毕加索的画的特点有哪些特征Word文档格式.docx
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毕加索的作品风格
毕加索是一位真正的天才。
20世纪正是属于毕加索的世纪。
他在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎,开始他一生辉煌艺术的发现之旅。
在20世纪,没有一位艺术家能像毕加索一样,画风多变而人尽皆知。
毕加索的盛名,不仅因他成名甚早和《亚威农的少女》、《格尔尼卡》等传世杰作,更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活,他留下了大量多层面的艺术作品。
毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件,在绘画、素描之外,也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。
在毕加索1973年过世之后,世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展,有关毕加索的话题不断,而且常常带有新的论点,仿佛他还活在人间。
毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段,即空间、色彩与线的运用。
30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期,他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一,连续和稳定。
他没有固定的主意,而且花样繁多,或激昂或狂躁,或可亲或可憎,或诚挚或装假,变化无常不可捉摸,但他永远忠于的是——自由。
世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力,以完全彻底的自由任意重造世界,随心所欲地行使他的威力。
他不要规定,不要偏见,什么都不要,又什么都想要去创造。
他在艺术历程上没有规律可循,从自然主义到表现主义,从古典主义到浪漫主义,然后又回到现实主义。
从具象到抽象,来来去去,他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法,只有绝对自由才适合他。
艺术作品是伟大的人物创造的。
立体主义
1908年,在巴黎秋季沙龙的展览上,当野兽派画家马蒂斯看到毕加索和布拉克的那些风格新奇独特的作品时,不由得惊叹道:
“这不过是一些立方体呀!
”同年,评论家沃塞尔在《吉尔·
布拉斯》杂志上,借马蒂斯的这一说法,对布拉克展于卡思维勒画廊的作品评论说:
“布拉克将一切都缩减在立方体之中”。
他首先采用了“立体主义”这个字眼。
后来,作为对毕加索和布拉克所创的画风及画派的指称,“立体主义”(Cubism)的名字便约定俗成了。
在西方现代艺术中外,立体主义是一个具有重大影响的运动和画派。
其艺术追求与塞尚的艺术观有着直接的关联。
立体派画家自己便曾声称:
“谁理解塞尚谁就理解立体主义”(哈德史·
奥斯本《20世纪艺术中的抽象和技巧》,四川美术出版社,1978年,第87页)。
立体派画家受到塞尚“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”的思想启示,试图在画中创造结构美。
他们努力地消减其作品的描述性和表现性的成分,力求组织起一种几何化倾向的画面结构。
虽然其作品仍然保持着一定的具象性,但是从根本上看,他们的目标却与客观再现大相径庭。
他们从塞尚那里发展出一种所谓“同时性视象”的绘画语言,将物体多个角度的不同视象,结合在画中同一形象之上。
例如在毕加索的《亚维农的少女》一画上,正面的脸上却画着侧面的鼻子,而侧面的脸上倒画着正面的眼睛。
一般说来,《亚维农的少女》是第一件立体主义的作品,而立体主义运动则通常可分为两个阶段。
一个阶段是1912年之前的所谓分析立体主义。
画家们继承塞尚对绘画结构进行理性分析的传统,试图通过对空间与物象的分解与重构,组建一种绘画性的空间及形体结构。
1912年以后,立体主义运动进入第二阶段,通常称为综合立体主义。
此时在画中色彩起了有力的作用,但形体仍然支离破碎,只是更大和更富于装饰性。
画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言,进一步加强了画面的肌理变化,并向人们提出了自然与绘画何者是现实,何者是幻觉的问题。
立体主义虽然是绘画上的风格,但对20世纪的雕塑和建筑也产生了深远的影响。
毕加索的主要作品
《瓶子、玻璃杯和小提琴》
《瓶子、玻璃杯和小提琴》进一步显示了对于客观再现的忽视。
这一时期他笔下的物象,无论是静物、风景还是人物,都被彻底分解了,使观者对其不甚了了。
虽然每幅画都有标题,但人们很难从中找到与标题有关的物象。
那些被分解了的形体与背景相互交融,使整个画面布满以各种垂直、倾斜及水平的线所交织而成的形态各异的块面。
在这种复杂的网络结构中,形象只是慢慢地浮现,可即刻间便又消解在纷繁的块面中。
色彩的作用在这里已被降到最低程度。
画上似乎仅有一些单调的黑、白、灰及棕色。
实际上,画家所要表现的只是线与线、形与形所组成的结构,以及由这种结构所发射出的张力。
1912年起,毕加索转向其“综合立体主义”风格的绘画实验。
他开始以拼贴的手法进行创作。
这幅题为《瓶子、玻璃杯和小提琴》的作品,清楚地显示了这种新风格。
在这幅画上,我们可分辨出几个基于普通现实物象的图形:
一个瓶子、一只玻璃杯和一把小提琴。
它们都是以剪贴的报纸来表现的。
在这里,画家所关注的焦点,其实仍然是基本形式的问题。
但是,这个问题此时却是以一种全新的态度来对待。
在分析立体主义的作品中,物象被缩减到其基本原素,即被分解为许多的小块面。
毕加索以这些块面为构成要素,在画中组建了物象与空间的新秩序。
他通过并置和连接那些笔触短促而奔放的块面,获得一种明晰剔透的画面结构,反映了某种严格而理性的作画程序。
而如今,在综合立体主义的作品上,他所采取的恰是正好相反的程序。
他不再以现实物象为起点,将物象朝着基本原素去分解,而是以基本原素为起点,将基本的形状及块面转化为客观物象的图形。
这就是说,他在表现出瓶子、杯子及提琴之前,就已经把一个抽象的画面结构,组织和安排妥当了。
通过对涂绘及笔触的舍弃,他甚至获得一种更为客观的真实。
他采用报纸、墙纸、木纹纸,以及其他类似的材料,拼贴出不同形状的块面。
这些块面,一方面显示着画以外的那个世界,另一方面则以其有机的组合而显示出画的自身世界的统一性和独立性。
难怪他的画商及好友卡恩维勒会如此地评价他:
“即使没有摆弄画笔的本领,他也能搞出绝佳的作品。
”在这幅拼贴的画上,左边的一块报纸表示一只瓶子,那块印有木纹的纸,则代表着一把提琴。
而几根用木炭笔勾画的坚挺的线条,则使这种转换得以实现,并且将那些不相干的拼贴材料,纳入一个有机的统一体中。
这种拼贴的艺术语言,可谓立体派绘画的主要标志。
毕加索曾说:
“即使从美学角度来说人们也可以偏爱立体主义。
但纸粘贴才是我们发现的真正核心。
”在这种拼贴语言的运用中,毕加索显然比别的立体派画家(如布拉克、格里斯等)更为大胆和富于幻想。
别的画家在拼贴不同的纸片时,多少要顾及到是否符合现实逻辑的问题,他们总是把木纹纸限于表示木质的物品(如桌子、吉他)。
而毕加索则全然摆脱这种约束。
在他的画上,一张花纹墙纸可用来表现桌面,一张报纸也可剪贴成小提琴。
毕加索曾在与弗朗索瓦·
吉洛的交谈中,阐述了他对于拼贴的看法:
“使用纸粘贴的目的是在于指出,不同的物质都可以引入构图,并且在画面上成为和自然相匹敌的现实。
我们试图摆脱透视法,并且找到迷魂术(trompeL’esprit)。
报纸的碎片从不用来表示报纸,我们用它来刻画一只瓶子、一把琴或者一张面孔。
我们从不根据素材的字面意义使用它,而是脱离它的习惯背景,以便在本源视觉形象和它那新的最后定义之间引起冲突。
如果报纸碎片可以变成一只瓶子,这就促使人们思考报纸和瓶子的好处。
物品被移位,进入了一个陌生的世界,一个格格不入的世界。
我们就是要让人思考这种离奇性,因为我们意识到我们孤独地生活在一个很不使人放心的世界。
”(弗朗索瓦·
吉洛等《情侣笔下的毕加索》,天津人民出版社,1988年,第60页)
《亚威农少女》
毕加索作,1907年,油画,纽约,现代艺术博物馆藏。
1906年毕加索受到非洲原始雕刻和塞尚绘画影响,而转向一种新画风的探索。
于是,他画出了一幅具有里程碑意义的著名杰作——《亚威农少女》。
这幅不可思议的巨幅油画,不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折,而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破,它引发了立体主义运动的诞生。
《亚威农少女》始作于1906年,至1907年完成,其间曾多次修改。
画中五个裸女和一组静物,组成了富于形式意味的构图。
这幅画的标题是由毕加索的朋友安德鲁·
塞尔曼所加,据说毕加索本人对之并不喜欢。
但不管怎样,这只不过是作品名称罢了。
在现代艺术中,标题与作品的相关性越来越小,画家们常常有意识地不以标题来说明作品的内容。
毕加索这幅《亚威农少女》,想必亦是如此。
该画原先的构思,是以性病的讽喻为题,取名《罪恶的报酬》,这在最初的草图上一目了然;
草图上有一男子手捧骷髅,让人联想到一句西班牙古老的道德箴言:
“凡事皆是虚空”。
然而在此画正式的创作过程中,这些轶事或寓意的细节,都被画家一一去除了。
其最终的震撼力,并不是来自任何文学性的描述,而是来自它那绘画性语言的感人力量。
这幅画,可谓第一件立体主义的作品。
画面左边的三个裸女形象,显然是古典型人体的生硬变形;
而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态,则充满了原始艺术的野性特质。
野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力,并将它们介绍给毕加索。
然而用原始艺术来摧毁古典审美的,是毕加索,而不是野兽派画家。
在这幅画上,不仅是比例,就连人体有机的完整性和延续性,都遭到了否定。
因而这幅画(正如一位评论家所述),“恰似一地打碎了的玻璃”。
在这里,毕加索破坏了许多东西,可是,在这破坏的过程中他又获得了什么呢?
当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来,便开始发现,那种破坏却是相当地井井有条:
所有的东西,无论是形象还是背景,都被分解为带角的几何块面。
我们注意到,这些碎块并不是扁平的,它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉。
我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来;
它们看起来有的像实体的块面,有的则像是透明体的碎片。
这些非同寻常的块面,使画面具有了某种完整性与连续性。
从这幅画上,可看出一种在二维平面上表现三维空间的新手法,这种手法早在塞尚的画中就已采用了。
我们看见,画面中央的两个形象脸部呈正面,但其鼻子却画成了侧面;
左边形象侧面的头部,眼睛却是正面的。
不同角度的视象被结合在同一个形象上。
这种所谓“同时性视象”的语言,被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。
这个呈四分之三背面的形象,由于受到分解与拼接的处理,而脱离了脊柱的中轴。
它的腿和臂均被拉长,暗示着向深处的延伸;
而那头部也被拧了过来,直楞楞地对着观者。
毕加索似乎是围着形象绕了180度之后,才将诸角度的视象综合为这一形象的。
这种画法,彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法则对画家的限制。
毕加索力求使画面保持平面的效果。
虽然画上的诸多块面皆具有凹凸感,但它们并不凹得很深或凸很高。
画面显示的空间其实非常浅,以致该画看起来好像表现的是一个浮雕的图像。
画家有意地消除人物与背景间的距离,力图使画面的所有部分都在同一个面上显示。
假如我们对右边背景的那些蓝色块面稍加注意,便可发现画家的匠心独具。
蓝色,通常在视觉上具有后退的效果。
毕加索为了消除这种效果,便将这些蓝色块勾上耀眼的白