由民占很大比重，有一定的地位，有着较充分的自由。
古希腊美术实质上是奴隶主与自由民共同创造的美术。
第三、希腊的民族。
希腊城邦的公民很少自己劳动，他们有下人和被征服的人供养，而且总有奴隶侍候，又不像埃及人那样信奉宗教，他们没有国王或祭司需要侍奉，他们在城邦中完全是自由的人，他们认为一个自由人应当把全部心思放在公共事务与战争上，。
希腊人是生活在海边的“大海之子”，具有大海的性格：
机智、聪明、勇敢、富于想象。
第四、希腊神话。
希腊神话是希腊艺术的土壤，希腊神话包含着人们对自然奥秘的理性思索，它孕育着历史和哲学观念的萌芽。
希腊美术的最早兴起与神话有很大关系。
巴特农神庙
掷铁饼者约公元前450米隆
这尊被誉为“体育运动之神”的雕像，一望而知是表现投掷铁饼的一个典型瞬间动作：
人体动势弯腰屈臂成S型。
这使单个的人体富于运动变化，但这种变化常常造成不稳定感，所以作者将人物的重心移至右足，让左足尖点地以支撑辅助，以头为中心两臂伸展成上下对称，从而使不稳定的躯体获得稳定感。
身体的正侧转动，下肢的前后分列，既符合掷铁饼的运动规律，又造成单纯中见多样变化的形式美感。
这座雕像的构图，把复杂矛盾的动作归结成为数不多的鲜明生动的富有说服力的姿态，这些姿态给予人以一种集中、全神贯注的感觉，尤见作者匠心的是，他出色地概括了掷铁饼这一运动的整个连续过程，表现了一种和谐理想的动态美。
《命运三女神》菲狄亚斯（Phidias或Pheidias）主持制作，时间在公元前447~公元前438年，
是描写希腊神话中阿特洛波斯、克罗托和拉刻西斯的雕塑，原来位于帕提农神庙的东山墙，虽然头部都已受到了损坏，但仍然生动地展示了希腊古典时期雕刻艺术所达到的高超的艺术水准，令人叹为观止。
三位女神坐着的姿势，是随着墙的三角形趋势而变化的，她们都穿着质地很薄的希腊式宽大长袍，衣褶纤细而又繁复，随着人体的结构起伏，极其生动地体现了鲜明的女性人体曲线，女神们身形优美、饱满而丰腴，使人切实地感受到孕育在她们体内的无限生机和活力。
那似乎正在随着呼吸而微微起伏的、富有弹性的身体，让每一个看到这一组雕塑的人都几乎忘记了她们是冷冰冰的大理石，她们是那样的真实、那样的亲切、那样的令人崇敬。
古希腊雕刻十分重视形象的整体不可分割性，人体各部分都充分发挥出造型特性，力求表现形象的内在生命。
所以尽管形体残缺，但每一个部分都蕴含着生命不息的精神，就是说，雕像的残片也是有生命的活物，观赏者可以通过可视部分的动作姿态联想残缺的部分，从而获得完美的审美感受。
维纳斯公元前1世纪古希腊时期
女神的面部具有希腊妇女的典型特征；
直鼻、椭圆脸、窄额和丰满的下巴，这正说明希腊的神，是希腊人按照自己的形体来塑造的。
因此创造完美典型的神像，实际上就是古代人对人的力量和美的肯定和歌颂。
这座女神像就鲜明地表现了二千多年前希腊人的审美观：
；
力求外在美和精神美的统一。
动人的躯体，端庄的容貌，体现着青春、健美和充沛的生命力，体现着内在的教养和美德。
•《米洛岛维纳斯》融合了希腊古典雕刻中的优美与崇高两种风格。
它那阔大而简洁的手法，使人想起菲狄亚斯在巴特农神庙所创造的庄严、崇高的雕刻；
它那端庄优美的身姿和容貌，又使人联想到普拉克西特列斯所创造的优美而抒情的人体美。
她的体形符合希腊人关于美的理想与规范，身长比例接近利西普斯所追求的人体美标准，即头与身之比为8∶1。
由于8为3加5之和，这就可以分割成1∶3∶5，这就是“黄金分割律”，这个比数成为后代艺术家创造人体美的准则。
拉奥孔
这组群雕被发现的时候，拉奥孔的右臂已经遗失，并且两个孩子当中一个遗失了手掌，另一个遗失了右臂。
但如今都被补全。
雕像中，拉奥孔位于中间，神情处于极度的恐怖和痛苦之中，正在极力想使自己和他的孩子从两条蛇的缠绕中挣脱出来。
他抓住了一条蛇，但同时臀部被咬住了；
他左侧的长子似乎还没有受伤，但被惊呆了，正在奋力想把腿从蛇的缠绕中挣脱出来；
父亲右侧的次子已被蛇紧紧缠住，绝望地高高举起他的右臂。
那是三个由于苦痛而扭曲的身体，所有的肌肉运动都已达到了极限，甚至到了痉挛的地步，表达出在痛苦和反抗状态下的力量和极度的紧张，让人感觉到似乎痛苦流经了所有的肌肉、神经和血管，紧张而惨烈的气氛弥漫着整个作品。
雕刻家在作品的构图上有着精心的安排，作品呈金字塔型，稳定而富于变化，三个人物的动作、姿态和表情相互呼应，层次分明，充分体现了扭曲和美的协调，显示了当时的艺术家们非凡的构图想象力。
作品中人物刻划非常逼真，表现了雕塑家对人体解剖学的精通和对自然的精确观察，以及纯熟的艺术表现力和雕塑技巧。
这是一组忠实地再现自然并善于进行美的加工的典范之作，被誉为是古希腊最著名、最经典的雕塑杰作之一。
文艺复兴艺术
文艺复兴是指十四世纪到十六世纪中西欧文化思想发展中的一个时期。
“文艺复兴”的原意就是指“在古典规范下，文学和艺术的复兴。
实际上文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其涵义还要宽泛得多。
人文主义、个性自由、提倡理性、探索自然，追求科学知识等，是其基本主张。
在人文主义思潮的影响下美术创作发生了相应的变革：
1、美术已不再是宗教神学的奴仆，在题材上开始描绘世俗的人和人的现实生活，即使是宗教神话题材，也注入了人性和人的思想感情，把神变成世俗的人；
2、在表现手法上提倡面向自然，以造化为师，对自然以理性的解释，引进科学的成就塑造艺术形象，透视学和解剖学成了文艺复兴美术造型的两大支柱；
3、这是一个产生巨人的时代。
文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家，在不同地区、不同国家表现的形式也不尽相同，在意大利表现为绘画和雕刻、建筑的成就，而在德国则表现为农民战争和宗教改革运动。
（一）达·
芬奇
（LeonardoDaVinci1452-1519）
达·
芬奇是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，他的天才不限于艺术，在数学、机械工程、医学、地质学等方面都有所反映。
美术方面，达·
芬奇总结了15世纪艺术家的研究成果，在绘画构图、明暗、透视、色彩等方面都有所建树。
尤其是他创立的明暗法，宪全抛弃了15世纪用呆板的轮廓线勾画形象的方法，而是用明暗烘托，让形象从明暗的背景中浮现出来，增加了画面的生动感和空间感。
他研究大气与色彩的关系，发明了“薄雾法”（即空气透视法），让远景沐浴在淡蓝的空气中，绘画的透视关系变得更正确更完善。
达·
芬奇在美术理论方面也有许多卓越的见解。
人们从他遗留的大量手稿笔记中整理《绘画论》，这本书集中体现了他的美学思想。
书中提出著名的“镜子说”，认为绘画优于其他任何艺术，因为它包容了世间的一切，画家的心就象镜子一样能真实地反映这个世界，把普遍的自然变为第二自然。
芬苛还是一位崇尚古典艺术的人文主义者，在观察自然的前提下努力塑造理想化的人物形象，准确地再现自然。
科学性和理想化是他创作的最高宗旨。
以上所有一切构成了他的艺术基础，因此，在他的画笔下产行了代表盛期文艺复兴时代精神和审美理想的名作《蒙娜·
丽萨》和《最后的晚餐》。
（二）米开朗基罗
米开朗基罗·
博纳罗蒂是意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。
米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。
他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。
他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。
米开朗基罗的艺术不同于达·
芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。
这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。
这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。
（三）拉斐尔
•拉斐尔的艺术则以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志。
对生活、对人、尤其对女性和母亲更加充满感情和爱。
《维纳斯诞生》1487波提切利
构图比较单纯，全画以裸体的维纳斯女神为中心。
画面上人物的体态和衣纹表现十分出色，人物与自然背景也达到巧妙的统一和谐，维纳斯是那样无动于衷地以羞怯和幽怨的感情在对待一切，她对于生活的未来不是充满乐观的信心，而是感到惆怅和迷惑，这也是波提切利矛盾的世界观的反应。
此画中的维纳斯形象，虽然仿效希腊古典雕像，但风格全属创新，强调了秀美与清纯，同时也具有含蓄之美。
最后的晚餐
沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。
他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。
该画421X903厘米，画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。
为了构图使图做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。
越靠近耶稣的门徒越显得激动。
耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。
耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。
他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。
在空间与背景的处理上，达·
芬奇利用食堂壁面的有限空间，用透视法画出画面的深远感，好象晚餐的场面就发
升级会员 