法国古典主义画家安格尔Ingres.docx
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法国古典主义画家安格尔Ingres
法国古典主义画派最后的代表：
让－奥古斯特?
多米尼克?
安格尔（Jean-AugusteDominiqueIngres）（1780-1867），生于蒙特庞省。
他曾经向杜尔兹学习绘画17岁时到巴黎，投入达维特门下。
当时，达维特正担任拿破仑的首席画师。
安格尔极受达维特的喜爱，达维特曾为他画过一幅肖像：
那微微皱起的眉毛下，有着一双认真思考的眼睛。
1806年，安格尔赴意大利，1824年回到巴黎。
后来，1834―1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推祟拉斐尔。
经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，?
产达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。
作为19世纪新古典主义的代表，安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。
他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。
在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”（文社里语，见《西欧近代画家》一书）。
因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女））、《土耳其洛室》等。
1805年，安格尔完成了“里维耶夫人肖像”一画，这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。
匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。
身体和衣服用象牙白突出出来，组成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。
这两种颜色都被纳入黑色的背景。
红、黄两色的小小变化无害于整体效果。
个性和朴实的表情、明暗和单纯――使这幅肖像别有一种优美滋味的就是这些。
这幅作品于1806年在沙龙中展出，但是它“独特的、革命的、哥特式的”风格特点招来了许多批评家的愤怒。
事后，安格尔去了意大利，在那时奉承研究15世纪的佛罗伦萨绘画，目的是要把自己的风格提高到文艺复兴时期的水平和改造当时的绘画。
他曾说过：
“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。
”那时他被中世纪的艺术所深深吸引。
在1824年时安格尔在巴黎开办了自己的学校，那些追求原始主义的年轻人都投向了他。
追求直率而纯洁的原始风格，把宗教画当作心爱的体裁，对中世纪文艺复兴时代感兴趣，他认为使艺术健全的道路在于通过希腊人和拉斐尔?
桑蒂（RaphaelSanti,1483-1520）去研究自然，注重细节的刻画，而主要是务求线条乾净和造型平整，他强调纯洁而淡漠的美，这是与达维特的艺术观点相对立的。
在对待古希腊的态度上，安格尔无疑投入了更多的感情和热情，此时安格尔是比达维特更纯正的浪漫主义者。
安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。
安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前，先学习了自然。
他曾断言：
“希腊人就是自然；拉斐尔之所以是拉斐尔，就是因为他比别人更了解自然。
”不过，安格尔并不能完全放弃明暗的处理，他还使用很强的，鲜艳得过分而不真实的颜色，以弥补作品色彩的冷淡。
在这种情况下，我们看安格尔的画通常会有这样的感觉：
线条画得太乾净了。
正是这种线条的乾净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，但为了表现明暗和反射（使作品富有内容），他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。
如创作于1819年的“保罗与弗兰西斯卡”。
当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。
但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔，这时的作品就成为珍贵的杰作。
当他初访罗马之后，他又完善了自己的绘画风格，越来越多的杰作出现了，他的艺术也到达了鼎盛期。
安格尔的自然道路就是爱神的道路。
他对女色的嗜好是深刻而一贯的。
当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力往往是空前的。
肌肉、曲线、酒窝、柔韧的皮肤――一切的一切，我们都可以从他的油画上看到。
如果说“保罗与弗兰西斯卡”不是一件成功之作，则“土耳其浴女”则是安格尔的优秀创作之一。
画中的裸体组成了一个中间性的基调，小小的蓝、红、黄各色斑块，如宝石一样嵌缀其间，只是稍显模糊，但非常和谐一致。
在女性美的表现上，安格尔克服了他那种感官上的爱好，赋予了它以传奇的魅力。
这幅画反映了安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。
每个浴女是一种“洗练”和“洁净”的形式，众多的“洗练”和“洁净”结合在一起就使得形式更为丰富。
这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现人体表达方式，是来自古典主义的传统；但是，这种真切而又超越真实，单纯而又变化丰富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味，以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。
在安格尔画的所有描绘女子裸体的油画之中，“瓦平松的浴女”和“泉”无疑是最好的二幅。
“瓦平松的浴女”作于1808年，安格尔时年28岁。
美妙的女子背影使他激动得竟至无暇过多顾及技术。
半明和半暗的调子在这柔嫩的背上颤动着。
色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。
绿色的帘子、浅黄色调的身体、白色的床单、白色带红的绸头巾一一全部安排在一个平面上，如在镶嵌饰物中一样和谐地交织在一起。
安格尔从1830年在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始创作“泉”，但一直没有完稿。
二十六年以后，当他已是七十六岁高龄时才画完此画。
这幅画是安格尔的得意之作。
“泉”把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。
出色地表现了少女的天真的青春活力。
“泉”也是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。
由此可见，安格尔的造型力纯粹是对现实的一种感性的占有，在他的构图创作中，只有当他的可能拜倒于女人面前时，他才创造了真正的艺术作品。
朱庇特与海神”是充分衡量安格尔构图优缺点的一个很好的标尺。
如果把海神这个形象取掉，这幅画就会变成一幅细节刻画完备无缺的平常的学院创作。
严格的理论原则和惊人的轻巧手法在这里汇为一体；但是，这样的结合产生不了真正的艺术。
幸而画中有海神这个形象。
这一形象的姿态之做作是明显的，她的色彩也很不得力，但安格尔却在海神身体的“平面和圆面”的交替中表现出他的激动。
海神的两只手和整个身体都表现着温存。
在这种姿态中，她的身体已经成了听命于美学而非服从于感官的形象象征。
安格尔的肖像画之美，是艺术界公认的。
创作于1832年的“贝尔登肖像”无疑是最着名的一幅。
人们称赞这幅肖像，说它是“生理的肖像，道德的肖像……整个时代的发现……智慧的权力，财富，自信……在我们面前的是一个路易?
菲力普时代的正直的人”。
所有这些，都非常完善地表现在这幅肖像上。
由于安格尔的精心的描绘和细节突出，使得他创造了一个足以表现整整一个时代的坚强人物的形象：
这个形象同贝尔登本人的个性融合得如此紧密，以至现在已经很难把他们分开了。
安格尔生平
让-奥古斯特?
多米尼克?
安格尔（Jean-AugusteDominiqueIngres,1780-1867）
1780年8月29日 生于蒙托榜，他的父亲约瑟夫?
安格尔是蒙托榜皇家美术院院士，母亲是皇宫假发师的女儿。
1786年 安格尔被父亲送入教会学校学习。
1791年 进入图卢兹学院学习美术。
1793-1796年 充当乐队小提琴手。
安格尔为了减轻家庭负担，在图卢兹剧院乐队充当第二小提琴手。
1797年 安格尔来到巴黎，进入新古典主义大师达维特的画室，成绩突出。
1801年 以《阿伽门农的使者》一画获罗马大奖。
1805年 他在巴黎结识了司法官里维耶一家，创作了《里维耶夫人像》。
1806年 赴罗马法兰西学院学习，自此一直在罗马学习工作到1820年。
1806-1820年 在罗马学习、创作和工作。
1824年 在法国展出《路易十三的誓愿》，受到官方赞扬。
同年，在巴黎开办自己的学校。
1825年 被选为皇家美术院院士。
1835-1841年 担任罗马法兰西学院院长。
1856年 象征“清高绝俗和庄严肃穆的美”的最杰出的作品《泉》的诞生，标志着安格尔艺术达到光辉的顶峰。
1863年 蒙托榜市赠予他黄金桂冠。
1867年1月14日 因肺炎卒于巴黎，享年87岁。
《瓦平松的浴女》布面油画，作于1808年，91*162cm1899年藏卢浮宫博物馆
《瓦平松的浴女》（此画后归瓦平松收藏，故得名）是安格尔28岁时创作的。
画家从这个美妙的女子背部看到了使他激动的东西，那就是微妙的色调变化，半明半暗的光色在这个柔嫩的背部微微变化着浮动着。
色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。
他用绿色的帘子、浅黄色调的身躯、白色的床单、白色带红花的绸子头巾――安排在这个背部的周围，就象镶嵌这个富有素描情趣的裸女背部主题那样，加强全画的细腻的绘画性。
帘子与褥巾的褶皱成了这个女人的柔和肤色的陪衬。
浴女斜视着左前方；墙壁的灰调子没有干扰前景上的事物，它们被推得好象很远。
空间与浴巾等物的装饰一如乐曲上的和弦，给人发出娓娓动听的细颤音。
这幅素描人体油画具有特殊的美感表现力。
《瓦平松浴女》反映了安格尔借助于女人体的整体感和细腻感来表现人体单纯、洁净、洗练的美感。
《土尔其浴女》木版油画108*108cm作于1862年1911年藏于卢浮宫
安格尔愿意把自己称为历史画家，这是因为自17世纪“法兰西皇家绘画雕刻学院”成立以来，传统的古典主义信徒一直把历史画视为最高的等级（第一等级为历史画、神话宗教画；第二等级为风俗画、肖像画；第三等级为风景画、静物画），但是，从美术史的角度来看，安格尔最出色的是肖像画和人体画，可是如果把他的肖像画和人体画再加以比较，就会发现他成就最高的是女人体画。
1808年，年仅28岁的安格尔成功的创作了《瓦平松的浴女》。
《土耳其浴女》创作于1862年，如果说《瓦平松的浴女》反映了安格尔借助于女人体的整体感和细腻感来表现人体单纯、洁?
、洗练的美感的话，那么《土耳其浴女》则反映了安格尔借助众多的“洁?
”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。
每个浴女是一种“洗练”和“洁?
”的形式，可是众多的“洗练”和“洁?
”就是丰富的形式了。
这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现具象人体表现这一抽象课题的表达方式，是来自古典主义的传统；但是，这种真切而又超越真实，单纯而又变化丰富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的
《土尔其宫女与女奴》
勃罗日里公爵夫人像
《勃罗日里公爵夫人像》描绘的是一位端庄优美的贵妇人，画中沙发上的外衣、手套和扇子似乎说明她正准备外出或刚从外面回来。
作者将人物的皮肤和各种对象的质感处理得维纱维肖，在表现手法上其造型丰满圆润，线条柔美流畅，色彩清纯恬淡，衬托出女主公的高雅气质。
泉1856年164X80厘米 卢佛尔美术馆
《泉》实现了他对人体美与古典美完美结合的形式追求。
在这里，他展示了人类普遍赞美的恬静美、抒情美和纯洁美。
他描绘一位举罐倒水的裸体少女，身躯略呈S型，婀娜多姿，双目透出清纯，虽然身体袒露，却让人觉得她如清泉般圣洁。
自画像,1807,布上油画
拉菲尔和模特,1814,布上油画，藏于美国哈佛大学博物馆
大宫女,1814,布上油画，藏于巴黎卢浮宫
是安格尔画的土耳其宫中宫女闺房生活的情景，具有浓郁的东方情调。
首先，就新古典主义绘画风格而言，它破坏了色彩的"音域"，背景的蓝色与皮肤的淡黄色，人体的明暗与粉红色调等，都显得极不谐调；其次，女裸体态的夸张，成了变形美的试验。
就此而言，安格尔显示了自己艺术的独立性和美学信念的独立性。
倘若从历史的角度去看，安格尔的探索勇气是值得称道的。
素描,私人收藏
素描,1818,藏于巴黎卢浮宫
少女肖像,1805,藏于巴黎卢浮宫
帐中的众神1801,布上油画巴黎美术馆
《玛丽的玛科特夫人》
《庞库克夫人》
《贝尔登像》
安格尔也是一位杰出的肖像画家,当时由于时代的虚荣心,他并不承认自己是肖像画家.事实上,法国的古典主义绘画在肖像画上有突出的贡献,但那种风格的肖像画一般都把人物画得十分高贵和典雅,而安格尔还增加了一个层次,那就是华丽,这一点在他许多为贵族夫人作的肖像画上是最明显不过的了。
尽管安格尔不愿承认自己有肖像画能力,但每当他经济窘迫时,又不得不靠画肖像来缓解自己的困境.安格尔极善于作铅笔肖像,素雅的人物肖像由于线条流畅而简练,形象极富诗意。
他的肖像画价一直呈上涨的势头,因为他画的肖像实在太美了,不仅精确无误,并且象一首室内钢琴曲,别具一种视觉感染力,这一点连他的敌人也承认。
这一幅《贝尔登肖像》正是他所画的男子肖像中最精彩的一幅，如果说在他那些贵夫人的肖像上,线条在某种程度上让位于他所瞧不起的色彩,那么,在这一幅《贝尔登肖像》上,更强烈的成分不是色彩,而是耐人寻味的素描。
面对真实的人物,线的绵密与一丝不苟把他的肖像艺术拓向一个更富陈述性的境界。
《贝尔登肖像》作于1832年,作画之先,他为这位著名的《论坛报》（《JournaldesDebats》）的编辑和创办人路易?
弗朗索瓦?
贝尔登先生已画了各种姿势的速写.到正式给贝尔登画油画肖像时,后者已66岁。
画家把这位精力充沛的事业家用素朴的色彩与背景来加强他的形象表现力：
他坐在椅子上,穿着黑色的衣服,胖胖的身材,气度不凡,一对锐利的眼睛煞是传神。
嘴角露着一丝难辨的微笑.这位性格较沉着的鬈发老人,一下子抓住了观赏者的注意力。
使人们深感肖像的神采奕奕。
评论家戈蒂叶观后称赞这幅画是"生理的肖像,道德的肖像,……是整个时代的发现",简言之,就是一个路易?
菲利浦时代的事业家的崭新人物的发现。
这里,素描的内涵超越了造型的一切手段.画家以细致入微的观察力,捕捉这个人物的典型性格特征。
我们只要从贝尔登那双有力的,握在膝头的丰满的手,便足以令观赏者心悦诚服了.此幅肖像现藏巴黎卢浮宫。
《任第一执政官时的拿破仑》&《王座上的拿破仑一世》
安格尔在等待去罗马留学的这段时间,曾接受过今属比利时的列日城的一幅订件,为那里画一幅《第一执政波拿巴肖像》,此时正值1803年,即路易十六被处死之后,拿破仑又发动旨在推翻督政府的雾月十八日政变的重要时期.这位第一执政官要实行全国的军事独裁统治,人民无不切齿痛恨.安格尔却应允去完成这样一幅肖像画.1806年,他又画了《拿破仑一世在皇座上》,这后一件作品已是赤裸裸地为庆贺这个军事独裁者称帝而创作的歌颂性作品.安格尔不问政治,却在这两幅画上宣告了自己的立场.当作品于同年在巴黎沙龙展出时,受到了舆论界的冷嘲热讽.在罗马的安格尔获知这幅画的反应后,心情非常沉重,曾愤慨地表示:
"人们总以为,沙龙是鼓励绘画的地方,其实不,它给绘画提供的是一条可悲的道路."1813年,他与玛德莱娜?
夏佩尔小姐结婚,总算使他得到一些慰藉.他说道:
"夏佩尔是自我牺牲精神的典范,她成为我生活中的安慰."这时,他除了画神话题材之外,还画了几幅裸体题材的大画,准备送往巴黎再度露面。
《路易十三的誓约》
安格尔尽管自己宣称是历史画家（包括宗教神话故事画）而不是“低级”的肖像画家，可是他的杰出成就恰恰就在肖像画而不在“高级”的历史画，宗教画是他最拙劣的创作，因为安格尔根本就没有宗教感情。
这幅画是应他的故乡蒙托邦市圣母院而作。
画中描绘路易十三捧着王冠和权杖向圣母发出誓言，誓言刻在一块金色版子上由两个小天使举着，画的上半部由两位天使拉开帷幕，圣母子高踞于天使驾着的云端之上俯视人间，这幅画给人们第一个视觉感受，是模仿拉斐尔的造型和画法。
对此，画家并不忌讳，他辩解说：
“请问著名的艺术大师哪个不模仿别人？
从虚无中是创造不出新东西的，只有构思中渗透着别人的东西。
所以从事文学艺术的人在某种程度上说，都是荷马的子孙。
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