4美术评论怎样评论电视节目9P.docx

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4美术评论怎样评论电视节目9P

美术作品的形式美

美术作品的形式是作品内容的存在方式，是内容的物质化的体现，因此形式应该从属于准确而鲜明地表达内容这一要求。

但是，形式也因为具有相对独立的审美意味而具有相对的独立性。

马克思曾经论述过，人类只有通过审美实践活动，才能培养出“一种能感受形式美的眼睛”，这也就说明，形式美是能够被人们感受到的。

这里所说的形式美，是美的一种表现形态，它有着特定的含义，这主要是指美术语言的合规律与合目的性的组合，也就是符合美的规律与符合审美需要目的的作品外部形式结构。

在艺术史上，美术家们通过长期的创造实践，探索出了一些相对不变的形式美的法则，这些法则都是事物矛盾运动和对立统一规律在美术形式上的体现，因此具有很大的普遍性，也有着能为人所把握的生理、心理基础。

下面就分别列举并结合一些实例作些简要的解释。

变化与统一：

在这里，变化也就是多样，所以也称多样与统一。

事物本来就是丰富多彩和富有变化的统一整体，在美术作品中，个别形象和形式要素、语言的多样化，可以极大地丰富作品的艺术形象，但是这些变化又必须达到高度统一，使其统一于一个中心的形象或主体的部分，这样才能构成一种有机整体的形式。

例如在达·芬奇的名作《最后的晚餐》中，十二个门徒的姿态和表情均不相同，极富变化，然而画家把他们三人一组地分置于耶稣两边，使处于明亮背景前的耶稣对统一画面发挥统摄作用，室内建筑的透视线又进一步加强了他的中心地位和形式上整体统一的视觉效果。

又如《清明上河图》的虹桥一段，画面以客船过桥为中心，桥上下及两岸的各色人物，都为这一情节所吸引，由此而构成多样统一的热闹而紧张的生动场面。

雕塑作品中如希腊的《米洛斯的阿芙洛蒂特》，女神的头、胸、腰、胯和腿，都形成自然而微妙的方向变化，而作为整体，这些部分又统一于女神那呈反S形的人体中轴线，从而构成一种富有魅力的优美、高雅的身姿。

这些作品都是体现多样统一的形式美的典范作品。

对比与和谐：

对比就是应用变化原理，使一些可比成分的对立特征更加明显，更加强烈。

美术形式中的对比因素很多，如大小、曲直、方向、黑白、明暗、色调、疏密、虚实、开合等，都可以形成对比。

和谐就是各个部分或因素之间相互协调，就是指可比因素存在某种共性，也就是同一性、近似性或调和的配比关系。

和对比一样，和谐的因素也是多方面的。

例如在林风眠的《静物》中，直立的玻璃水壶和水平的鱼、黑与白、背景上的橙与绿，都存在鲜明的对比，使画面具有很强的感染力。

然而由于黑白在画中起主导作用，画面仍是和谐的。

而潘天寿的《水仙》由于花丛方向与造型而使整体形式非常和谐，然而在花丛大小、位置、叶的交插及题字上又稍有变化。

因此在美术作品中，对比与和谐，常常是某一方面居于主导的地位。

比例与尺度：

美术作品的形式结构和艺术形象中都包含着一种内在的抽象关系，就是比例和尺度。

比例中包含着数学的秩序，美的人体具有某种比例，在古代希腊就被发现并作为美的规范。

古希腊前期人体比例规范被确定为7个头长，到后期又确定为8个头长。

同时，几何学中的黄金分割又被认为是美的比例运用到美术创作中。

如希腊雕刻《持矛者》的上下身比例以及古希腊建筑《帕特农神庙》的建筑平面与正立面的长、宽之比，都是接近黄金比的。

法国古典主义画家达维特的《萨平妇女》的构图，也是按黄金分割的比例去安排主要人物与次要人物的位置的。

这里所说的尺度，并不是度量上常说的尺寸，从美学意义讲，尺度就是标准、规范，其中包含体现事物的本质特征和美的规律的意思。

例如建筑设计的原则就是要适应人的生活起居与审美的需要，人体的比例、画面的安排都要有一个适当的标准，就是符合美的规律的尺度。

对称与均衡：

对称是指整体的各部分依实际的或假想的对称轴或对称点两侧形成等形、等量的对应关系，它具有稳定与统一的美感。

其中完全等量、等形的对称又称为均齐，具有很强的整齐感与秩序感，如贵州的《蜡染头巾》。

并不完全等量等形的对称，如马蒂斯的《蓝衣妇女》，是一种带有变化成分的对称，使人感到人物形象既稳重端庄，又自然生动。

均衡是从运动规律中升华出来的美的形式法则，轴线或支点两侧形成不等形而等量的重力上的稳定、平衡就是均衡。

如王雪涛的《牡丹》，右上方的花与左下方的枝叶就是依中间的重力支点形成均衡的。

马蒂斯的《静物》中，右边的盆花与左边的大块衬布构成均衡。

均衡的法则使作品形式于稳定中更富于变化，因而显得活泼生动。

节奏与韵律：

节奏本来是表示时间上有秩序的连续重现，如音乐和舞蹈的节拍和节奏。

在美术中，它指一些形态要素的有条理的反复、交替或排列，使人在视觉上感受到动态的连续性，就会产生节奏感。

如法国的《巴黎圣母院》正立面的那些直线、柱廊、拱券乃至光影等，都形成了富有变化的节奏。

韵律的原意也是指声韵上的律动。

在美术中，韵律是指动势或气韵的有秩序的反复，其中包含着近似因素或对比因素的交替、重复，在和谐、统一中包含着更富变化的反复。

如葛饰北斋《神奈川冲浪》中的波状线与曲线所构成的冲浪形象，就充满强烈的韵律感。

拉斐尔的《西斯廷圣母》是西方古典油画中富于韵律感的典范名作，我们的视线可以从位于前景的衣着华丽的教皇开始，他右臂下垂的长袖连到最下方的小天使，他们仰首注视的姿态又把我们的视线引向位于明亮背景前的圣母，他的披巾和长袍构成优美的反S形，飘起的下襟连到圣女身上，最后又达到背后绿色的帷幔。

在所有这些和谐的曲线中，蕴藏着极为复杂而完美的韵律美。

如何欣赏美术作品？

美术鉴赏的程序一般分为叙述、形式分析、解释、评价四个步骤。

具体内容包括：

　　1、叙述（description）

　　陈述画面上可以直接看到的东西，暂不顾其含义和价值判断。

这里又有两种差别，即对写实作品，应指明画中画了哪些东西。

如人物、动物等；而对抽象作品，则应指出主要的形状、色彩与方向等。

即作品给了你什么感觉？

　　2、形式分析（formalanalysis）

　　指探讨一件作品的造形关系，包括各种形状间的相互依存及作用方式，色调的处理，空间的营造，构成原理的运用等。

即作者如何使你产生这样的感觉？

　　3、解释（interperetation）

　　推测美术作品的含义，或者说探讨美术家通过作品所想表达的观念。

即作者想表达什么？

　　4、评价（jndgement）

　　即在一种范围内进行比较，以判断这一作品的优劣。

这种比较应尽可能在相当广的范围内进行，不能仅局限于某一流派或时潮。

再就是要充分注意形式与所表达内容是否有协调性和统一感。

即你喜欢这件作品吗？

　　费德门的这一欣赏程序是由感受到理性的逐渐上升，因此，这种程序应该说是合理的。

拉斐尔《西斯廷圣母》

在拉斐尔留下的无数杰作之中，最著名的当数《西斯廷圣母》这幅被绘制于梵蒂冈著名的西斯廷大教堂内的圣母像，几乎可以被认为是圣母画中的绝品，画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬，不可亲近的模样，将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女，她的脸上洋溢着坦然的骄傲；为自己手中怀抱着的基督，她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱，因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。

这种伟大的母爱，显现于这个身着简朴衣裙，赤足的年青的妇女身上。

她缓步从云端走来，双手抱住紧挨着自己胸前的幼小的基督，微风吹拂起玛利亚的头巾与裙边，侧身站着随同前往人间报信的大天使圣芭芭拉，画面的左端站立着前去欢迎圣母子的降临的教皇西斯托斯。

画面上，帷幔向两边缓缓拉开，圣母马丽亚怀抱婴儿基督从云中冉冉降落。

她的脚边，跪着年老的教皇西斯廷二世和年轻美丽的圣徒瓦尔瓦拉，前者穿着沉重的法衣，用手指着圣母应该去的大地，后者目光下垂，虔敬里略带羞怯，似在为母子俩祈祷。

圣母面容秀丽而沉静，眉宇之间似有隐忧，为了拯救个人类，她将不得不牺牲自己的爱子。

小基督依偎在母亲怀里，他睁着大眼睛望着我们，目光里有一种不寻常的严肃感，似乎他已明白这里所发生的一切。

《西斯廷圣母》在拉斐尔过去创造的圣母中，总是极力追求美丽、幸福。

完好无缺、更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。

而这幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象：

她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。

13世纪意大利伟大诗人但丁对这位天神降临人间的女王唱出了至尊至敬的赞歌：

她走着，一边在倾听颂扬，身上放射着福祉的温和之光；仿佛天上的精灵，化身出现于尘壤。

这幅画没有丝毫艺术上的虚伪和造作，只有惊人的朴素，单纯中见深奥。

画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母脚踩云端，神风徐徐送她而来。

代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世，身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠，虔诚地欢迎圣母驾临人间。

圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。

她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分亭着思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。

人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。

圣母的塑造是全画的中心。

从天而降的圣母出现在我们的面前，初看丝毫不觉其动，但是当我们注目深视时，仿佛她正向你走来，她年轻美丽的面孔庄重、平和，细看那颤动的双唇，仿佛听到圣母的祝手。

西斯廷圣母塑造了一位人类的救世主形象：

她决心牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。

画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母脚踩云端，神风徐徐送她而来。

代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世，身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠，虔诚地迎圣母驾临人间。

圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。

她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享着思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。

人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。

拉斐尔（1483---1520）文艺复兴意大利艺坛三杰之一。

他父亲是宫廷的二级画师。

他从小随父学画，七岁丧母，十一岁丧父，进画家画室当助手。

学习了十五世纪佛罗伦萨艺术家的作品，走上了独创的道路。

从二十二岁到二十五岁创作了大量圣母像，从此声名大扬。

他没有达．芬奇那样经验丰富博学深思，也没有米开朗基罗的雄强伟健的英雄气概。

可是他虽然只活了三十七岁，却成为文艺复兴盛期最红的画家。

他的风格代表了当时人们最崇尚的审美趣昧。

他是个绝顶聪明的人，他的聪明特别表现在善于汲取他人之长，而后加以综合的创造。

他一生创作了不少作品，其中《大公的圣母》和《教皇利奥十世》等，还作了一些建筑设计，并为西斯廷小教堂设计画稿。

他的才能又表现在他创造出最合乎当时人们的口味的形象。

风格被特称为一种“秀美”的风格，不仅使当时人倾倒，并且延续了四百年之久，成为后世古典主义者认为不可企及的典范。

悲剧与抗争：

席里柯的《梅杜萨之筏》

欣赏席里柯的《梅杜萨之筏》。

海上乌云密布：

巨浪滔大，似乎要把木筏和聚在它上面的遇难者吞没。

疾风呼啸着撕攫着帆篷，吹斜了用缆强拴着的桅杆。

在前景的木筏尾部，画着几个己死、将死和听天由命的人。

父亲绝望地守在心爱的儿子尸旁，用手揽着他，仿佛还希望摸出已死的心脏的跳动。

少年死者的身体画得非常精彩，它是这幅画中最富有表现力的形象之一。

少年左首仰卧着一个垂死的人，右边趴着一个伸开一条胳臂的少年的尸休；他上面是一个两眼发呆、似乎已经失去理智的人。

这一组人物的收尾是一个以赤裸的双腿直挺挺倒挂在木架上、头和双手都浸在海水里的死人身子。

这个身体和死去的儿子的身体一样，是整个构图的最强烈、最富有戏剧性的强音。

桅杆附近的一小组人物是从这一组刻着死和绝望的烙印的人物向画面右部满怀希望的人们的过渡。

以仓促架立起来的帐逢为背景的几个人物紧张地注视着天际。

其中突出的是一个用手指着远远出现的船帆的男人。

画面的右部同左部适相对立。

人们强忍着痛苦，挣扎着挺起身子，希望看见刚刚在天边隐约出现的遥远的帆影。

还有一点力气的人爬上了木桶，摇晃看手巾、破布，借以引起“阿尔古斯号”的注意。

这一组热烈、紧张和苏醒过来的人物，以打信号的黑人的生动轮廓告终。

木筏横贯整个画面，而且两端都越出了画面：

席里柯以这种迎面扑来的醒目的刻划造成了最大的感染力，使整个画面形象具有了纪念碑