艺术创作与生活及艺术创作的形式.docx
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艺术创作与生活及艺术创作的形式
第一章、艺术创作与生活/第一节、生活是艺术创作的源泉
艺术创作来源于生活，生活是一切艺术创作的先导。
画家只有通过深入生活，才能找到创作题材、创作素材和创作灵感。
一个创作者的生活经历越丰富，创作出来的作品就会越生
动，但生活经历丰富并不意味着就一定能创作出生动的作品来，所以，不能把生活和创作划等号。
从生活到创作对具体的创作者而言，要作具体的分析。
画家深入生活，是创作中的必不可少的途径没有生活，一切创作活动只能是无本之木、无源之水。
但是，有生活并非一定能出好作品，重要的是对生活的体验，如何去体验生活是深入生活的关键。
艺术创作的基础是面向生活，面向人民，像“黄土画派”创始人刘文西教授，几十年来深入陕北黄土高原，扎根黄土地画人民，创作了大量反映陕北人民生活的作品，成为了具有广泛的社会影响的艺术家。
同时，在他的带动下，一大批画家自觉地深入生活，深入群众，推出了大量反映人物、风情、风俗、风景的作品，具有大西北黄土地美术特色的总体风格，他们的作品洋溢着饱满的生活热情和真诚的艺术情感，超越了具体描绘的形象，感动了广大观众，获得
了社会广泛认同。
“黄土画派”以其面向生活、面向人民的鲜明主张，以其鲜明的民族气派、鲜明的时代特色的艺术创作，成长为一支具有旺盛生命力的艺术创作群体。
生活是艺术创作的源泉。
但是一段时间以来，特别是在市场经济冲击下，在我们的艺术创作中出现忽视生活的倾向。
一些美术创作机构如美协、美术学院、画院、群艺馆组织画家深入生活的主动性少了，画家自己深入生活的热情也减少了。
即使有些画家去体验生活，也是走马观花，拍几张照片而已。
缺少了与生活的直接的深切的感情交流，一些画家更多地关注艺术形式上的创造，出现“为艺术而艺术”的情况。
近年来，艺术界在深刻反思这种忽视生活带来的种种问题。
艺术要为人民。
艺术应真诚地反映人民，反映时代的声音，要准确地把握人民的喜怒哀乐，就要贴近生活、贴近人民、贴近实际。
只有“三贴近”，才能与人民心心相印，只有“三贴近”，艺术创作才能经得起时间的考验，我们应向“黄土画派”学习其面向生活、面向人民的创作精神，让生活是艺术创作的源泉的观点成为艺术创作的自觉行为。
向生活学习、向人民学习、向时代学习，还要向传统学习，向世界学习，全面吸取营养，推出更多具有鲜明个性和时代精神的艺术作品来。
附：
黄土画派（
画派简介
黄土画派是扎根于黄土地、崛起于黄土地、辉煌于黄土地的美术画派，是中国画坛上的一株光彩夺目的奇葩。
是继长安画派之后又一个令世人瞩目的绘画艺术流派，它是以人物画为主、以西安美院为主体的学院式画派，他们的作品形成了阳刚豪放、雄浑大气和勃勃向上的理想现实主义风格。
创始人刘文西
刘文西教授，原西安美术学院院长，教授。
1933年生于浙江省嵊县水竹安村，1950年入上海育才学校，1953年入浙江美院。
1958年到西安美院工作至今。
他三十余年一直从事繁重的教育工作，同时不断的创作实践.陕北是他的生活基地，每年用不少时间泡在这块浩瀚而浑厚的黄土高原上与陕北人民建立了深厚的感情，并在作品中力求描写陕北人民的特有个性和气质，以及陕北的革命历史和风土人情.大量的作品使他以独创的面貌和风采，在中国画坛上形成黄土画派。
数年来，他在国内外发表作品近千幅，出版画册十余种。
中国美术馆收藏25件，获国家级奖7件，主要作品如《同欢共乐》《祖孙四代》《转战陕北》《知心话》《奠基礼》《沟里人》《北斗》《解放区的天》《山姑娘》《虎娃》《黄土情》《湾湾黄河滩》《基石》等，无不给人留下优美而隽永的回味,受到广大群众的欢迎。
画派历史
以中国美协顾问、西安美术学院名誉院长、黄土画派创始人刘文西为代表的黄土画派，长期以来在毛泽东同志《讲话》精神的指导下，栉风沐雨，不畏艰辛，向生活寻找创作源泉，向
人民群众汲取营养，创作了大量反映生活战斗在黄土地上的人民群众改天换地英姿风采的艺术作品。
在他的带动下，形成了以刘大为、杨晓阳、赵振川、王有政、陈光健、崔振宽、罗平安、戴希斌等60多位画家为骨干的黄土画派。
他们活跃在黄土大地的山山水水和沟沟峁峁，为黄土高原和西部的崛起挥彩泼墨、擂鼓放歌。
画派宗旨
黄土画派提倡要向生活学习，向人民学习，向传统学习，向世界艺术学习，向时代学习，从而全面汲取营养，加强人物画创作，提高人物画创作的水平，使人物画更具有深刻的个性和艺术魅力。
人物画既要继承发扬传统的造型艺术规律和笔墨表现力，又要汲取西洋画严格深入的造型基本功力，力求在表现人物的内心世界和个性的同时追求强烈的地方特色，创作出具有深刻思想内涵和鲜明时代感，能打动人心、催人奋进的人物画；同时也重视山水、花鸟画的创新，创作具有浓厚地方特色，鲜明个性和时代精神的崭新的山水和花鸟画。
山水花鸟画要开阔视野，扩大题材，既要有传统功力又具有时代新鲜感，有浓厚的地方色彩和鲜明的时代色彩，创造出具有感染力的山水花鸟新作品。
总之，要熟悉人、严造型、讲笔墨、求创新，植根黄土画人民，表现时代出精品。
这是我们创立黄土画派的心愿和目的。
第二节、如何感受生活
体验
从绘画心理学角度来看，任何生活都在于感受和体验，感受与体验是否渗入感情是其中至关重要的方面，没有对生活的体验，对创作者来说，等于没有生活。
然而，体验又是创作者思
想和经验的结晶，对生活的体验取决于画家体验的深度和对生活认识的深度，取决于画家思想的深度和画家思维活动的过程。
对生活的体验，必须具备两个方面的因素：
其一是体验本体是否具备体验的主观意识：
其二是体验客体是否能与体验者产生某种共鸣，这些都体现在体验者在生活过程中是否有所发现。
发现
发现是画家体验的结晶，是体验成功与否的试金石。
发现的过程实质上是一个对事物本质认识的过程，同时又是一个直觉思维的过程。
它告诉体验者在体验过程中所引起的具体感受是什么，与其他事物有什么不同，不同的体验才是发现。
发现的前提是在心理学上依据因果规律说明审美愉悦是什么，并根据这种愉悦或不愉悦推至什么样的对象及其事物而引起这种体验的本身在创作灵感中的作用。
当人们观察冬日景色时，会出现许多不同的体验实效：
有的人表现出畏惧寒冷的胆怯，体验出孤独、冷漠、无望甚至压抑：
而有的人则充满了迎接考验的勇气，
体验出直面困难的信心和力量。
通过对前者的体验，如果画家以此发现了在雪中冻死的茅草，勾起对弱者的同情，这种发现在自己潜意识中找到了一种对生命的绝望，这当然也是发现的一种。
而通过后者的体验，如画家以此发现了雪中傲立的红梅，勾起对强者的赞美，这种发现在自己潜意识中找到了一种对生命的歌颂，这无疑也是一种发现。
不管是前者还是后者，只要是有了与众不同的发现，才是生活体验成功的关键。
领悟
对任何事物的观察、体会和发现，领悟是最重要的。
这种领悟不是道学家的，也不是法学家的，更不是哲学家的，而是艺术家的，即要有艺术家的领悟。
德拉克罗瓦创作的《受雷电惊吓的马》在对艺术家的领悟能力方面是一个非常好的例子。
马是最容易受惊的，这是较常见的现象，一般不会引起人们的注意。
而德拉克罗瓦能从这司空见惯的现象中体验到常人不曾有过的感觉，发现与此有着密切关系的联想，领悟到人与动物之间的共同点，是画家对惊恐的一种认识，或者说是某种事物在画家心里所产生惊恐感的结果。
这绝不是一般意义上的发现，而是这种现象在画家自身体验中的升华或者说是一种特殊的心灵领悟，这就是杰出画家和普通人在艺术创作与生活之间的区别和差距。
它说明体验的意义在于领会和再现事物的内在本质，即所谓的“悟”。
正是这种“悟”，成为画家最为重要的创作初衷。
当人们看到一处风景，马上会联想到这
种风景给人的印象，或者产生某种回忆。
这种印象是最具领悟意义的，而这种回忆则是经验的，所以经验同样重要。
当一个人曾在某种风景中有过甜蜜的故事，那么他领悟的这处风景当然给他带来甜蜜的感觉：
相反，如果这个人曾经在某种风景中遭受过打击或者是惊吓，那么他看到这种风景之后的领悟是不言而喻的，当然这并不能完全说明艺术家的领悟仅仅是局限在这么一个范围之内。
正像苏里科夫看见一只黑色的乌鸦便联想到莫洛卓娃，因而激发了他进行《女贵族莫洛卓娃》的创作热情，对于乌鸦和莫洛卓娃两者之间画家所产生的联系，这就是画家“悟”性的发挥。
构思
构思是画家创作过程中必不可少的重要环节之一，构思是水彩画以及一切绘画创作的第一步。
构思是将创作者心灵深处潜意识的感觉、领悟和思想画面化、具体化、形象化和场面化的“发酵房”是创作者在某一创作主题的想象内进行的运筹与思考过程。
因此，研究构思的目的是力求通过对画家创作过程中的思想以及创作心理的阐释，从中了解画家是如何选择创作角度、如何确定创作主题，以揭示画家在这一环节中的思维方式和心理流程。
人们对任何事物都有认识的过程，构思就是对这一认识过程的总结和提炼。
在创作的构思阶段，通过对生活的体验和对主题的选择，大量的信息被创作者收入他的大
脑，产生某种冲动。
从构思的意义而言，选择什么素材来表现主题，如何使这些素材为主题服务是最为困难的工作。
从构思的整体关系来看，画家对所掌握的素材进行精选是惟一的手段，随之而进行的素材综合，则完全是创作者通过对主题的理解来确定。
因为并非所有的与主题有关的素材都能放进画面，所以，构思中便会出现两个引人关注的问题：
其一是确定作品的主题，这里包括了对主题的认识、提炼和升华：
其二是如何表现这个主题，通过水彩画中什么形式和手段以及语言来表现会更好。
构思的过程极为复杂，与绘画的思维形式和表现样式有很密切的联系
。
有关构思的问题必须落实到某种艺术的样式上，才有可能展开。
最为传统的样式是画家通过某一故事、某一情节来进行构思和创作。
意大利画家达芬奇的作品《最后的晚餐》是比较典型的，这类创作构思与叙事性散文和小说十分相仿，我们将这类体裁的绘画称之为情节型绘画。
另一样式是情感型绘画。
情感型绘画与情节型绘画不同，它所表达的内容和事物不再以叙述某个故事为目的，它对社会生活的反映，是从绘画形象所渗透的思想感情、所寄托的理想来进行构思的。
在这类作品中，画家廖剑华在《红土》表现得比较典型，我国宋代画家马远也属于这一类画家，情感型绘画的构思和抒情性诗歌十分相仿。
中国古代画家所谓“寄情山水”，就是指在对山水等自然景物的观察体验中寄托自己的情感志向，同时通过所表达的事物反映画家的审美情趣。
从绘画自身的意
义说，这类作品还没有真正体现绘画最为本质的特点。
因此，画家在不断探索之中，又出现了一种象征型的创作样式。
如中国的文人画以梅兰竹菊为题材，体现画家自己的寄托。
同样，法国画家德拉克罗瓦的《自由领导人民》也是比较典型的代表作之一。
随着西方哲学的发展，画家又开始面向一个新的领域进发，创作了很富哲理性的绘画作品，这一类作品我们称之为哲理型绘画。
西班牙画家达利的作品《内战的前兆》，是一幅比较典型的表达画家人生观和哲理思想的作品。
画家在不懈的追求中拓展着绘画艺术的创作构思，在绘画创作的样式中，出现了接近叙事散文和小说功能的情节型绘画、接近抒情性诗歌功能的情感型绘画、表现音乐思想的象征型绘画和接近哲学功能的哲理型绘画，把绘画的外延部分拓展到了一个极限：
在绘画创作的形式中，也从极度的写实发展到了极度的抽象。
有鉴于此，现代画家们也在绘画自身之中进行着艰苦的探索和实践，力图追求一种任何其他艺术和文学都替代不了的功能，即绘画自身的功能，我们把这种样式称之为纯绘画型艺术。
纯绘画型构思只考虑绘画自身的模式，而扬弃与绘画无关的东西，使绘画独立于一切艺术样式之外，成为真正意义上的绘画。
第二章、艺术创作的形式/第一节、艺术结构与艺术语言
造型艺术的艺术结构
造型艺术有着不同于其它艺术的独特的艺术魅力，运用点线面、形光色等造型手段，运用
表现、再现等艺术表现手法在空间中塑造具体的、个性化的视觉形象来反映生活,表达创作主体的审美感知和审美理想的艺术。
我们知道，造型艺术是依赖于视觉欣赏和感受的视觉艺术，它是运用点线面、形光色等造型手段，在二度空间中塑造具体的、个性化的视觉形象来反映生活，表达创作主体的审美感知和审美理想的艺术。
它的独特之处在于，正是因为它的造型必须是在空间上展开，这才为空间创造出人们所需要的立体幻觉提供了可能，艺术家利用人类视觉的虚幻创造出空间上的立体，这无疑是空间给富于想象的聪慧的艺术家们提供了创造的土壤，也为开拓空间构成的抽象、装饰绘画提供了解构意义上的需要；正是因为它的视觉直观性，艺术家们才会运用跃动的笔触或强烈的光影给视觉以温柔的爱抚之后让你觉得余音未尽，余味无穷；也正是因为它是静
态的画面，艺术家们才可能去力图冲破这一凝固而又单纯的二维空间，运用生活中最具启发性的一瞬来展现这一瞬的前前后后。
德国美学家莱辛说：
“绘画在它的同时并列的构图里，只能运用动作中的某一顷刻，所以就要选择最富于孕育性的那一顷刻，使得前前后后都可以从这一顷刻中得到最清楚的理解。
所有造型艺术形式及整个艺术创作过程中，都会涉及到结构问题，结构是一种普遍的存在。
没有合适的结构，就不会有明确的外在形式。
造型艺术基础中的“结构”概念
一、什么是结构
“结构”是一个组合词，原本是指房屋建造或房屋式样，后引申指事物各个部分的配合和组织。
可以这样说，凡是由多个部分组合在一起的整体，都可以称为结构。
因此，按字面的简
单理解，“结构”就是联结在一起的构件。
造型艺术各专业的课程设置，都是为培养专门人才服务的。
课程是部分，是构件，共同配合组成一个培养目标的整体，这可以称为专业教学结构。
每一件完整的艺术作品，也都有一个完整的有机结构。
因为每一件作品都是作者按照塑造形象和表现主题的需要，运用了相关的艺术表现手法，把一系列表现元素加以安排和组织的结果。
比如一幅油画作品的产生，就是作者运用了油画的表现形式，将自己生活中的感受进行了可视的表达。
这幅油画包含了构思、构图、造型、色彩等软性构件和画框、画布、颜料等硬性构件，是这些构件的有机联结，才构成了一幅具有审美价值的油画作品。
这是广义的结构概念。
“结构”在造型艺术特别是基础教学中的一般含义是指形体结构，这也是本文所要论及的主要内容。
形体结构包括形体和结构两部分。
形体是指物象的形状、形貌、形态、体积以及所处的空间；结构是指形体的内在构造。
形体是外在的、显性的、整体的，结构是内在的、隐性或半隐形的、部分的。
外在形体与内在结构是统一的。
造型艺术所探究的形体，是物象的外在特征，但又不忽视内在结构对整体的深刻影响。
从这个意义上讲，“结构”更贴切一些的解释应该是：
能感觉或观察到内在构造的有机整体。
色是光的一种表现形式，由于光波的长短不同而产生出多种色。
一般而言，色是附着于形之上的，而且在造型艺术基础教学阶段，色彩课的基本要求也是用色来造型。
型，即形体，所以，把色彩也放在形体结构之中来谈论，似乎并无不妥。
二、空间结构－解剖结构－色彩结构
自然状态下的具体物象，都处在一定的空间之中。
在人的视觉中，这些物象的形状、体积和色彩都会因空间的存在而呈现出透视现象。
透视知识是探究空间结构的指导方法，不了解基本的透视原理，也就无法理解和表达空间结构。
近大远小，近实远虚是空间结构存在的具体体现，正确的透视方法能形成强烈的空间感和画面效果。
构图布局探究的是物象在画面中的空间安排，是画面的骨架，也是构成一幅作品的基本要
素。
直观性构图以实景为基础，注重对物象作直接写实的组合；主观性构图重视作画者的主观感觉，注重对物象作变形处理或重新组合。
曾流行于西方的“立体派”绘画，采用将物象的上下左右前后内外全部平面展示的观察方法，去探究多面积的物体结构。
后来出现的“结构主义”流派，更将一切复杂的自然形体都概括为方形、三角行、圆形和线条等抽象符号，突出表现一种形式上的结构关系。
由于这些作品注重创造性，并有着强烈的图案装饰趣味，一直都受到现代设计艺术的重视，也为写实艺术提供了一种认识结构整体关系，立体地理解和表现物象结构的参考方法。
解剖结构泛指一切物象的内部联结，而不单单指人体和其他生命体的生理结构。
人体的生理结构是最具复杂性和完美性的组合，画人体的时候，仅仅满足于一个空洞的外形是远远不够的。
即使是简单几笔线条组成的人体速写，也要求把比例、动态、关节、骨骼及肌肉的起伏特征表现出来、而这些特征的突显都是因解剖结构决定的。
一个自然站立的人体，其
脊椎是呈“S”形的，脖子稍向前倾，双腿也并非完全垂直向下。
不了解这些，画站立的人体就会显得不自然、不生动，像机械而非有生命的人体。
另外，人的运动不能脱离骨骼和肌肉的配合，向前弯曲的关节，不能向后弯曲，反之也一样。
缺乏这些相关概念，就没有办法进行与人体相关的艺术造型和艺术设计活动。
熟悉了人体解剖结构，再去画动物就要容易得多，因为人也是动物家族中的一员，许多解剖特征与其他动物有一致性或相似性，许多基本概念是相同的。
相当部分的人造物其外观比例也都与人体相关，因为人造物都是为方便人的使用而设计的。
假若你想象一台未来的器械或要重新设计一个物品的外观，如果没有对现成的器械或物品的参照，这个想象或设计恐怕很难得到今人的认可。
同样，风景的描绘也离不开对自然、地理、气候、植物等基本知识的认识和了解。
器械是诸多零件的组合，物品外观是诸多设计元素的组合，风景则是诸多自然物象的组合，它们都含有广义的解剖结构。
造型艺术的艺术语言
艺术语言
人类最基本的交流工具就是语言。
艺术语言是指艺术作品的表现形式，是一种比喻说法，也就是说艺术作品的形式在艺术作品中起着一种表达的作用。
艺术语言是抽象的，感性的，它与人类的语言是不同的，但是它们都具有着一种表达的作用。
一首歌曲，一幅画作，它们告诉我们的不单单是一些客观事实的存在，并且告诉了我们它们存在的意义，是一种精神层面上的表达方式。
不管是那一种艺术种类，它们都有属于自己特殊的语言。
要想真正的了解艺术，就必须要了解它们的语言。
造型艺术的艺术语言又称艺术语汇。
指的是各种艺术体裁用以塑造艺术形象、传达审美情感时所使用的材料和工具。
艺术语言是艺术作品形式的基本构成要素。
艺术作品的特定内容必须借助于一定的艺术语言才能表现出来，成为可供人们欣赏的对象。
没有艺术语言，也就没有艺术作品的存在。
各个艺术门类，在长期的艺术发展中，都形成了自身独特的艺术语言。
如绘画以线条、形状、色彩、色调等艺术语言，构成绘画形象；音乐以有组织的乐音、旋律、节拍、速度等艺术语言，构成音乐形象；建筑以空间组合、形体、线条、色彩、光影、质感和装饰等艺术语言，构成建筑形象；工艺美术以质材、造型、色彩、装饰等艺术语言，构成工艺形象；电影以画面及画面的组接即蒙太奇，构成电影形象等。
艺术语言的类型有写实的、夸张的、隐喻的和象征的几种。
艺术语言以表现内容为目的，同时也具有独立的审美价值。
随着艺术创作实践的发展，艺术语言也在不断地发展更新。
熟练地掌握并运用本门类艺术的艺术语言，是对一个艺术家起码的要求。
艺术风格
指艺术家或艺术团体在艺术实践中形成的相对稳定的艺术风貌、特色、作风、格调和气派。
它是艺术家鲜明独特的创作个性的体现，统一于艺术作品的内容与形式、思想与艺术之中。
艺术风格是艺术家走向成熟的重要标志，是衡量艺术作品在艺术上的成败、优劣的重要标
准和尺度。
艺术风格可分为艺术家风格和艺术作品风格两种。
由于艺术家世界观、生活经历、性格气质、文化教养、艺术才能、审美情趣的不同，因而有着各不相同的艺术特色和创作个性，形成各不相同的艺术风格。
艺术作品风格是作品内容与形式的和谐充一中所展现出的总的思想倾向和艺术特色，集中体现在主题的提炼、题材的选择、形象的塑造、体裁的驾驭、艺术语言和艺术手法的运用等方面。
它有时指某一艺术作品的风格，有时指一系列艺术作品所表现出来的总的格调。
艺术家风格和艺术作品风格有着不可分割的密切关系。
艺术家风格并非抽象、空洞的存在，而要具体落实到艺术作品上；艺术作品的风格也不是无源之水，无本之木，它直接根源于艺术家的风格。
艺术风格的主要特征是：
个体性与社会性相统一；稳定性与变异性相统一；一致性与多样性相统一。
艺术风格具有时代性、民族性，在阶级社会里，还不可避免地打上阶级的烙印。
社会主义的艺术，提倡政治方向的一致性和艺术风格的多样性，鼓励艺术家在“二为”方向、“双百”方针的指引下，发展不同的艺术风格。
当然一个时代也有一个时代的艺术风格，这是由于人们在一段时期内受到共同的影响有着比较接近的审美趋向。
比如汉代大多崇尚简洁浑厚的艺术风格，18世纪的法国流行装饰味极强的洛可可风格等。
造型艺术的艺术语言
绘画艺术
（一）绘画艺术的基本审美特征
绘画是一门使用一定的物质材料，运用线条、色彩和块面等语言，通过构图、造型和调色等手段，在二度空间（平面）里创造出静态的视觉形象或情境的艺术。
绘画艺术的基本审美特征是：
第一，追求视觉形式。
绘画是一种具有直观性的视觉艺术形式，在绘画中，一切精神性的内涵都是需要通过变幻的形式来表现。
第二，具有瞬间延展性。
绘画艺术的语言是线条、色彩和形体块面，由它们构成的画面是凝固的静物形态。
绘画以这种瞬间的凝固不动的的形象来表现丰富的内涵。
绘画表现动作时必须“寓动于静”，也就是选取动作发展的某一瞬间，而最佳的一瞬间应当是最能让想象自由活动的那一顷刻，能使人想象出更多的东西来的一瞬间。
第三，具有形神兼备性。
绘画艺术总是通过具体的艺术形象表现丰富的精神内涵。
线条、色彩和块面是绘画的基本语言。
1、线的种类大体可分直线和曲线两类。
直线有垂直线、水平线、斜线、折线和交叉线等；曲线有弧线、波浪线、螺旋线等。
线的感觉。
不同的线给人的感觉不一样。
垂直线给人庄严、挺拔、高洁、希望、正直等感觉。
水平线具有平和、安定、静止的感觉。
斜线则富有变化、运动、紧张和不安的感觉。
规则的曲线使人感到明朗、整齐、圆滑、有序。
自由的曲线则显得活泼、优美、生动、柔和。
线的运用和表现。
运用线的疏密、长短、曲直排列变化，来表现黑白关系，既能表现人物形象又富有审美情趣。
2、色彩
色彩的三要素叫色彩三属性,是指任何一色同时含有三种属性,即色相、明度和纯度。
（二）绘画的种类
绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。
从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；
从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等；
从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；
从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。
不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。
中国画又称水墨画，它在世界绘画领域中自成体系，独具特色，是东方绘画体系的主流。
在工具材料上，中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的，它讲究笔墨，着眼于用笔墨造型。
在表现方法上，中国画采用一种散点透视的方法。
在画面的构成上，中国画讲究诗、书、画、印交相辉映，形成独特的形式美与内容美。
油画是西洋绘画的代表，它是世界绘画艺术中最有影响的画种。
常见的有以下几种：
1、油画
油画是以油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）为调合剂调合颜料，在经过制作的不吸油的质地上（亚麻布，纸板或木板）上描绘制作的一个画种绘画。
最早起源于欧洲，大约15世纪时
由荷兰人发明的，用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。
油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。
颜料可以层层重叠，因此可以传达出物象的质感、量感，以及所处空间的光线、色调和气氛，具有很高的写实性。
油画还要加上外框，把观众的视野集中到画面。
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